高等院校“十二五”规划教材（摄影专业）：摄影基础教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王传东 著

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• 摄影基础
• 摄影教程
• 高等教育
• 教材
• 摄影专业
• 十二五规划
• 摄影技术
• 入门
• 摄影理论
• 数码摄影

出版社： 辽宁科学技术出版社

ISBN：9787538174748

版次：1

商品编码：11064958

包装：平装

开本：16开

出版时间：2012-08-01

页数：176

内容简介

《高等院校“十二五”规划教材（摄影专业）：摄影基础教程》梳理了摄影发展过程中的一些重要环节，阐述了技术与观念的相互影响，明确提出了摄影本体语言与技术语言的概念，从哲学的意义去把握摄影的深层脉动，用俯视的角度，达到删繁就简的目的。

目录

绪论
第1章 摄影概述
第一节 摄影术的诞生与发展
第二节 摄影应用与风格流派

第2章 摄影原理与技术
第一节 摄影原理
第二节 照相机和镜头
第三节 摄影曝光
第四节 黑白摄影
第五节 彩色摄影
第六节 摄影通用的主要附件

第3章 摄影艺术与创作
第一节 摄影艺术与观察
第二节 正确的观察方法
第三节 摄影家的基本素质
第四节 摄影创作的技能

第4章 数字摄影与图像处理
第一节 数字摄影概述
第二节 数字图像
第三节 数字摄影技术基础
第四节 数字摄影系统
第五节 数字影像的应用
作品欣赏
附录

前言/序言

影像的起点：拨开迷雾，看见真实 《摄影基础教程》是一本专为高等院校摄影专业学生量身打造的入门级教材，是“十二五”规划重点规划教材系列中的一员。本书旨在为摄影领域的初学者构建一个坚实而全面的基础知识框架，帮助他们从零开始，逐步掌握摄影的核心理念、技术手段与艺术表达。我们深知，摄影不仅仅是按下快门那么简单，它是一门融合了科学、艺术与人文的综合学科。因此，本书的内容设计紧密围绕“看见”与“表达”这两个核心，引导学生理解光影的魔力，捕捉瞬间的美丽，并最终用影像讲述属于自己的故事。 第一章：打开视界的门扉——摄影的本质与历史 在正式踏入摄影的技术殿堂之前，我们首先需要理解摄影的“为什么”和“从何而来”。本章将带领你走进摄影的宏大叙事，从其诞生之初的科学探索，到艺术思潮的推动，再到其在社会文化中的演变，勾勒出一幅完整的历史画卷。我们将一起探讨摄影作为一种独特的视觉语言，其记录性、再现性以及表现性的多重维度。通过了解那些开创性的摄影师及其作品，你将体会到摄影是如何从简单的记录工具，演变成能够深刻反映时代、触及人心的艺术形式。理解摄影的本质，是培养独立思考与批判性思维的第一步，也是为后续的学习奠定理论根基的关键。 第二章：探索光影的语言——相机与镜头的工作原理 光是摄影的生命，而相机与镜头则是捕捉光的媒介。本章将深入浅出地剖析各种摄影器材的工作原理。我们将详细介绍相机的主要组成部分，如感光元件（胶片或数码传感器）、快门、光圈、测光系统等，以及它们如何协同工作，将三维世界的影像转化为二维的画面。你将了解到不同类型的相机（单反、微单、旁轴等）的特点与优劣，以及它们在不同摄影场景下的适用性。 更为重要的是，本章将重点阐述镜头的光学原理。光圈的大小如何影响景深和曝光，快门的速度又如何控制运动的凝固与模糊，这些基础参数的相互作用构成了摄影的核心技术语言。你将学会理解焦距对视角的影响，认识广角、标准、长焦镜头的成像特点，以及它们如何塑造画面的空间感和透视感。我们还将探讨镜头的结构，如镀膜技术、最大光圈等，这些因素如何影响画面的锐度、色彩和对比度。通过本章的学习，你将不再视相机为冰冷的机器，而是理解其内在的逻辑，并能根据拍摄需求做出最恰当的设置。 第三章：光影的魔法师——曝光的奥秘与控制 曝光是摄影中最核心、也是最需要掌握的技艺。本章将围绕“曝光”展开深入讲解，帮助你理解曝光不足、正常曝光和曝光过度的区别，以及它们对画面最终效果的影响。