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店铺： 蔚蓝书店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550287327

商品编码：29724907953

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	如何听爵士 音乐 书籍
作者：	[美国]（美]）特德·焦亚，未读 出品
定价：	45.0
出版社：	北京联合出版公司
出版日期：	2018-05-01
ISBN：	9787550287327
印次：
版次：	1
装帧：	平装-胶订
开本：	32开

内容简介

爵士乐的精髓何在？我们该如何品鉴大师级的演奏？即兴演奏就是随意发挥吗？为什么听、如何听、听什么、听谁的，有关爵士乐的种种疑问，你都将在这里找到答案。       美国杰出音乐史学家、爵士乐评论家特德·焦亚在本书中与我们分享了自己的赏乐之道，他从爵士乐的核心谈起，扩展至爵士乐的结构、历史、流派、名家赏析，以深入浅出的语言向我们讲述了“如何听爵士”，只要用心聆听，定能深入爵士乐纷繁复杂的中，揭示其魅力所在。

目录

引言 章 节奏之谜 第二章 走进音乐 第三章 爵士乐的结构 第四章 爵士乐的起源 第五章 爵士乐风格的演变 第六章 走近爵士乐革新家 第七章 在当代聆听爵士乐 附录：150位爵士名家 致谢

编辑

5个爵士乐关键元素 12种爵士乐风格 9位爵士乐大师 150位当代爵士名家 ★ 爵士乐终身成就奖得主全新力作 本书作者特德·焦亚被誉为“美国杰出的音乐史学家之一”，著有爵士乐相关书籍10种，作品屡获殊荣。他于2017年5月获得“爵士乐新闻记者协会”授予的“爵士乐终身成就奖”。 ★ 获评经济学人年度好书，广受赞誉  入选《经济学人》2016年年度好书，《华盛顿邮报》《出版人周刊》《纽约客》《纽约时报》等多家媒体盛赞。台版书亦得到焦元溥等多位专业人士，上市后迅速突破两万册。 特德·焦亚做得太好了，许多人会因此爱上爵士乐！——《经济学人》 ★ 匠心独运、清晰轻巧的赏乐指南  作者身兼音乐史学家与爵士乐手，他从一种全新的角度，将多年积累的私家赏乐建议凝结于这本轻巧的指南中，透过纷繁复杂的音乐解开了爵士之谜。 ★ 国内爵士乐坛重量级大咖  知名DJ、中国爵士乐坛先锋人物张有待作序；张北音乐节及天漠音乐节的创办人、《爵士圣经》作者李宏杰撰写语。

媒体评论

特德·焦亚做得太好了，许多人会因此爱上爵士乐！——《经济学人》 本书填补了一项知识空白，深入浅出地介绍了“20世纪*快乐的声音”。——《华盛顿邮报》 正如焦亚先生所说，这本书的突出特点就是：这是一本“音乐地图”，是一本关于唱片的赏乐指南。——《华尔街日报》 这本书让我忽然明白了自己为何热爱爵士乐。—— 张有待 《如何听爵士》让每一个普通爱乐人士都有机会成为拥有专业耳朵的爵士行家：只要按照书中的方法，循序渐进地去聆听和感受，一定会有惊喜出现！——李宏杰

