音乐评论的视域音乐评论概念与理论音乐理论书籍教材正版包邮 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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商品名称：音乐评论的视域音乐评论概念与理论音乐理论书籍教材正版包邮

商品编号：29849937049

店铺： 阅读纪图书专营店

商品毛重：500.00g

货号：97875523127209787552312720

编辑推荐

《音乐评论的视域》由上海音乐出版社出版。

作者简介

田可文，（1955—）男，武汉音乐学院音乐学系教授、博士生导师、院学术委员会委员，并担任安徽大学讲席教授、广西艺术学院兼职教授、沈阳音乐学院客座教授；曾担任武汉音乐学院音乐学系主任、音乐研究所所长、长江传统音乐文化研究中心副主任、《黄钟——中国·武汉音乐学院学报》副主编，曾兼任中国音协全国西方音乐学会理事。现兼任中国音协中国音乐史学会理事、湖北音乐家协会理论委员会副主任。国务院政府特殊津贴获得者，湖北省政府专项津贴获得者，教育部高等学校艺术学科骨干教师高级研修班授课专家，高等教育出版社艺术教育终身特聘专家。研究方向：音乐史学。已出版著作十九部；发表有音乐史学理论、音乐史研究、音乐编辑学、宗教音乐研究等论文百余篇，另发表音乐评论与杂文数十篇。参与《中国大百科全书·音乐舞蹈》、《现代艺术鉴赏词典》、《现代音乐欣赏词典》、《音乐百科辞典》、《中国音乐词典》等词典数十个条目的撰写。

目录

序言
自序：音乐评论的对象及其相关问题
作品评论
读《月的悲吟》
人神合一的圣洁之作——黄汛舫的编钟与乐队《天坛》
倍感压抑的亡魂盛宴——试论潘德列茨基《荧光》中的现代音乐特征
书籍评论
聊以为序的序言
一个值得研究的人与作品——读冯欣欣的《序列理念的笃行者》
近现代中国租界城市音乐文化的历史嬗变——写在李俊博士新著出版之前
现代音乐视唱练耳思维观念的体现——评刘永平教授的新著《现代音乐视唱教程》
感动与感悟——读周耘的新著《曼妙和谐——佛教音乐观》
来自佛教世界的“声音”——周耘的新著《曼妙和谐——佛教音乐观》
道教音乐文化现象的新阐释——孙凡的《全真正韵“闵谱”研究》扫描
《湖北传统乐舞概论》的学术意义
唐永荣的《红色历程的音乐记忆》解读
读佟文西的《论音乐文学创作》
文明中的历史
读《简明牛津音乐史》
求书偶得：《南唐李后主词诗全集》
求书偶得：关于《关汉卿散曲集》
音乐会评论
被解放了的感官——关于那场“解放感官”的音画视听会
永恒的听觉记忆——听澳门乐团演出有感
华韵楚风献艺京城——武汉音乐学院东方中乐团国家大剧院演出纪实
民族音乐改革的新思维——西安音乐学院东方民族交响乐团武汉行有感
也许这本身
难以释怀的长江情结——王世光作品音乐会侧记
弦外之韵境深意远——胡志平二胡独奏音乐会评述
胡志平二胡独奏音乐会速写
悟性与理念的再现——硕士研究生胡志平二胡独奏音乐会联想
听鲍蕙荞储望华钢琴音乐会及其联想
精湛的技艺不懈的追求——记朱耀熹教授的小提琴独奏音乐会
我听李果的小提琴独奏音乐会
“音乐学”首先就应该是“音乐”——有感于音乐学家王洪军教授参加独唱音乐会
人物评论
肠断何必更残阳——追忆我的恩师谭冰若先生
我在“武音”最初的三位恩师
现代性与民族性交融的音乐秉性——钟峻程教授的创作生涯及其音乐特征
走自己的路——记中年作曲家谢国华
李莉和她的《区域音乐的历史回首》
从李叔同出家谈起
刊物评论
《黄钟》历程20年
发刊100期的《黄钟》
近五年来《黄钟》杂志对中国乐律学的关注
稳健发展开拓创新——2000—2007年《乐府新声》的编辑学分析
独具特色不断探索——2000—2007年《音乐探索》的编辑学分析
别具一格天籁之声——对2000—2009年度《天津音乐学院学报》的编辑学分析
好名字与好刊物——写在《音乐探索》创刊30周年之际
会议评论
新时期音乐展示的重要平台——第三届“中国—东盟音乐周”述评
“中国一东盟音乐周”：多元跨域文化对话的音乐平台
二胡艺术的一次盛会——“纪念黄海怀逝世40周年·新世纪二胡艺术的传承与发展学术论坛系列活动”综述
杂论
五四运动与中国音乐的历史诠释
思索“后现代”
关于重写音乐史
音乐创作、评价及其他——从钟信明《第二交响乐》说开去
校庆与“口述历史”——编撰“校庆专辑”的动因及其历史观念
当传统遭遇现代——作为“局外人”与“局内人”对第三届“中国—东盟音乐周”的认识
对孙焕英先生《对“美女奏家”评判的误区》一文的认识
后记