我们将详细解析曝光三要素——光圈、快门速度和ISO感光度——之间的联动关系，即“曝光三角形”。你将学会如何在不同的光照条件下，根据拍摄对象的特点，灵活运用这三个参数进行精确的曝光控制。 本书还将介绍多种曝光模式，如全自动模式、程序自动（P）模式、光圈优先（Av/A）模式、快门优先（Tv/S）模式以及全手动（M）模式。通过对比和实践，你将明白何时适合使用自动模式，何时需要手动干预，以及如何通过这些模式来达到特定的创意效果。例如，利用快门优先模式拍摄运动的轨迹，或者利用光圈优先模式创造迷人的虚化背景。此外，本章还将触及测光表的工作原理，讲解点测光、中央重点测光、评价测光等不同测光模式的选择与应用，以及如何应对复杂光线环境下的测光难题。掌握曝光的奥秘，就如同掌握了控制画面明暗与细节的金钥匙。 第四章：塑造空间的艺术家——景深、对焦与构图的艺术 构图是摄影的骨架，景深与对焦则是构建视觉空间的灵魂。本章将带领你深入探索如何通过这些元素来引导观众的视线，并赋予画面深度与立体感。 景深，即画面中清晰成像的范围，它直接影响着照片的空间感和视觉焦点。我们将深入讲解影响景深的四大因素：光圈大小、镜头焦距、拍摄距离以及感光元件的尺寸。你将学会如何根据拍摄意图，有意地控制景深，无论是利用大景深将前景后景一同清晰呈现，还是通过浅景深突出主体，虚化背景，营造出梦幻般的氛围。 对焦，是确保画面主体清晰锐利的基石。本章将详细介绍自动对焦（AF）和手动对焦（MF）的原理与技巧。你将学习各种自动对焦模式（如单次对焦、连续对焦）的适用场景，以及如何选择对焦点，确保画面最重要的部分得到准确的聚焦。对于手动对焦，我们也将提供实用的辅助工具和技巧，帮助你在复杂环境下也能精准对焦。 构图，则是摄影师运用视觉语言表达思想的关键。本章将介绍多种经典的构图法则，如三分法、黄金分割、对称构图、对角线构图、框架式构图等。你将理解这些法则背后的视觉原理，以及它们如何帮助我们组织画面元素，引导观众的视线，创造出更具吸引力和冲击力的影像。我们将通过丰富的实例分析，展示如何灵活运用这些法则，并鼓励你打破常规，形成自己独特的构图风格。 第五章：捕捉瞬间的魔术——快门速度的无限可能 快门速度是摄影师手中另一个强大的工具，它不仅仅控制着曝光时间，更是凝固或延展时间的魔法师。本章将深入探究快门速度的各种应用，以及它如何为画面带来动态的美感。 我们将首先详细讲解不同快门速度对画面效果的影响。例如，高速快门如何能“凝固”运动的瞬间，捕捉飞鸟的羽翼、跳跃的身姿，或是雨滴划过空中的轨迹；而慢速快门又如何能“拉长”时间的维度，创作出流水如丝、车灯拉线、星轨等富有动感的视觉效果。 本章还将介绍“快门优先”模式（Tv/S）的应用，并提供具体的拍摄技巧。你将学习如何根据拍摄对象和想要达到的效果，选择合适的快门速度。例如，拍摄运动会时，是需要高速快门来定格运动员的身影，还是慢速快门来表现速度感？拍摄夜景时，又该如何选择快门速度来呈现城市的光影流转？ 除了速度的直接应用，本章还将引入“拖影”（Motion Blur）和“焦距抖动”（Lens Blur）等概念。你将了解到如何利用这些技术来增强画面的表现力，例如，通过轻微的拖影来暗示主体运动的速度，或者通过焦距抖动来营造出模糊而富有艺术感的背景。掌握快门速度的运用，你将能够自如地驾驭时间，为你的摄影作品注入独特的动态活力。 第六章：色彩的语言——白平衡、色彩模式与后期调色基础 色彩是视觉冲击力的重要来源，也是情感表达的有力媒介。本章将引领你走进色彩的奇妙世界，学习如何准确捕捉并运用色彩。 我们将从最基础的“白平衡”（White Balance）讲起。你将理解不同光源（日光、钨丝灯、荧光灯等）下，相机对色彩的感知差异，以及白平衡设置的重要性。本书将详细介绍相机内置的白平衡预设模式（如日光、阴天、白炽灯等），并讲解如何进行自定义白平衡设置，以确保照片中的白色物体呈现出真实的白色，从而保证整体色彩的准确还原。 