好的，这是一份关于一本名为《世界音乐之旅：从古典到现代的旋律探索》的图书简介。 --- 图书名称：世界音乐之旅：从古典到现代的旋律探索 图书简介 引言：穿越时空的音乐回响 音乐，是人类情感最直接的载体，是文明演进的无声史诗。从远古的部落歌谣到数字时代的电子节拍，不同的文化、地域和时代，都孕育出了独具魅力的音乐形式。本书《世界音乐之旅：从古典到现代的旋律探索》，并非专注于某一种特定的音乐流派，而是旨在为读者搭建一座跨越地域、跨越世纪的音乐桥梁。我们力求呈现一个广阔的、充满活力的音乐全景图，帮助你理解音乐是如何在不同的社会背景下诞生、发展并最终影响我们的感官与心灵的。 第一部分：古典的基石——西方艺术音乐的宏伟殿堂 本部分将带领读者回溯西方艺术音乐的辉煌历史，从巴洛克时期的严谨对位，到浪漫主义的汹涌情感，再到20世纪初的结构革新。 巴赫的秩序与维瓦尔第的四季： 我们将深入剖析巴洛克音乐的复调结构，解析赋格曲的精妙布局如何体现那个时代的理性精神。随后，我们将探讨协奏曲形式的成熟，理解维瓦尔第如何通过对自然意象的描摹，构建起听觉上的立体景观。这不仅仅是对历史名曲的罗列，更是对音乐“语言”的解构。 莫扎特的优雅与贝多芬的革命： 从海顿奠定的古典主义规范中，我们看到了莫扎特如何以其天生的旋律天赋，将形式的平衡与情感的深度完美结合。紧接着，我们将聚焦贝多芬，分析他如何冲破既有框架，将个人意志和英雄主义精神注入交响乐中，为后世的浪漫主义浪潮铺平道路。我们探讨“英雄交响曲”的结构性突破，理解为何它被视为音乐史上的一个关键转折点。 浪漫主义的激情燃烧与民族乐派的崛起： 肖邦的钢琴诗篇、瓦格纳的“总体艺术作品”理论，以及德彪西开创的印象主义音响，共同构成了19世纪末至20世纪初的色彩斑斓的画卷。同时，我们不会忽略那些扎根于本土文化土壤的作曲家，如俄罗斯的“五人团”、捷克的德沃夏克，他们如何将民间旋律和史诗叙事融入宏大的管弦乐织体中，形成了独特的民族风格。 第二部分：跨越大陆的非凡声景——全球音乐的多元图谱 音乐的魅力在于其无限的可能性。离开欧洲的音乐厅，我们进入一个更加原初、更富地域特色的声音世界。 印度古典音乐的深邃冥想： 深入南亚次大陆，我们将介绍印度斯坦尼和卡纳提克音乐体系的精髓。理解“拉格”（Raga，旋律框架）和“塔拉”（Tala，节奏周期）的概念，它们如何构成了这种高度即兴化的音乐的内在逻辑。本书将阐述，在印度音乐中，即兴并非随意发挥，而是基于深厚理论的“有组织的声音探索”。 非洲节奏的生命律动： 从西非的鼓乐到南非的合唱，非洲音乐的特点在于其复杂的多声部节奏和强烈的社区参与性。我们将分析复节奏（Polyrhythm）的构建方式，以及鼓语（Drum Language）如何成为信息传递和仪式表达的重要工具，展现音乐在社会生活中的核心作用。 东亚乐器的对话： 探索中国的古琴、日本的三味线和韩国的伽倻琴。这些传统乐器承载着深厚的哲学思想。例如，古琴音乐中的“散音”、“泛音”和“按音”所追求的意境，体现了道家“天人合一”的审美观。我们将比较不同东亚文化中，如何利用音色和留白来营造特定的情感空间。 拉丁美洲的融合与狂欢： 从阿根廷探戈的忧郁与激情，到巴西桑巴的活力四射，拉丁美洲音乐是欧洲、非洲和原住民文化碰撞的产物。本书将探讨这种混血音乐如何在殖民历史的背景下，发展出强烈的身份认同和全球影响力。 第三部分：现代的脉动——20世纪以来的音乐革新与融合 20世纪是音乐史上最具颠覆性的时期，技术的进步和全球化的加速，使得音乐的形态发生了前所未有的变化。 电子音乐的诞生与演变： 从早期的磁带实验到合成器的普及，我们将追踪电子音乐的谱系。分析具体声音如何被操控、重组，以及它如何从学院派的实验走向主流舞池。这部分旨在澄清电子音乐不仅仅是“节奏”，而是一场关于声音本质的深刻研究。 流行音乐的工业化与文化驱动力： 流行音乐的兴盛，离不开录音技术的进步和大众传媒的推波助澜。我们将探讨摇滚乐如何成为反叛精神的象征，以及嘻哈文化如何从城市边缘的叙事工具，发展成为全球性的文化现象。理解流行音乐的成功，必须理解其背后的商业模式和社会情绪。 跨界与后现代的对话： 现代作曲家们不再满足于既有的风格划分。本书将介绍诸如“极简主义”对重复和微小变化的专注，以及当代音乐家如何大胆地将古典技法与非西方元素、甚至噪音融入创作。这种对界限的消解，正是我们这个时代音乐精神的体现。 结语：倾听的艺术 《世界音乐之旅》的核心目的，是教会读者如何更深入地“倾听”。音乐的宽度远超我们日常经验的范围，掌握基础的音乐语汇和历史脉络，能让每一次聆听都成为一次发现。本书提供的知识框架，旨在激发读者的好奇心，鼓励他们走出舒适区，用更开放的心态去接纳那些可能最初并不熟悉的旋律。 本书适合所有对声音世界怀有热情的人士，无论你是初学者，还是希望拓宽视野的资深乐迷，都将在这场横跨五大洲、历经数千年的音乐旅程中，找到属于自己的共鸣。 ---

