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邬春生 著

图书标签:

• 摄影
• 摄影技巧
• 摄影入门
• 摄影教程
• 艺术摄影
• 数码摄影
• 摄影构图
• 光影
• 后期制作
• 摄影教材

出版社： 上海大学出版社

ISBN：9787811184471

版次：1

商品编码：10373867

包装：平装

开本：大16开

出版时间：2009-05-01

用纸：铜版纸

页数：107

内容简介

《摄影艺术教程》以摄影艺术美学为基础，从摄影艺术发展历史的介绍、摄影器材基础知识、摄影技术技巧应用、摄影艺术审美基础和欣赏等方面，讲述了如何使用照相机，运用摄影技术和技巧，《摄影艺术教程》随文配置了大量的图片，突出实用性和指导性。

目录

第一章 摄影艺术发展史简介
第一节 初期摄影（1839—1850）
第二节 早期摄影（1850—1889）
第三节 近期摄影（1890—1917）
第四节 现代摄影（1918—1960）
第五节 当代摄影（1960—至今）
第二章 摄影器材基本知识
第一节 照相机的基本结构
一、镜头
二、快门装置
三、取景器
四、控制电路系统
五、机身部件
第二节 照相机类型
一、传统胶片照相机
二、数码照相机
第三节 常用摄影附件
一、滤光镜
二、三脚架
三、手持式测光表
四、快门线
五、闪光灯
六、反光板与柔光板
第四节 影像的存储
一、感光胶片
二、数码感光元件
第五节 影像的色彩控制
一、色温
二、数码照相机的白平衡
第三章 摄影技术与技巧应用
第一节 光的运用
一、光线的基本特性
二、摄影用光
三、常用的摄影光源
第二节 空间因素的把握
一、景深与透视
二、灭点会聚的应用
三、视点的选择
第三节 摄影的特殊效果
一、影像多重曝光效果
二、慢速摄影
三、高速快门
四、高速度闪光
五、变焦拍摄
六、极浅景深控制
七、模糊影像
第四章 摄影艺术美学基础
第一节 构图的基本知识
一、恰当的画面取舍
二、画面布局突出重点
三、画面的均衡
四、视点的选择
五、影像的重构与裁切
第二节 形式的构成
一、线条的作用
二、形状的表现
三、体积的力量
四、质感的描绘
第三节 影调的魅力
一、影调的作用
二、影调的表现技巧
三、影像的调性
四、黑白影像的优势
第四节 色彩的造型作用
一、色彩的心理效应
二、色彩造型中的对比
三、色彩的和谐
第五节 图纹语言
一、肌理的影像效果
二、图案的影像效果
第六节 各种题材影像画面的基本视觉元素
一、自然景观
二、人像
三、静物
四、建筑
五、动物
第五章 摄影艺术作品欣赏
后记

精彩书摘

第一章 摄影艺术发展史简介
第四节 现代摄影（1918—1960）
20世纪初至60年代的世界是一个空前动荡的时期，两次世界大战的先后爆发，局部战争连绵不绝，1929年至1933年问发生的严重的世界经济危机，以及战后不久随即进入的冷战时期，使社会陷入了急剧动荡不安之中。世人对未来的悲观情绪和对命运的担忧，造成社会意识形态和人们的价值观发生了巨大的变化，各种社会思潮应运而生，美学观念也随之发生了巨大的变化。另一方面战争促使了现代科技突飞猛进地发展，也为摄影技术带来了翻天覆地的变化。摄影器材和冲印方法都有了很大的改进，胶片的感光速度和影像质量有了很大的提高，照相机跨入了高级光学和精密机械时代，为得到即时和高品质的影像提供了有力的技术保证。拍摄照片变得更加方便，摄影在各个行业得到了广泛的应用，成为人们社会生活中不可缺少的重要组成部分。电子显微镜和偏光滤镜给摄影艺术开创了全新的视角，显微摄影作为微距摄影的一个分支，为人们展现了肉眼看不到的另一番绚丽的世界；美国科学家创造的闪光仪装置可以拍摄到运动极快的物体，将子弹穿透物体或水滴下落的瞬间凝固在画面中，高速摄影为人类提供了看世界的崭新视角，使摄影美的追求步人广阔的天地。广告摄影作为摄影艺术的一个专门领域，20年代后发展速度惊人，广告摄影由艺术摄影转向商业摄影，并逐步形成与工业技术结合的广告媒体业。战争和动荡还造就了社会纪实摄影的飞速发展，作为时代和历史的见证，纪实摄影艺术达到了一个新的高峰。摄影艺术步入了一个多元共存、流派迭出的现代摄影时期。