接着，本章将探讨不同的色彩模式，如sRGB和Adobe RGB。你将了解它们在色彩空间的范围上的区别，以及在不同应用场景下的选择建议。对于数码摄影来说，RAW格式与JPEG格式的差异也至关重要，本章将为你解析RAW格式在色彩表现和后期调整方面的巨大优势。 在此基础上，我们将初步介绍后期调色的概念。即使在拍摄时已经尽可能做到色彩准确，后期处理依然是提升照片视觉效果的重要环节。本章将为你勾勒出后期调色的基本流程，包括色彩校正、色彩平衡、色相/饱和度/明度调整等基础操作。我们将强调“适度”原则，避免过度处理导致画面失真。通过本章的学习，你将能够更自信地驾驭色彩，让你的照片拥有更丰富、更动人的视觉语言。 第七章：用镜头说话——主题的思考与表达 摄影不仅仅是技术的堆砌，更是思想的载体。本章将从更深层次的角度，引导学生思考如何用摄影进行有效的表达。 我们将探讨“主题”的概念，以及如何从日常生活中挖掘具有摄影价值的题材。无论是人文纪实、自然风光、人像摄影还是商业摄影，每一类题材都蕴含着独特的观察角度和表达方式。本章将鼓励学生带着问题去观察，去思考，去发现那些能够触动人心的瞬间和故事。 我们将分享如何将个人的情感、观点和理解融入到摄影作品中。这涉及到如何选择合适的视角、构图、光线和色彩来更好地传达信息。例如，一位摄影师在拍摄人物时，可能更注重捕捉人物内心的情感流露；而在拍摄城市景观时，则可能试图展现城市的活力与变迁。 本章还将介绍“叙事性摄影”的概念，即如何通过一系列的照片来讲述一个完整的故事。我们将分析一些优秀的叙事性摄影作品，并提供构思与实践的建议。学生将被鼓励去尝试不同的拍摄手法，以更具创意和影响力的方式来表达自己的思想。最终，本章的目标是帮助学生将技术能力转化为艺术表达能力，用镜头创作出有深度、有温度的作品。 第八章：影像的精进——后期处理的基本流程与实用技巧 如果说前几章是“拍摄”的艺术，那么本章则是“后期”的升华。在本章中，我们将为你详细介绍数码影像后期处理的基本流程和一些实用的技巧，让你能够对拍摄的素材进行进一步的优化与完善，最终呈现出更加出色的作品。 我们将从后期软件的介绍开始，推荐一些主流的、易于上手的后期处理软件，并简要说明它们各自的特点和优势。接着，我们将深入讲解后期处理的核心步骤。这包括： RAW文件处理： 为什么RAW文件是后期处理的最佳选择，以及如何在后期软件中进行基本的RAW文件调整，如曝光、白平衡、对比度、高光和阴影的恢复等。 基础调色： 如何运用色彩平衡、色相/饱和度/明度调整等工具，来修正或强化照片的色彩，使其更加符合拍摄意图和美学要求。 锐化与降噪： 如何适度地提高照片的清晰度，同时避免过度的锐化产生噪点；以及如何有效地去除照片中的噪点，保证画面的纯净度。 裁剪与二次构图： 在拍摄完成后，如何通过裁剪来优化画面的构图，去除无关的元素，使主体更加突出。 局部调整： 介绍如何使用蒙版、画笔工具等，对照片的局部区域进行精细的调整，例如提亮某个眼神，或者压暗某个区域来引导视线。 污点修复与瑕疵去除： 讲解如何利用修复工具，去除照片中的灰尘、划痕或其他不必要的干扰元素。 本章将强调“适度”的后期原则，鼓励学生在保留照片原有真实感的基础上进行优化，避免过度修饰导致画面失真。我们将通过大量的实例演示，帮助学生理解每一个操作步骤的意义和效果，并指导他们如何根据自己的创作需求，灵活运用这些后期技巧。通过本章的学习，你将能够为你的摄影作品注入更加精湛的视觉表现力，让你的影像作品更加专业和引人注目。 结语：开启你的影像之旅 《摄影基础教程》并非终点，而是你影像创作之旅的起点。我们希望通过本书的学习，你能够掌握摄影的基础知识与技术，培养敏锐的观察力与独立的思考能力，并逐渐形成自己独特的艺术风格。摄影是一门永无止境的探索，愿本书成为你探索影像世界、表达内心世界的坚实阶梯。每一次按下快门，都是一次与世界的对话；每一次后期处理，都是一次与影像的共舞。勇敢地去实践，去尝试，去创造，用你的眼睛，去发现，用你的镜头，去记录，用你的作品，去讲述。

