新具象雕塑 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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焦兴涛 著

图书标签:

• 雕塑
• 具象艺术
• 当代艺术
• 艺术设计
• 美术
• 雕塑艺术
• 艺术史
• 艺术作品
• 视觉艺术
• 艺术理论

出版社： 重庆出版社

ISBN：9787229020149

版次：1

商品编码：10150554

包装：平装

开本：16开

出版时间：2010-06-20

用纸：胶版纸

页数：184

正文语种：中文

编辑推荐

　　《新具象雕塑》作品收录丰富，文字阐释精到，对当代具象雕塑的面貌做出了深入浅出的分析，是读者不可多得的一本雕塑领域内的好书。

内容简介

　　 《新具象雕塑》从当代雕塑对于“至极真实”的呈现、与现场及其他艺术形式的关系、平面和图像的巨大影响，以及“材料意识”的重新认识几个方面，探讨了当代雕塑的特征，着重分析了当代具象雕塑在材料观念更新、语言方式突破、自身形态界定等方面的转型。

作者简介

焦兴涛 1970生于四川成都,1984年至1988年四川美院附中毕业，1988年至1993年四川美院雕塑系学习并获学士学位，1993年至1996年四川美院雕塑系学习并获硕士学位，1996年至2002年四川美院雕塑系任教，2002年四川美院创作科研处任副处长。现任教于四川美术学院雕塑系副教授。

内页插图

目录

导语
第一章 具象与新具象
第一节 具象雕塑的发展和嬗变 002
第二节 新具象雕塑 010

第二章 真实的背后
第一节 “真实”的秘密 018
第二节 技巧和材料的价值 024
第三节 无法逼近的真实 030

第三章 不可能的现场
第一节 现场与基座 038
第二节 “情景”中的雕塑 044
第三节 不可能的现场 050

第四章 平面和图像的诱惑
第一节 现场与传播 058
第二节 “三维”的幻象 062
第三节 卡通化与艳俗 066
第四节 图像中的雕塑 070

第五章 重新发现的材料
第一节 材料与禁忌 078
第二节 材料与直觉 084
第三节 材料与身体 090
第四节 做为“材料”的雕塑 094

第六章 中国当代具象雕塑
第一节 学院与中国写实雕塑 104
第二节 中国当代具象雕塑 114

结语 134
索引 138
附录（六篇） 145

精彩书摘

　　第一章 具象与新具象
　　第一节　具象雕塑的发展和嬗变
　　人类历来就有一种复制自身形象的欲望和冲动，而这种冲动的产生与对死亡这一人类最终宿命的恐惧有关：用相对坚硬、耐久的材料来复制自身的形象，以期通过种方式获得灵魂的不朽和生命的存续，这是除了宗教及图腾崇拜因素之外，雕塑艺术起源的一个重要的动因。考察人类历史上的各种艺术活动，从欧洲原始的岩洞壁画，到文艺复兴时期的宗教壁画；从印度的佛教艺术，到中国的画像砖石，都可以从中感受到这类作品对特定对象及事件强烈的模仿和表现欲望。
　　从雕塑的起源来看，与绘画一样， “模仿说”似乎是有充分的依据和道理。从世界范围看，尽管时间有差异，但作为滥觞期的原始雕塑在造型上有着惊人的一致性，都是以丰乳肥臀似的女性形象来满足对繁衍和丰产的想象，出土于中国红山文化遗址中的两具泥质红陶的小雕像，距今已有五千多年的历史，两件雕塑均为裸体女性，有很明显的孕妇特征，凸腹丰臀。作者已经较为准确地掌握了人体各部他的比例关系，用稚拙而简练的季法，将人体肌肉的各种起伏和块面处理得准确协调，并且有意识地突出要描述的部位，将肚腹和臀部塑造得分外隆凸丰满，以准确的人间怀孕的母亲的形象来象征丰产的地母神像。