前言/序言

《光影的低语：探索摄影的语言与灵魂》 一、 初窥门径：按下快门前的思索 摄影，远不止按下快门那一瞬间的机械动作，它是一场视觉的对话，一次心绪的捕捉，一个故事的讲述。当你举起相机，面对眼前的景物，你是否曾停下脚步，去感受那束光线如何描绘轮廓，去聆听那份静谧如何诉说故事？《光影的低语》正是为你准备的一场关于摄影的深度探险，它不教你如何操作镜头，不列举焦距与光圈的数学公式，而是带你走进摄影的内心世界，去理解那些驱动我们按下快门的情感、观念与哲学。 在我们开始这段旅程之前，请允许我抛出一个问题：是什么让你愿意停下来，去观察，去记录？是色彩的碰撞，是线条的韵律，还是那转瞬即逝的情绪？摄影的魅力，往往隐藏在这些细微之处，等待着有心人去发掘。本书将引导你超越技法的束缚，去探索摄影作为一种艺术形式的独特语言。我们将一同审视那些被无数摄影师奉为经典的画面，不是为了模仿，而是为了理解它们是如何通过光影、构图、色彩、甚至是负空间的运用，触动观者的心灵。 你可能会问，如果一本摄影教程不讲技术，那它还能剩下什么？答案是：剩下的，才是摄影真正的灵魂。技术是工具，是手段，但真正让作品拥有生命力的，是创作者的眼睛，是他们的思考，是他们对世界的理解与表达。本书的重点，将放在如何培养你的“摄影眼”，如何训练你的感知能力，让你能从平凡的日常中捕捉到不凡的瞬间。我们将探讨如何观察光线，如何让它成为你创作的画笔，如何用阴影来烘托主题，如何通过色彩来传达情感。 二、 视觉的语法：构图与叙事的奥秘 构图，是摄影作品的骨架，是信息传达的路径。然而，构图并非一套僵硬的规则，它更像是一种动态的平衡，一种视觉的引导。本书不会给你罗列“三分法”、“黄金分割”之类的图表，而是邀请你一同去感受，去体会不同的构图方式如何影响画面的张力、节奏和情感。我们将分析那些令人印象深刻的画面，尝试理解摄影师是如何通过对元素的排列、空间的划分、视角的选择，来引导观者的视线，构建出叙事性，甚至引发观者的联想。 想象一下，一个简单的场景，通过不同的构图，可以呈现出截然不同的意境。有时，简洁至极的构图能让画面充满力量；有时，复杂的线条交织却能引导出无穷的意味。我们会探讨如何利用前景、中景、背景的关系来增加画面的深度，如何通过引导线来聚集视线，如何利用对称与留白来营造和谐或紧张的氛围。更重要的是，我们将鼓励你打破常规，在熟悉与未知之间找到属于自己的表达方式。 而叙事，是摄影的终极追求之一。一张照片，能够讲述一个故事，传递一种情感，引发一种思考，这才是它真正的力量所在。本书将深入探讨如何在一张静止的画面中注入动态的元素，如何通过人物的姿态、眼神，景物的细节，甚至环境的氛围，来暗示故事的发生或走向。我们将学习如何构建视觉上的“提示”，让观者在观看时，能够主动地参与到故事的构建中，去填补空白，去解读潜藏的含义。这是一种邀请，一种合作，让摄影作品不再是单方面的宣告，而是双向的交流。 我们会研究那些伟大的纪实摄影作品，分析它们是如何在真实的世界中，捕捉到具有普遍意义的人类情感和境遇。我们也会审视那些富有诗意的风景摄影，理解它们是如何将自然的壮美与摄影师的内心世界融为一体，呈现出超越视觉的美感。这些分析，都将围绕着一个核心：如何用视觉的语言，去触动人心，去引发共鸣。 三、 光影的诗篇：色彩、质感与情感的共鸣 色彩，是摄影最直接的情感载体。然而，色彩的运用并非简单地叠加，它涉及色温、饱和度、明度，更关乎情感的联想。本书不会给你提供“冷色调忧郁，暖色调温暖”这样简单的公式，而是会引导你去感受，去体验不同色彩组合所带来的微妙变化。我们将探讨如何利用色彩的对比与和谐来强调主题，如何通过色彩的饱和度来控制画面的情绪，如何让色彩本身成为一种讲述故事的语言。 