评分☆☆☆☆☆

我是在一个朋友的强烈推荐下买了这本，说实话，我更偏爱摇滚乐，对爵士的印象还停留在老旧的黑白电影配乐阶段。这本书的结构设计非常巧妙，它采用了一种螺旋上升的学习路径。一开始铺垫了基础知识后，并没有急着进入复杂的和弦替代，而是先带你领略了几种标志性的爵士风格——从新奥尔良的集体即兴到芝加哥派的清晰旋律。这种先建立“风格地图”，再深入“技术细节”的方法，让学习过程充满了探索的乐趣，而不是枯燥的公式背诵。最让我受用的部分是关于“听力训练”的建议。作者提供了一系列循序渐进的练习方法，教导我们如何训练耳朵去识别延长音、经过音以及那些转瞬即逝的“色彩音”。这部分内容写得非常具体，甚至给出了可以用来练习的推荐曲目清单。总而言之，这本书非常务实，它不仅告诉你爵士乐“是什么”，更重要的是，它教会你“如何去听懂”爵士乐，成功地拓展了我对现代音乐的审美边界。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我原本对这种“入门指南”类的书籍抱有很大的怀疑。很多时候，它们要么过于浅薄，蜻蜓点水；要么就是挂羊头卖狗肉，实际上是作者的个人观点灌输。但这本书的深度和广度完全超出了我的预期。它成功地搭建了一座从流行乐思维到爵士乐思维的桥梁。最让我印象深刻的是关于“即兴”的部分。它没有直接教你“怎么弹一个炫技的Solo”，而是深入剖析了即兴背后的“对话”逻辑——即乐手之间如何互相呼应、如何建立和打破预期。作者用清晰的逻辑梳理了从布鲁斯基础到比波普复杂化的演变过程，让我明白为什么有些音乐听起来那么“自由”，但其自由又是建立在扎实的音乐语言之上的。我甚至开始留意鼓手的踩镲声，那不再是简单的“滴答”声，而是一种微妙的、推进整体律动的“脉搏”。这本书的学术性是有门槛的，但它用一种极其耐心的笔触引导读者跨越这个门槛，而不是直接把读者扔到深水区。对于那些想从“听众”进阶到“理解者”的乐迷，这本书的价值是无可替代的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的优点在于其严谨的分析框架，但更让我惊喜的是它对“情感表达”的探讨。很多乐理书只会告诉你“这是属七和弦”，但这本书会告诉你“在特定的场景下，使用增五度会带来一种紧张的、悬而未决的忧郁感”。它成功地将冰冷的音符与丰富的人类情感连接起来。我记得其中一节专门分析了Miles Davis某个时期的录音，详细拆解了他是如何通过极简的音符选择来营造出“空间感”和“孤独感”。这种细腻的分析让我对这位大师的作品有了全新的认识。以前听，觉得很酷；现在听，觉得很“心碎”。这是一种更深层次的共情。此外，书中对不同乐器组在爵士乐中的角色定位也做了非常精妙的区分，比如钢琴是如何充当“和声支柱”和“节奏驱动者”的双重角色，以及低音提琴如何在低音区提供稳定性的同时又不断地进行“对位”思考。这本书的价值在于，它教会你如何去“倾听”，去辨别那些隐藏在表象之下的音乐家的深刻意图。

评分☆☆☆☆☆

这本乐理入门读物简直是为我量身定做的！我之前对古典音乐还算有点涉猎，但一听到爵士乐那些变幻莫测的和弦和节奏，就感觉像在听天书。这本书的作者显然深谙“化繁为简”的艺术。它没有一开始就抛出一大堆艰涩的术语，而是从最基本的音阶和节奏型入手，用非常形象的比喻来解释“切分音”和“摇摆律动”。我记得有一章讲到“和弦的色彩”，作者居然拿不同浓度的咖啡来比喻，一下子就让我明白了七和弦和九和弦听起来为什么会有那么大的情绪差别。对于我这种纯乐理小白来说，这种接地气的讲解方式简直是救星。我特别喜欢它穿插的一些历史小故事，比如某个传奇萨克斯手是如何“发现”某种和弦进行的，这让学习过程不再枯燥，而是像在听一场生动的音乐会历史讲座。读完前几章，我终于敢打开一些老唱片，试着去分辨贝斯在做什么，鼓点又藏着什么样的“小陷阱”。现在我听音乐，不再只是被动地接受旋律，而是开始主动地去“解码”它背后的结构，那种豁然开朗的感觉，真是太棒了。这本书的排版也很舒服，留白恰到好处，大量的图表辅助理解，而不是堆砌密密麻麻的文字。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编辑和作者显然进行了一次成功的跨界合作。它的文字叙述流畅且富有洞察力，但真正让它脱颖而出的是那些与文字紧密结合的音乐范例。我发现它几乎没有使用大量的标准五线谱，而是巧妙地使用了大量的“图示化”的节奏型和和弦指型图，非常适合那些习惯于在乐器上直接操作的学习者。我特别欣赏作者对于“律动”这一核心概念的哲学探讨。它不仅仅将摇摆（Swing）定义为“三连音的变形”，而是将其提升到一种文化和生活态度的层面，讲解了这种“弹性”是如何渗透到演奏者的思维模式中的。这本书让我明白了，爵士乐的魅力不在于完美无瑕的演奏，而在于那种“进行中”的不确定性和人味儿。此外，书中对于不同流派核心乐手的演奏特点进行了精准的概括，比如Coltrane的“密度”和Bill Evans的“透明度”，这些清晰的对比，极大地帮助我建立了不同大师的听觉档案。这本书无疑是一本高品质的、旨在培养深度欣赏能力的工具书，它成功地将复杂的理论转化为可感知的音乐体验。