前言/序言

　　写实与再现，是讨论“具象艺术”最重要的基本概念和命题。
　　对自然的描述是艺术的传统使命，从亚里士多德的“模仿”说开始，视觉艺术的发展始终贯穿着一条线索，那就是艺术家如何真实客观地反映人类及周遭的现实世界，而整个人类的艺术史都与在特定的文化进程中艺术家对“再现”和“写实”的理解有关。“每一个社会都对‘现实’有着独特的理解，根据这种解释，它自然会觉得只有自己对现实的再现才是‘写实’的，其他时代或区域的再现，则是非写实的。换句话说，任何现实主义都是相对的，随着文化环境的不同而不同 ①”。因此，具象艺术之所以被过去或现在的人们看做“反映了客观现实”，并不是它本身必然是写实的，而是因为它和过去或现在用来描述现实的艺术传统相一致。鲁道夫?阿恩海姆在其《艺术与视知觉》一书中曾展示了两幅分别来自文艺复兴绘画方式和古埃及绘画方式再现一个池塘的图式（附图）。“很明显，二者所画的都是他们‘眼见的东西’，只是他们各自对‘只画你看到的东西’这一箴言的理解不同罢了。埃及人声称，他们看到的本来就是一个正方形的池塘，按照他们的艺术传统，必须把它画成一个正方形。西方人则声称，纵然他们认识到眼前的池塘是正方形的，但他们看到的却是一个不规则的梯形，按照他们的传统，就必须把它画成一个梯形②”。
　　所以，艺术传统是一个首要的问题，同时也证明了，我们今天对“真实”确信无疑的理解其实是对某种视觉和文化习俗的笃信不疑。如果我们认同这样的观点，那么我们同样可以把“具象艺术”理解为这种文化习俗和文化传统下的重要的呈现形式，它不是简单的对现实进行抄录，而是对现实的一种解释和再现。艺术家的个性、某个时代的文化观、某个时期的艺术风格、所使用的艺术材料都影响着艺术再现的结果和方式。习惯上，我们在提到“具象”这个词汇的时候，往往是对应于“抽象”的概念来使用的。如果从作品形象与自然对象的相似程度上去划分，按照一种约定俗成的理解，我们习惯于把抽象艺术看做艺术形象大幅度偏离或完全抛弃自然对象外观的艺术，而把具象艺术看成艺术形象与自然对象基本相似或极为相似的艺术。而事实上，关于“具象艺术”一词的产生和使用，一直以来就存在着激烈的争论和不同的理解。有的学者认为：“具象艺术”（Art Concrete）是1930年由凡?杜斯堡提出的。这显然是个误解，因为这个提法的本来用意是为了取代“抽象”一词，特定用于凡?杜斯堡、蒙得里安和风格派的几何抽象，因此在阿纳森的《西方现代艺术史》中，将其译成 “具体艺术”应该更贴切一些。而当今天我们谈到和使用“具象艺术”一词的时候，一方面与其他一些概念如“现实主义”“写实艺术”有着很多的交叉和重叠，另一方面，在艺术的观念表达上则呈现出更为丰富的内容。
　　如果从美术史的角度去考察，“抽象艺术”应该是一个内涵更加明确的词汇和概念，是西方艺术发展到现代主义时期的特定阶段。从它的产生和使用来看，总是和艺术史的某个具体的阶段和特定的理论紧密相关，就像康定斯基、蒙德里安的抽象绘画和现代主义阶段的特定关系，以及抽象表现主义绘画和格林伯格理论的紧密联系。由于没有强调和某种艺术创作理论具体、直接的联系，因此，“具象艺术”作为对作品外在形态的描述，其概念使用呈现出更多的不确定性特征，宽泛和包容甚至随意，倒使它获得了不断进行重新定义的可能，这或许是“具象艺术”以及“具象雕塑”相对于众多类似的提法和概念在今天使用频率更高的原因之一。具象雕塑和具象绘画一样，属于具象艺术范畴中的一个重要的样式形态。如果把具有一定程度的形象识别性作为具象雕塑的面貌规定，那么相对于在20世纪现代艺术运动中诞生的各种雕塑风格流派，整个人类雕塑史上的绝大部分作品都可以归入具象雕塑的范畴和阵营。在经历了现代主义和后现代主义的洗礼后，以技术和技巧的训练作为基础的具象艺术传统，在今天看起来似乎依然延续着它的魅力。“曾被以往艺术家引为殊荣的再现技术的种种发现和效果今天已经变得微不足道。可是我认为，如果我们认为这些问题从来与艺术无关，那么我们就意味着跟过去伟大的艺术家失去联系的危险……③”
　　具象艺术是人类对于自身形象最直接的解读和认知，是把握现实世界最重要的视觉方式和工具，尽管经历了各种视觉艺术经验的革命，至今我们依然以各自不同的理解延续着这样的视觉传统。在中国，传统具象雕塑的风格和传统由于其历史和现实的原因，具有不可撼动的重要地位，同时，由此产生的一系列问题也同样难以回避，今天，“……众多年轻艺术家所使用的同前辈们一致的写实主义技法和现实主义情怀。这一切的缺少改变，发生在改革开放30年整个国家的巨大改变之后。艺术上的进步，离前辈们有多近，说明离‘丰富性、多样性、多元性和多变性’有多远④”。当面对这样一个艺术现实的时候，作品的陈词滥调和似曾相识已经不是主要的问题，恰恰是对“具象艺术”概念狭隘的理解才是真正的要穴！既然“写实”只是某种文化和传统的结果，也就不存在一成不变的“写实模式”，所有的学院雕塑的训练课程和体系，究其实质，都不过是对艺术史身体力行的理解和学习——是对曾经辉煌的具象艺术传统的膜拜和致敬！但新的观看方式不仅必然要出现，而且毫无疑问地属于这样一个传统之中。所以，如果我们自认为并不比古埃及的艺术家和文艺复兴的巨匠更优秀的话，那么，在传统里努力睁大眼睛，重新“观看”，并期待着某种启示和意义的惊鸿一瞥，将是我们积极和现实的选择。

