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刘诗兵 著

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出版社： 中国传媒大学出版社

ISBN：9787565700880

商品编码：1026350472

出版时间：2011-05-01

作  者:刘诗兵 著作 定  价:48 出 版 社:中国传媒大学出版社 出版日期:2011年05月01日 ISBN:9787565700880 《影视表演基础》：实用影视艺术丛书 ●序一
●序二
●上编影视表演基础教程
●绪论
●表演艺术的特性和影视表演的特点
●第二节影视表演与戏剧表演的异同
●第三节做一名合格的影视演员
●
●第二章表演技巧基础训练
●明确表演艺术的实质——动作
●第二节开展各种训练表演动作的手段
●第三节影视表演语言技巧、形体动作、声乐的综合训练
●第四节观察生活与表演习作
●第五节激发艺术想象进行小品创作
●第六节表演的影像记录与影视小品的创作学习
●
●第三章角色创作基础训练
●探索形象创造的重要学习阶段
●第二节文学作品片段案头工作程序
●第三节学会行动分析方法——演员走向角色的途径
●部分目录

内容简介

《影视表演基础》是作者积数十年教学经验传授的一种影视表演入门的基础知识，是给初学表演者学习组织行动，建立信念，寻找人物感觉，走向角色彼岸，搭起的一座方法之桥。 刘诗兵 著作 刘诗兵，1938年9月生，湖北人。北京电影学院教授、硕士生导师，中国电影表演艺术学会顾问。
1951年参加中国人民解放jun，开始从事文艺工作。1957年考入北京电影学院表演系。1961年毕业留校任教至今，多年担任表演系主任等职，长期主持表演教学工作。
出版电影研究著作有《影视表演艺术讲课笔记》《电影表演艺术概论》(合著)《中国电影表演百年史话》，在《电影艺术词典》(修订版)中担任分科主编及词条撰写人，大型画册《中华影星》《百年星辰》中任顾问与编委，执行主编中国电影表演艺术学会丛书《新世纪电影表演论坛》《电影表演创新集》《银幕形象塑造》《影视表演创作探索》《当代影视表演趋向》等等