探寻音乐的无限可能：一本关于声音、情感与文化的深度之作 本书并非聚焦于音乐评论的特定视角，亦非专注于音乐理论的严谨结构或教材的系统编排。它是一次对“音乐”这一复杂现象的广阔探索，一次深入挖掘声音背后的文化脉络、情感共鸣以及历史演变的旅程。我们旨在提供一个多维度的审视框架，让读者得以从更宏大、更具批判性的角度理解音乐在人类社会中所扮演的角色与功能。 第一章：声音的拓扑学——超越音符的听觉世界 本章从最基础的“声音”概念入手，但我们的探讨远超物理学范畴。我们追溯了人类对声音的感知历史，从原始的自然声响模仿到复杂的电子合成，声音是如何被驯化、组织并赋予意义的？ 我们引入了“声音景观”（Soundscape）理论，探讨城市环境、自然界与人工制品所构筑的复杂听觉生态。这不是关于如何分析一首交响乐的曲式结构，而是关于如何倾听一趟地铁的轰鸣，一次宗教仪式的吟唱，以及这些日常听觉经验如何塑造我们的身份认同。我们研究了不同文化中对“噪音”与“音乐”的界定差异——在某些传统中，被主流听众视为杂音的元素，恰恰是其音乐体系的基石。 本章深入分析了非西方音乐体系中的时间观和音高概念。例如，探讨了印度拉格（Raga）系统中的微小音程（Shruti）如何挑战了西方十二平均律的绝对性，以及中东的“麦卡姆”（Maqam）体系中情感色彩的建构方式。这不是理论教材的枯燥公式，而是对不同文化如何“感知”和“组织”时间与频率的民族音乐学式考察。 第二章：身体、仪式与记忆的共振——音乐的人类学视角 音乐并非抽象的智力游戏，它是深深植根于身体经验和集体行为之中的实践。本章将音乐视为一种社会行为，而非纯粹的艺术产品。 我们考察了仪式音乐的功能性。从萨满的鼓点如何引导出神状态，到现代体育场中队歌的动员力量，音乐如何作为一种技术手段，实现群体凝聚力、情绪转移乃至权力巩固？我们细致剖析了“律动”（Rhythm）在身体社会学中的作用，探讨了舞蹈、劳作歌谣以及集体游行中，节奏如何实现个体身体的同步化，从而产生超我的集体感。 此外，本章关注音乐与记忆的交织。我们探讨了“怀旧”（Nostalgia）的音乐学基础，为什么某一特定的和弦进行或一段旋律能瞬间唤醒深埋的个人或集体记忆？我们引入了“听觉文化史”的概念，研究印刷术和录音技术如何改变了音乐的传播方式和人们对“原作”的执着，以及这种改变对我们理解历史事件留下的听觉痕迹有何影响。 第三章：权力的旋律与抵抗的低语——音乐的社会政治批判 音乐总是处于政治光谱之中。它既是主流意识形态的宣传工具，也是边缘群体表达异议的强有力武器。本章着眼于音乐的社会功能，揭示其背后的意识形态运作。 我们对“高雅艺术”与“流行文化”的二元对立进行了批判性解构。这种区隔是如何在特定历史时期被建构起来的？它服务于哪些阶级的文化品味与社会区隔需求？我们审视了西方古典音乐传统中，赞助制度和精英教育如何将特定音乐形式神圣化，并探讨了这种神圣化对音乐创作的潜在束缚。 在流行音乐领域，我们分析了流派（Genre）作为一种社会标签的形成过程。爵士乐、摇滚乐、嘻哈音乐的兴起，不仅仅是风格上的创新，更是特定社会群体——种族、阶层、性别——争取可见性与话语权的斗争体现。我们不会停留在简单的好恶判断，而是探究这些音乐形式如何通过其独特的音色、歌词和表演实践，对既有的社会结构提出挑战。例如，探讨嘻哈音乐中的采样技术（Sampling）如何挑战了关于“原创性”和“知识产权”的传统观念。 第四章：技术、媒介与未来：听觉经验的重塑 进入数字时代，音乐的生产、消费和存在方式正经历前所未有的剧变。本章聚焦于技术对音乐本体论的影响。 我们研究了录音技术（从留声机到流媒体）如何将原本依赖现场、具有时间性和场所依附性的“事件”，转化为可以被储存、复制和无限重放的“物品”。这种可复制性对艺术价值的估量产生了怎样的冲击？ 本章也探讨了电子音乐合成器和数字音频工作站（DAW）如何彻底解放了作曲家对音色和结构的选择权。这不仅仅是工具的进步，更是音乐思维方式的转变——从“如何将想法写在五线谱上”，转变为“如何编织声音的材质本身”。我们分析了算法推荐系统如何重塑了个体的音乐品味，以及这种“策展式”的收听体验对文化多样性可能带来的深远影响。 结语：聆听的伦理 最终，本书旨在培养一种更具责任感的“聆听伦理”。真正的理解并非在于掌握多少专业术语或识别多少历史时期，而在于愿意放下预设的审美标准，以开放的心态去面对每一个声音的出现。 我们相信，每一段旋律、每一次鼓点，都是一个文化、一段历史、一次人类情感的编码。本书提供的是一把钥匙，帮助读者开启对这些编码的深度解读，从而更深刻地理解我们身处的这个由声音构成的世界。这趟旅程无关乎对某一门派理论的精通，而关乎对音乐现象的持续好奇与批判性审视。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐评论的视域》确实在理论建构上有着相当的野心，它试图打破传统乐评那种纯粹的感性描述或滞后的历史回顾模式，转而探讨一种更具当代性和批判性的“视域”。我尤其欣赏它对“在场性”和“倾听伦理”的讨论。作者并非简单地套用哲学家的术语，而是将康德、海德格尔乃至福柯的某些核心思想，巧妙地嫁接到音乐文本的分析之中。比如，书中关于如何评价那些挑战传统美学规范的先锋音乐时，它提出的“结构性张力”与“接受场域的重塑”之间的辩证关系，让我对以往一些难以理解的现代主义作品有了全新的感知。它强迫读者从一个更深层次的认知层面去处理音乐的意义，而不是停留在“好听”或“难听”的浅表判断上。对于那些对音乐社会学和批判理论感兴趣的进阶学习者来说，这本书无疑提供了一个极佳的学术支点，去构建自己独立且稳固的音乐批评框架。