好的，这是一份围绕“新具象雕塑”展开的图书简介，但内容完全不涉及该主题，而是聚焦于另一个虚构的艺术领域——“超维空间构筑与符码解析”。 --- 书籍名称：超维空间构筑与符码解析 深入探索无限维度的物质表达与意义生成 内容简介： 本书并非探讨传统雕塑的具象或抽象形态，而是将读者的认知边界推向一个超越三维物理世界的全新领域——“超维空间”（Hyperspace）。我们试图破解，当艺术创作不再受限于可见的、可触摸的实体形态时，艺术家如何利用非欧几何、拓扑学原理以及高维场的波动，来“构筑”出具有感知冲击力的作品。 第一部分：基础理论的颠覆——从三维到N维的视角转换 传统的艺术理论往往建立在观察者与被观察物体的线性关系之上。然而，在超维空间的语境下，时间轴不再是单向流动的河流，而是可以被折叠、扭曲甚至多点共存的“维度织物”。本书首先系统地梳理了自二十世纪初以来，少数先驱艺术家和理论家对“非欧几何美学”的初步探索。 我们详细分析了“克莱因瓶”在艺术表达中的潜在线索，它如何象征着内外边界的消融，以及“莫比乌斯环”如何在二维平面上暗示三维的无限循环。更进一步，本书引入了高维粒子运动的数学模型，解释了“超体积”的概念如何转化为视觉或感官上的“存在感”。例如，一个四维物体投影到三维空间，会呈现出“非物理的”透明性或运动轨迹，这种轨迹本身就成为了一种新的雕塑语言。 第二部分：超维构筑的技法与材料学革命 如果说传统雕塑依赖于石材、青铜或木材，那么超维构筑则需要一套全新的“媒介”。本书深入剖析了以下几种前沿构筑方法： 1. 引力波场的塑形（Gravitational Field Sculpting）： 我们不再是“雕刻”物质，而是通过精确调控局部微引力场，使周围的介质（如空气中的微尘、光子流）暂时地、有规律地排列。作品的“形态”由这些排列的场域本身构成，一旦能量场撤销，形态即消散，强调了“瞬间结构”的哲学意义。书中包含了对“霍金辐射雕塑”的案例研究，探讨如何捕捉和固定宇宙背景辐射中的细微波动。 2. 拓扑变换的艺术表达： 拓扑学关注的是物体在连续形变下保持不变的性质。本书论证了如何通过数字算法模拟复杂的拓扑操作（如扭曲、穿孔、粘合），并将这些操作转化为可以被感官捕捉的“结构错位”。案例分析了著名的“高斯-博内定理”在空间结构设计中的应用，如何在看似连续的空间中制造出意义的“奇点”。 3. 时间晶体的介入（Time Crystals Intervention）： 这是最前沿的领域。时间晶体是一种在时间维度上周期性重复的物质状态。艺术家如何利用这些具有自发时间对称性破缺的材料，创造出“永恒运动”的视觉错觉？本书特别展示了一系列通过微波共振诱导的“时序结构”，它们在时间维度上是稳定的，但在三维空间中却表现出不可预测的、非线性的变化。 第三部分：符码解析——超维艺术的意义生成 当一件超维作品不再具有可辨识的具象原型时，它的“意义”是如何被编码和解码的？本书提出了一套“多模态符码解读系统”： 1. 感官的交叉输入（Cross-Sensory Input）： 超维艺术往往要求观者同时使用听觉、触觉（通过空气震动或磁场感应）以及视觉。我们研究了著名的“共振频率代码”，即特定的空间结构会对应于特定的听觉频率，二者结合才能完整地“激活”作品的含义。 2. 叙事几何学（Narrative Geometry）： 传统叙事是线性的，而超维叙事是多路径的。