好的，这是一本关于世界电影史与流派探索的图书简介。 --- 世界电影史与流派探索：从默片时代到数字前沿 导言：光影的千年演化 本书旨在带领读者进行一场跨越百年、贯穿全球的电影艺术之旅。我们聚焦于电影作为一种独特艺术形式，如何在全球范围内诞生、发展、分化，并最终塑造出现代视觉文化的复杂图景。这不是一部单纯的年代编年史，而是对那些塑造了我们观看方式、叙事结构和审美范式的关键时刻、决定性运动和革命性思想的深度挖掘。 我们将探讨电影如何从技术奇观迅速蜕变为社会记录者，再到意识形态的载体，直至今日作为多媒体融合的中心枢纽。本书的叙事线索将围绕技术革新、政治思潮、经济结构与核心美学理论的相互作用展开。 第一部分：奠基与野蛮生长（1895-1927） 本部分聚焦于电影的“史前时代”和默片黄金时代的形成。 第一章：发明与早期实验 我们将细致考察卢米埃尔兄弟、爱迪生及梅里爱等先驱者的工作。重点分析电影魔术的诞生——如何利用蒙太奇的原始形式和摄影机的运动来创造“在场感”。我们讨论早期制片模式（如比奥格拉夫公司）如何决定电影的早期商业走向。 第二章：好莱坞的工业化崛起 本章深入分析1910年代中期，美国制片体系如何借鉴舞台剧结构和连载小说的节奏，确立了经典好莱坞叙事范式（如“三幕剧结构”和“看不见的剪辑”）。我们将研究D.W.格里菲斯在技术和叙事上的贡献与争议，以及“片厂制度”如何成为全球电影工业的模板。 第三章：欧洲的先锋艺术运动 与好莱坞的商业化并行，欧洲大陆爆发了深刻的美学革命。 德国表现主义： 深入分析《卡里加里博士的小屋》、《诺斯费拉图》等影片中，如何通过布景、光影和非自然主义的表演来表达内在的心理冲突和战后焦虑。我们考察其对未来恐怖片和黑色电影的影响。 苏联蒙太奇学派： 重点解析爱森斯坦、普多夫金和库里肖夫的理论，特别是“吸引子蒙太奇”与“辩证蒙太奇”如何将电影提升至社会教育和思想建构的工具。 第二部分：有声、战争与新浪潮的冲击（1927-1959） 有声电影的引入是电影史上最剧烈的技术革命之一。本部分将分析这种转变如何重塑了表演风格、剧本创作和制片预算。 第四章：声音的介入与类型片的固化 探讨声音如何短暂地摧毁了某些艺术家的职业生涯，但也催生了歌舞片、对白驱动的喜剧和早期的黑色电影。我们将分析1930年代好莱坞的“审查制度”对叙事主题的限制，以及流亡欧洲知识分子对好莱坞的贡献。 第五章：意大利新现实主义的诞生 二战后，意大利的电影界经历了一场彻底的回归——回归街头、回归普通民众的苦难。本章详细阐述罗西里尼、德·西卡等人的创作理念，即“去戏剧化”的表演、使用非职业演员、自然光拍摄的必要性，以及对道德模糊性的探讨。 第六章：战后全球的电影革新 随着传统权力结构的瓦解，世界各地涌现出挑战既有规范的运动： 法国新浪潮（La Nouvelle Vague）： 重点分析特吕弗、戈达尔等人如何运用“作者论”（Auteur Theory），将个人风格、即兴拍摄和对电影史的直接引用融入创作，以个人化的视角解构现实。 日本的“剧场美学”： 侧重于小津安二郎对家庭伦理的静谧观察，以及黑泽明对史诗叙事和西方文学母题的挪用与融合。 第三部分：电影的后现代转向与全球化（1960-2000） 本部分关注电影作为一种自我指涉的艺术，以及其在全球范围内的爆炸性扩张。 第七章：打破禁忌：新好莱坞与反文化思潮 1960年代末至1970年代初，美国电影制片厂制度的衰落，为一批具有强烈个人色彩和哲学深度的导演（如科波拉、斯科塞斯、斯皮尔伯格）的崛起铺平了道路。我们分析他们如何将欧洲的艺术手法融入商业类型片，探讨权力腐败、个人疏离和道德虚无主义的主题。 第八章：第三世界电影与身份政治 本章关注那些在殖民后叙事中寻找自身声音的电影人。例如，非洲电影（奥斯曼·塞姆贝纳）和拉丁美洲的“第三电影”思潮，如何将电影制作本身视为一种反殖民的政治行动，强调集体记忆与本土美学的重建。 第九章：跨国资本与风格的融合 随着全球市场的打开，电影制作变得日益复杂。我们探讨香港武侠电影的成熟、宝莱坞叙事模式的坚韧性，以及欧洲艺术电影如何在新媒体的冲击下努力维持其哲学深度。本章也分析了特效技术（CGI）的进步，如何开始重塑观众对“真实”的感知。 第四部分：数字时代与媒介的未来（2000至今） 本部分探讨进入新千年后，数字技术如何从根本上改变了电影的生产、发行和消费方式。 第十章：数字革命与制作的民主化 数码摄影的普及如何降低了独立电影的门槛，以及高成本数字视觉效果如何重塑了主流大片的叙事中心。我们考察了非线性叙事在网络文化影响下如何变得更加普遍。 第十一章：流媒体、碎片化与观众主权 本章分析流媒体平台对传统院线模式的颠覆，以及由此带来的“剧集中心化”现象。电影艺术的界限变得模糊，观众不再被动接受，而是通过社交媒体和评论参与到意义的构建中。我们探讨如何在这种环境中保持电影作为严肃艺术的批判性。 结论：未完成的叙事 本书的收尾将回归到核心问题：在媒介不断迭代的今天，电影艺术的核心价值——聚焦于人类经验、光影的魔力以及集体想象力的构建——是否依然能够保持其独特且不可替代的地位。我们审视当代电影的趋势，展望未来视觉表达的无限可能。 --- 本书特色： 理论与实践并重： 每个流派的介绍都紧密结合了其核心理论家的文本分析与代表作的镜头语言拆解。 全球视角： 避免以好莱坞为中心，平等探讨了亚洲、欧洲、非洲和拉丁美洲的关键运动。 跨学科对话： 将电影史置于艺术史、社会学和政治哲学的广阔背景中进行考察。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对这类“基础”读物总是抱持着一丝怀疑，总觉得它们无非是老生常谈的堆砌。然而，这本书的独到之处在于其对“内在动机”的剖析，那种细腻入微的程度，简直达到了心理学的级别。它探讨了演员在进入角色前，如何构建角色的“世界观”和“生存哲学”，这已经超出了传统表演技巧的范畴，更像是在进行一种哲学思辨。书中有一段关于“意图性”的论述令我印象深刻，它强调每一个动作，哪怕只是拿起一杯水的微小动作，都必须有清晰的、可追溯的动机链条。这对于我这个习惯于逻辑推理的读者来说，极大地提升了我对表演艺术的理解高度。我以前总觉得好的表演是天赋使然，但读完后才明白，天赋只占一部分，更重要的是那种近乎严苛的自我审视和对人性的深刻洞察。书中引用的那些早期电影导演对演员的要求，也很有启发性，它提醒我们，在技术日新月异的今天，回归到最本质的人类情感表达，才是表演永恒的魅力所在。这本书的文字风格偏向理性、冷静，学术气息略重，但正是这种冷静，才使得那些深奥的表演原理变得井然有序，易于吸收。