评分☆☆☆☆☆

我花了几个晚上仔细研读了这本书的某些章节，试图从中挖掘出一些实用的摄影技巧，但感觉就像是在一座宏伟的建筑群中寻找一个精巧的工具箱——结构宏大，但缺少日常可用的物件。书中对摄影史的梳理倒是相当详尽，从早期湿版摄影的化学反应到中画幅相机的黄金时代，叙述得头头是道，引用的文献资料也相当权威。然而，当我真正想了解当代主流的无反系统如何在高感光度下进行噪点抑制和色彩还原时，内容却戛然而止，取而代之的是对过去胶片时代工艺标准的复杂论证。这让我不禁怀疑，编者是否更倾向于从“历史的必然性”来审视摄影艺术的发展，而不是关注当下技术爆炸带来的即时变化。对于那些已经对基础原理有所了解，希望向专业摄影师迈进的读者来说，这种对历史的过度沉溺可能会让人感到有些脱节。我期望看到的是关于AI辅助构图、实时LUT预览等前沿技术的讨论，甚至是移动摄影在专业领域的应用边界，但书中对这些新事物似乎一带而过，似乎更愿意停留在学院派的传统语境中进行对话。这种保守的视角，使得这本书在面对飞速迭代的数字摄影世界时，显得步履蹒跚，像是在为过去进行总结，而非为未来指明方向。

评分☆☆☆☆☆

这本厚厚的书拿到手里，沉甸甸的，光是封面那种带着点陈旧感的排版就让人联想到大学里那些严谨的专业课。我原本是冲着“摄影基础教程”这几个字来的，期待能找到一些扎实的基本功训练，比如曝光三角、景深控制这些硬核知识的清晰讲解。然而，当我翻开内页，却发现内容似乎更偏向于某种宏观的、偏向于高等教育体系规划层面的探讨。书中大量篇幅似乎在论述“十二五”期间如何构建一个适应新时代需求的摄影人才培养体系，探讨的是课程设置的逻辑框架和教学改革的方向，而非手把手教你如何操作光圈快门。比如，有一章似乎详细对比了不同院校在引进数码技术初期所面临的挑战与应对策略，这对于一个想尽快上手拍摄的初学者来说，实在有点过于“高屋建瓴”了。我更期待看到的是实操案例分析，是不同光线下的人像布光图解，是后期处理软件的详细步骤解析。这本书更像是一份政策导向的报告集，而不是一本工具书，它的学术性很强，但实操性却显得有些力不从心。对于需要快速掌握摄影技能的自学者来说，它提供的理论支撑可能过于抽象，让人难以将书本知识立即转化为实际的拍摄能力。这或许是它作为“规划教材”的必然取向，但对于渴望即时反馈和具体指导的读者而言，这种厚重的理论堆砌多少显得有些消化不良。