书中的章节详细分析了艺术家如何利用高维空间中的“捷径”或“虫洞”概念，来构建非因果的故事情节。例如，作品的某个区域代表“过去”，另一个看似不相关的区域则通过“维度映射”直接关联到“未来”的结果。 3. 观察者悖论与意义的坍缩： 借鉴量子力学的观察者效应，本书探讨了超维艺术的“不确定性”。作品的最终意义并非由艺术家预设，而是由观者的“感知介入”瞬间决定的。每一个观察行为，都如同测量电子的位置，使原本弥散的意义场域瞬间“坍缩”成一个暂时的、主观的理解。 结语：通往无限的艺术路径 《超维空间构筑与符码解析》旨在为那些对现有艺术范式感到束缚的创作者和理论家提供一个全新的参照系。它不是一本关于“制作什么”的手册，而是关于“如何重新定义存在本身”的思考工具。通过对数学、物理学与艺术哲学的跨学科整合，本书预示着下一代艺术表达将不再受限于我们所能触摸的现实，而将触及被隐藏在时空结构深处的无限可能。这是一次智力上的远征，邀请读者一同构建那个尚未被物理定律完全定义的艺术疆域。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的视野开阔得令人咋舌，它似乎在试图建立一种连接古代工艺智慧与未来技术可能性的桥梁。书中对某些失传的传统粘合技术和着色方法的详细考据，结合了当代物理学对分子结构和表面张力的理解，形成了一种跨越时空的对话。我惊讶于作者能将如此不同领域的知识融会贯通，并且用一种非常平实的笔触将其叙述出来，没有丝毫的卖弄或艰涩感。特别是关于“重量与轻盈”这一对矛盾统一体的探讨，作者引入了量子力学的某些概念来辅助解释雕塑的视觉感知重量，这种跨学科的类比处理得非常巧妙，既保持了学术的严谨性，又极大地丰富了读者的想象空间。这本书不是一本快餐式的读物，它更像是一份邀请函，邀请我们深入一个充满未知但又极度迷人的知识迷宫中去探险。读完后，你会发现自己对周围世界的感知维度都拓宽了不少。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直让人醍醐灌顶，它以一种极其细腻和富有洞察力的方式，剖析了我们日常生活中那些被忽视的“物性”。我原本以为它会是那种枯燥的理论堆砌，结果完全出乎意料。作者似乎拥有某种魔力，能将一块寻常的石头、一堆废弃的金属，甚至是一缕微不足道的烟雾，都赋予了鲜活的生命和深刻的哲学意味。书中大量的案例分析，特别是对那些看似毫不相关的艺术流派之间的内在联系的梳理，展现了作者扎实的学术功底和天马行空的联想能力。读完第一部分，我简直迫不及待想拿起工具，去重新审视我工作室里那些“沉睡”的材料。它不仅是关于“如何塑造”，更是关于“如何看见”——如何穿透物质的表象，触及到存在本身。尤其是关于时间在材料中留下的痕迹那几章，那种对消逝的迷恋和捕捉，写得真是荡气回肠，让人久久不能平静。那种对空间结构和光影互动的精妙描述，如同身临其境，我已经开始在脑海中构建那些立体的、有呼吸感的场景了。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的语言风格是极具个人色彩的，甚至可以说有些“偏执”的味道。作者似乎对材料的“内在意志”抱有一种近乎宗教般的虔诚。那些关于材质的描述，已经远远超出了描述的范畴，更像是一种拟人化的对话记录。