评分☆☆☆☆☆

作为一个长期关注古典音乐评论圈动态的人，我总觉得现有的评论文章往往囿于对演奏家技巧的赞美或对作曲家生平的复述，缺乏一种穿透现象直达本质的洞察力。《音乐评论的视域》在这方面做出了有益的尝试。它对“阐释的权力”进行了深刻的反思，指出许多看似客观的评论，实则潜藏着特定文化或市场对音乐的规训。书中对十九世纪浪漫主义评论范式（如汉斯立克）的解构尤为精彩，作者并没有完全否定其贡献，而是将其置于特定的历史语境下进行批判性考察。这种辩证的视角，让我的思维跳出了“好人/坏人”的二元对立，开始关注评论文本背后的意识形态运作。坦白说，这本书的行文风格略显晦涩，术语密集，但一旦读进去，那种对音乐文化现象进行宏观手术般解剖的快感，是其他同类书籍难以比拟的。

评分☆☆☆☆☆

这本书最令我耳目一新的地方，在于它对“声音本体论”的探讨。它似乎在挑战一个我们习以为常的观念：音乐评论的客体是“作品”，而是流动的、无法完全捕捉的“声音事件”。作者借助现象学的方法，尝试描摹出听者与声音在特定时空交汇时所产生的瞬间意义，并探讨评论语言的局限性——语言总是在事件发生之后才开始追赶，这本身就带有一种先天的滞后性。书中关于“寂静的价值”以及“非音乐性元素在音乐结构中的意义”的论述，非常发人深省。这使得我重新审视那些强调“留白”和“呼吸感”的演奏录音，不再仅仅用技术标准去衡量，而是将其纳入更广阔的“存在感知”范畴。这本书的出版，无疑是对当前过度依赖标签化、快餐式评论的一种有力反拨，它呼唤一种更加审慎、更具反思精神的知识生产方式。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构设计，从概念溯源到理论模型建构，再到对具体音乐类型的应用尝试，层层递进，展现出作者扎实的学术功底。我特别喜欢它在讨论“跨文化音乐评论”时，没有简单地采用多元文化的口号式论述，而是细致地剖析了西方中心主义的听觉惯性是如何影响我们对非西方音乐的描述和评价的。书中引用的案例虽然大多偏向严肃音乐领域，但其推导出的理论框架具有极强的普适性。例如，它关于“感官经济学”的论述，可以轻易地迁移到对流行音乐消费现象的分析中去。这本书的阅读门槛确实不低，对于初学者可能需要搭配相关的哲学和美学入门读物同步进行，但对于希望在音乐评论领域有所建树的研究者而言，它提供了一种超越日常经验的、结构化的分析工具箱。它让人开始意识到，好的乐评不仅仅是文字的优美，更是思想的深度与方法的严谨的统一。

评分☆☆☆☆☆

初次翻开这本书时，我原本的期待是能找到一些关于如何写好一篇乐评的实用技巧或案例分析，但很快我发现，这本教材走的是一条更深、更硬核的哲学路线。它更像是一本关于“如何思考音乐评论”的元理论著作，而不是“如何写音乐评论”的操作手册。书里对“审美距离”和“时间性体验”的剖析极为精妙，特别是它引入了德勒兹关于“块茎式意义生成”的概念来分析即兴演奏的结构，这对于那些习惯于传统奏鸣曲式分析的读者来说，无疑是一次认知上的“颠覆”。我个人认为，这本书的价值并不在于它给出了多少标准答案，而在于它提出了一系列极具挑战性的问题，比如：在数字流媒体时代，音乐的“物性”是否已经消解？评论者又该如何锚定其批评的基点？这种对基本假设的不断追问，让这本书的阅读体验充满了智力上的高强度搏斗，需要反复咀嚼才能体会其深意。