想象一下，清晨的薄雾中，淡雅的蓝色调能带来宁静与沉思；午后阳光下，浓烈的黄色与红色则可能激发热情与活力。本书将鼓励你去观察日常生活中色彩的微妙之处，去理解它们是如何影响你的情绪，以及如何将这种理解运用到你的摄影创作中。我们会分析那些巧妙运用色彩的摄影作品，体会摄影师是如何通过色彩的搭配，创造出令人难忘的视觉体验。 除了色彩，质感也是摄影中不可忽视的元素。无论是粗糙的岩石，光滑的丝绸，还是细腻的肌肤，不同的质感都能为画面增添丰富的层次和触感。本书将引导你如何通过光线的角度、相机的对焦，甚至是后期的一些处理，来凸显物体的质感，让画面更具触感和真实感。我们会探讨如何利用景深来分离主体与背景，从而突出被摄对象的质感，如何通过逆光或侧光来勾勒出物体的轮廓，使其更具立体感。 更重要的是，我们将把所有的元素——光线、构图、色彩、质感——串联起来，去探讨它们如何共同作用，来表达摄影师的情感，引发观者的共鸣。摄影的最终目的，往往是为了传递一种感受，一种思考。本书将鼓励你深入挖掘自己内心深处的情感，并尝试用视觉的语言将其表达出来。这可能是一种喜悦，一种忧伤，一种敬畏，或是一种对生活的哲学式思考。 四、 镜头之外的思考：摄影师的视角与哲学 在《光影的低语》的旅程中，我们还将触及摄影师的个人视角与哲学。每个摄影师都拥有一双独特的眼睛，他们看待世界的方式，决定了他们所能捕捉到的画面。本书将鼓励你审视自己的内心，去发现自己独特的观察角度和思考方式。你对什么感到好奇？你对什么感到不满？你对什么充满热情？这些问题，都将成为你摄影创作的源泉。 我们会邀请你思考，摄影在你心中扮演着怎样的角色？它是一种记录，一种表达，还是一种探索？它是一种与世界的对话，还是一种与自己的对话？通过阅读和分析不同摄影师的创作理念，你将逐渐清晰自己的定位，并找到最适合自己的创作路径。 本书并非要将你塑造成某个风格的摄影师，而是要帮助你找到属于你自己的声音。我们将鼓励你勇于尝试，勇于犯错，因为每一次的尝试，都是一次学习的机会。我们将探讨如何从失败的作品中汲取经验，如何从他人的评价中获得启发，但最重要的是，要坚持自己的判断，不随波逐流。 摄影，本质上是一种与世界的连接方式。通过镜头，我们得以更深刻地观察，更细致地感受，更真切地记录。当我们放下对技术指标的执着，将目光投向摄影的内在世界，我们会发现，按下快门的那一刻，便是一次与自我、与世界的美丽相遇。 《光影的低语》将陪伴你踏上这场充满发现与启发的视觉之旅。它不是一本枯燥的教程，而是一次灵魂的对话，一次关于如何用光影去述说生命的邀请。准备好了吗？让我们一同聆听，光影深处的低语。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的知识密度非常高，拿到手的前几天我甚至有点望而却步，觉得它太“学术”了。但一旦我沉下心来，按照它建议的阅读路径去消化，我发现那些复杂的概念其实都被分解成了非常易于吸收的小块。特别是它关于后期处理的章节，它避开了目前市面上很多软件插件的快速通道，而是深入讲解了通道混合器、曲线工具背后更深层次的原理，比如如何精确控制皮肤的亮度和色彩平衡，如何利用蒙版进行非破坏性编辑的艺术化选择。它教会了我如何像一个“化学家”一样去调配光线和色彩，而不是像一个“涂色员”一样简单地修图。这本书的作者对细节的执着令人钦佩，他对于画质的每一个微小提升背后的科学逻辑都有着清晰的阐述。读完后，我感觉自己像是完成了一次系统而彻底的“视力矫正手术”，看世界的角度都变得更加锐利、更加有层次感了。这本书绝对是值得反复研读的经典之作。