他笔下的泥土、木料，仿佛都有自己的意图和抗拒。这种强烈的内在驱动力，使得整本书充满了张力和一种不安分的能量。它不是一本教你如何操作的书籍，而更像是一本关于“如何与材料进行一场严肃的辩论”的指南。书中对于工具的运用，也着墨颇多，但其核心在于工具如何成为艺术家意志的延伸，如何帮助艺术家去“倾听”材料的呼声，而不是简单粗暴地改造它。对于那些习惯于清晰逻辑和明确步骤的读者来说，这本书可能会带来一定的阅读挑战，但只要坚持下去，你会发现它所揭示的创作深层逻辑，是多么的迷人而富有启发性。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我的第一反应是：这绝对是近年来艺术理论领域的一股清流。它的叙事风格非常自由、散漫，却又在不经意间构建起一个严密的知识体系。作者似乎并不急于给出一个标准答案，而是更热衷于抛出问题，引导读者进行一场漫长的、自我发现式的探索。我特别欣赏其中关于“边界消融”的探讨，它跳出了传统艺术分类的窠臼，将文学、建筑、甚至声音艺术的概念都巧妙地编织进来，构建了一个多维度的感知网络。那些穿插在正文中的，看似信手拈来的个人轶事，非但没有削弱其学术性，反而为其增添了人情味和可亲近感，让人感觉不像是在阅读一本严肃的论著，而更像是在一位智者家中听他娓娓道来那些关于世界的奇思妙想。虽然有些地方的论证跳跃性比较大，需要读者反复咀嚼，但这恰恰是其魅力所在——它拒绝被轻易消化，迫使你停下来，真正地思考。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构简直是反传统美学的典范。它没有采用传统的“绪论-主体-结论”的线性布局，而是像一棵不断向外生长的树，每一章都是一个自洽的、充满张力的枝丫，彼此之间既相互独立，又通过某种看不见的根系紧密相连。我最喜欢的是它对“残缺美学”的深入挖掘。作者用近乎诗意的语言，描绘了那些破碎、不完整、正在崩塌的形态是如何蕴含着比完美形态更强大的叙事力量。这种对“不确定性”的拥抱和赞美，在当下追求高效和完美的社会环境中，显得尤为珍贵和振聋发聩。阅读过程中，我感觉自己的感官被不断地重新校准，那些原本被我视为“瑕疵”的东西，现在看来似乎都闪耀着独特的光芒。它提供了一种全新的视角，去解读和欣赏那些被主流审美所排斥的对象。这本书绝对值得被放在案头，时不时翻阅，每一次重读都会有新的感悟。

评分☆☆☆☆☆

书的能容丰富，值得细细品味。

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

帮朋友买的，感觉还可以

评分☆☆☆☆☆

老实说写的很具说服力~~~相比另一本同是川美出身的老师作品好太多了~~~既做了整理工作也阐述了个人观点~~~我觉得很不错~~~有些观点跟我的想法有些不同~不过也会觉得未尝不可~关注了作者本人的一系列作品~也了解了他的大概方向~~~本身觉得这样的大学老师怕是很难有时间写出真正对学生有帮助的工具书！！可作者确实让我万分钦佩~~对具象雕塑是真的颇有研究~~~不禁感叹真正的艺术家脑子里还是有东西的~~~

评分☆☆☆☆☆

还行吧 感觉价钱有点小贵

评分☆☆☆☆☆

帮朋友买的，质量内容不错。

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