评分☆☆☆☆☆

我关注这本书，是因为我对声音设计在表演中的作用很感兴趣。我原本以为这会是一本关于气息和发声技巧的训练指南，但惊喜地发现，它更侧重于声音的“叙事性”和“环境性”。作者把声音视为表演的另一个维度，而不是仅仅是台词的载体。书中详细阐述了如何根据场景的声学环境来调整音量、语速和音质，比如在空旷的室内和拥挤的街道上，同一个角色的声音处理方式应该是怎样截然不同。最吸引我的是关于“沉默”的运用，它不再是简单的停顿，而是被赋予了重量和质感。书中提到，一个设计精良的沉默，有时比一段激烈的独白更具表现力，因为它迫使观众去倾听人物内心的“噪音”。这本书的叙事风格非常具有感染力，它没有使用生硬的术语，而是通过描述那些伟大演员处理声音的瞬间，来阐释理论。它成功地将声音从一个辅助元素提升到了与面部表情、肢体动作并驾齐驱的核心地位。对于希望提升表演全面性的学习者来说，这本书提供了最立体、最全面的视角。

评分☆☆☆☆☆

这本《影视表演基础》真是让人眼前一亮，虽然我更偏爱文学性的探讨，但这本书的实操性却深深吸引了我。它没有过分陷入理论的泥潭，而是以一种非常朴素、直接的方式，引导读者去理解镜头前的身体语言和声音的运用。我特别喜欢其中关于“眼神交流”的章节，作者没有用那些玄而又玄的词汇去解释，而是通过大量的案例分析，教你如何在不说话的时候，让眼神传递出复杂的情感层次。比如，书中详细解析了如何通过瞳孔的细微变化来表现人物内心的挣扎与犹豫，这一点在很多同类书籍中是很难看到的深度。而且，书中的练习设计得非常巧妙，比如“镜子游戏”和“情绪记忆唤醒法”，它们不像是一些枯燥的口号，而是真正能让人沉浸其中，体会到表演的乐趣和挑战。对于那些想从零开始搭建表演体系的人来说，这本书提供了一个非常坚实的地基。它教会你的不是如何成为一个完美的演员，而是如何诚实地面对镜头，如何将生活中的真实瞬间提炼并放大，呈现给观众。那种感觉，就像是拿到了一把开启自我表达的钥匙，虽然是基础，但却是通往更高境界的必经之路。我希望作者未来能出版关于角色深度剖析的进阶读物，延续这种接地气的教学风格。

评分☆☆☆☆☆

作为一名在舞台剧领域摸爬滚打多年的老兵，我本以为我对“表演”的理解已经足够扎实，但这本书关于“适应性”的探讨，彻底颠覆了我的一些固有观念。舞台表演注重的是持续的能量输出和与现场观众的互动，而影视表演则强调的是瞬间的捕捉和对细节的控制。这本书非常清晰地指出了这种跨媒介的转换难度，尤其是在处理“景别变化”时，演员的身体如何进行无缝切换。例如，书中对中景、特写镜头下“微表情”的控制有着近乎苛刻的要求，它要求演员必须学会“收敛”表演，将原本可能在舞台上被放大的情绪，压缩进方寸之间的面部肌肉群中。这种“做减法”的艺术，对我来说是一个全新的课题。书中大量的对比案例，一边是舞台上的激情四射，一边是镜头前的内敛深沉，这种强烈的反差，让我意识到了自己过去表演中可能存在的“过度”和“虚假”。这本书的价值在于，它没有忽视不同表演形式之间的本质区别，而是直面了这种技术上的鸿沟，并提供了跨越它的具体方法论。

评分☆☆☆☆☆

我买这本书主要是想找找灵感，因为我目前正在尝试剧本创作，需要更好地理解镜头语言对叙事节奏的影响。从这个角度来看，《影视表演基础》提供的视角非常独特且具有建设性。它不仅仅是教演员怎么演，更是在教创作者如何“写”出那些能被身体有效传达的台词和情境。书中对“潜台词”的分析尤其精彩，它不是简单地解释台词背后隐藏的意思，而是深入到人物在特定环境下，因为恐惧、尊严或社会规范而选择“不说”什么，以及“不说”本身所带来的巨大戏剧张力。举例来说，作者剖析了几个经典对峙场景，通过逐句拆解台词的重音和停顿，展示了语言的“负空间”是如何塑造人物关系的。对我来说，这本书就像是一本关于“如何设计冲突”的实战手册。它教会我，在剧本中，最好的表演往往是那些需要演员用极度克制的方式去展现内心波澜的时刻。虽然书名是“基础”，但它提供的工具箱，足以应对中高级的创作挑战。它的排版和插图也很有品味，阅读体验是赏心悦目的。