评分☆☆☆☆☆

这本厚厚的精装书，封面设计得非常沉稳大气，那种深邃的蓝色调和烫金的字体搭配起来，一看就知道是想走专业路线的。我本来以为它会是一本纯粹的技术手册，毕竟“教程”两个字摆在那里，总让人联想到复杂的参数和枯燥的公式。结果翻开第一页，我就被它严谨的逻辑结构和图文并茂的排版吸引住了。书里的内容从最基础的光学原理讲起，但绝不是那种让你昏昏欲睡的理论堆砌。作者似乎很懂得如何将抽象的概念具象化，比如讲解景深和光圈的关系时，用了好几组对比鲜明的实景照片，清晰地展示了不同设置下画面氛围的巨大差异。更让我惊喜的是，它并没有仅仅停留在“教你怎么按快门”的层面，而是花了大量的篇幅去探讨“如何观看”——如何有意识地构建画面，如何利用线条、形状和色彩来引导读者的视线。书中的案例分析也非常给力，无论是街头抓拍还是风光大片的后期处理思路，都剖析得层层深入，让人看完之后，感觉自己不仅仅是学会了一门技术，更是对“如何用影像说话”有了一种全新的理解。对于一个初学者来说，它提供了坚实的地基；而对于我这种已经摸索了一段时间的半吊子来说，它更像是一把精密的尺子，帮我校准了之前跑偏的审美方向。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量绝对是顶级的，这对于一本视觉艺术类的书籍来说至关重要。纸张的磅数很高，即便是黑白照片的影调过渡也极其平滑，没有出现墨点渗漏或者色彩失真的情况。我记得其中一个章节专门讲了胶片摄影的特性，即便是数码时代，作者也坚持用高品质的印刷来还原那种独特的颗粒感和宽容度，这一点非常打动我，体现了出版方对摄影艺术的尊重。内容上，它在叙事节奏的把握上非常高明。它没有把所有内容都塞进前几章，而是随着知识深度的增加，逐步引导你进入更复杂的领域，比如多重曝光的艺术处理和早期摄影史上的里程碑事件。它把技术和人文历史有机地结合起来，让你明白，你手中的相机不只是一个记录工具，它承载着一个多世纪以来人们观察世界的方式的演变。这种跨学科的视角，让这本书的厚重感不仅仅停留在物理层面，更在于思想层面。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买了很多摄影相关的书籍，很多都是那种“一看就会，一用就忘”的快餐读物，或者干脆就是某个品牌相机的操作说明书的翻版。但这本书给我的感觉完全不同，它仿佛是一位经验丰富的大师坐在你身边，不疾不徐地分享他一辈子的心得。我尤其欣赏它对“光影哲学”的深入探讨。这本书里对于不同时间、不同天气条件下的光线特性分析得细致入微，甚至提到了不同介质（比如水面、玻璃、雾气）如何反射和折射光线，这在其他入门书籍里是很少见的。它不是简单地告诉你“顺光好”或者“侧光有立体感”，而是告诉你“为什么”，以及在特定环境下，如何去“驯服”那些看似难以驾驭的光线。我尝试着根据书中的建议，在一个阴沉的下午去拍摄一组静物，结果出来的照片那种微妙的、层次丰富的灰调子，是我以前怎么也达不到的。这本书的文字功底也相当扎实，行文流畅自然，没有太多生硬的术语堆砌，读起来非常舒服，甚至像是在读一本关于美学的散文集。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，远超出了它作为一本“教程”的预期定位。它更像是一部摄影史的精炼摘要，同时又是一本实用的创意激发手册。最让我印象深刻的是它关于“如何培养个人风格”的那几页。作者没有给出标准答案，反而设计了一系列的反思性练习，比如“尝试用你最不擅长的焦段拍摄一周”或者“只用一种颜色来表达你的情绪”。这些练习非常具有挑战性，但也正是这种刻意的限制，反而逼迫你去跳出固有的思维定势，去探索镜头背后那个独一无二的你。我按照书里的建议，进行了一次“慢速快门”的创作练习，不再追求清晰锐利，而是去捕捉时间的流动感，结果发现自己对“瞬间”的理解都变得不一样了。这本书的讲解非常注重“意图”，它不断地追问：你为什么要按下快门？你想通过这张照片告诉观众什么？这种对创作初衷的深挖，才是区分“摄影师”和“按快门的人”的关键所在。