评分☆☆☆☆☆

从排版上看，这本书的字体选择和行距设置都非常标准，符合国家规划教材的统一规范，给人一种极度的正式感和权威性。但是，这种过度规范化的排版，反而牺牲了阅读的流畅性。内容似乎是以模块化的方式堆砌起来的，不同的知识点之间缺乏自然的过渡和有机的衔接。例如，从“摄影美学的历史演变”突然跳跃到“影棚灯光的安全规范”，中间缺少一个将美学理论与技术实践相连接的桥梁章节。读者在学习过程中，需要不断地在理论的深渊和技术的细节之间来回切换，导致学习的连贯性被频繁打断。我更希望看到的是一条清晰的学习路径，比如从“认识你的相机”开始，循序渐进地过渡到“室外光线控制”，再到“影棚专业布光”，最后才是“后期与输出标准”。这本书的内容组织结构，似乎更像是对不同专业方向知识点的简单罗列和归档，而不是一条精心设计的、旨在培养合格摄影师的渐进式学习曲线。这种结构上的零散性，使得初学者很难形成一个完整的知识体系框架。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张质量倒是无可挑剔，每一页的触感都十分良好，那种哑光纸张的质感让人忍不住想多翻阅几页。然而，内容上的视觉呈现却让我感到遗憾。作为一本与“摄影”挂钩的教材，我原以为会充斥着大量的、高质量的精美范例图片来辅助说明复杂的概念，比如如何通过光线塑造立体感，或者不同焦段对人物比例的影响。但实际上，书中的插图少得可怜，即便有，也大多是流程图、表格或是某种学科体系的结构图，这些图表更像是为教育行政工作者准备的，而非为摄影学习者准备的。例如，在讲解“视觉语言的构建”时，我期待看到的是对安塞尔·亚当斯、布列松等大师作品的局部放大和详细的视觉元素拆解分析，以直观地理解“点、线、面”在摄影构图中的作用。取而代之的是大段的文字论述，引用了许多晦涩的符号学和美学理论。这使得那些对视觉学习敏感的读者，很难将抽象的理论与实际的视觉效果建立起直接的联系，阅读体验上，更像是在啃一本哲学著作，而不是一本技术教程。

评分☆☆☆☆☆

这本书的定价相当高昂，作为一本“规划教材”，想必其中包含了大量专家团队的劳动和知识产权价值。因此，读者自然会期待其内容具有超越普通市场书籍的深度和广度。遗憾的是，书中对于当前行业内最急需解决的实践性难题，如版权保护的数字化水印技术、专业RAW文件的色彩管理标准，或者在特定商业领域（比如高端时尚摄影）对流程的特殊要求等，探讨得过于简略和概念化。内容似乎停留在“应该如何做”的层面，而对于“在现有技术限制下，我们具体能做到什么程度”的现实考量不足。例如，书中提到了要培养学生的“媒介素养”，但对于如何利用新兴的虚拟现实（VR）或增强现实（AR）技术来拓展摄影叙事的边界，却鲜有提及。这让这本书在“高等院校”的背景下，显得有些脱离了行业前沿的实际需求，更像是一份面向过去十年进行总结的学术文档，而非一份面向未来五年进行指导的教学蓝本。对于渴望掌握面向未来就业技能的学生来说，这本书提供的理论支撑固然重要，但实战性工具和前沿视野的缺失，无疑是一个明显的短板。