清华大学美术学院设计基础教程：装饰图案 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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田旭桐 著

图书标签:

• 设计基础
• 装饰图案
• 美术教学
• 清华大学
• 艺术设计
• 图案设计
• 基础教程
• 绘画
• 艺术院校
• 设计教育

出版社： 安徽美术出版社

ISBN：9787539813790

版次：1

商品编码：10772838

包装：平装

出版时间：2005-09-01

用纸：铜版纸

页数：74

内容简介

《清华大学美术学院设计基础教程：装饰图案》是通过图文并茂的形式具体讲述了装饰图案的基本技法，文字全面、通俗，图片丰富，风格多样，较适合高等美术院校作为专业教材使用。
装饰图案是各美术设计专业共同的基础课。本教材是在继承传统的基础上，总结了改革开放20年来的图案教学及创作经验，对装饰图案的概念及内涵、图案的发展演变，不同工艺不同材料的应用所形成的特点等方面作了分门别类的叙述；对图案的形式法则、写生方法、造型规律以及黑白与色彩的不同表现方法作了详尽的介绍，并辅以大量的图例。《清华大学美术学院设计基础教程：装饰图案》收入图例及示范作品共374幅，包括世界不同国家、不同时代的代表作品以及当代中国专家教授及学生的优秀作品。
本装饰图案教材适合高等美术院校设计类的不同学科，是一项旨在促进图案教学，使之有章可循，不断提高的重要教材。

作者简介

田旭桐，1985年毕业于中央工艺美术学院，后留校任教至今。曾多次在国内外举办个展，部分作品被博物馆和私人收藏。有300余幅水墨画、没画被我家报刊专文、专版介绍刊登。出版著作主要有《现代黑白——田旭桐黑白画集》、《黑白画技法分析》、《新编平面构成教程》、《现代装饰动物技法》、《素描指导》、《色彩指导》、《线描装饰画画法》、《中外装饰纹样大系》、《世界民俗民间图案集》、《京城图案遗韵丛书》等30余部。

目录

概述
第一章 善于装饰图案
第1节 图案的分类
第2节 装饰形的潜在内容
第3节 装饰图案的意趣
第4节 习惯变形
第二章 自然形象的写生

第三章 装饰图案的组织形式
第1节 单独纹样
第2节 适合图案
第3节 连续图案
第四章 构图——从无序中确定秩序

第五章 装饰色彩
第1节 装饰色彩的特点
第2节 装饰色彩的目的

第六章 黑白作品欣赏
第1节 写生
第2节 单独纹样
第3节 适合图案
第4节 连续图案
附 装饰图案教学大纲和教学要求

前言/序言

艺术的源流与形态：西方古典艺术通鉴 本书聚焦于西方艺术发展历程中，自史前时期至巴洛克盛期之间，最具代表性的艺术流派、核心美学思想、关键技术革新及其对后世产生的深远影响。我们旨在构建一个清晰、立体的知识框架，带领读者深入理解艺术是如何在不同历史语境下，映照并塑造人类的精神世界与社会结构。 第一部：远古的回响与文明的曙光 (史前至古埃及、美索不达米亚) 第一章：人类的初次表达：旧石器时代的岩画与雕塑 本章追溯艺术的起源，探讨早期人类在洞穴深处的涂绘（如拉斯科、阿尔塔米拉），分析这些图像背后的巫术信仰、生殖崇拜或狩猎记忆。研究手斧、投矛器等实用工具如何兼具早期工艺美学，以及“维纳斯”雕像所揭示的原始母性观念。重点分析早期艺术的功能性和象征性，而非纯粹的审美愉悦。 第二章：尼罗河的永恒叙事：古埃及的艺术与信仰体系 深入剖析古埃及艺术的规范性和永恒性追求。详细解读象形文字、浮雕、壁画中严格的“正面律”和比例尺，探讨其在神庙、陵墓（如吉萨金字塔群、帝王谷）中的应用。论述艺术如何服务于法老的统治和来世信仰，包括对卡诺匹斯罐、圣甲虫、葬礼文书（《亡灵书》）等随葬品的细致考察。重点阐释“永恒”这一核心主题如何渗透于建筑、雕塑和绘画的每一个细节。 第三章：两河流域的城邦印记：苏美尔、阿卡德与巴比伦的楔形文字艺术 考察美索不达米亚文明在泥板、圆柱印章（Cylinder Seals）上的艺术成就。分析苏美尔人对叙事性和权力展示的偏好，如乌尔王陵出土的“战争与和平的镶嵌板”。重点解析汉谟拉比法典石碑上的浮雕，如何将神权与王权巧妙结合。对比两河流域的建筑材料（砖）与尼罗河文明（石材）的差异，及其对艺术耐久性的影响。 第二部：理想的塑造与人性的觉醒 (古希腊与古罗马) 第四章：从几何到和谐：古希腊的理想化追求 (几何期至古风时期) 考察古希腊艺术的演变路径。从早期的几何风格陶器（如雅典卫城的几何纹样）到古风时期的人像（如“库罗斯”和“科瑞”），关注人体造型从僵硬到初步程式化的过程。探讨东方艺术对早期希腊陶器装饰（如黑绘法）的影响，以及“克里特曲线”等装饰母题的演变。 第五章：黄金分割的颂歌：古典盛期的艺术巅峰 本书的重点章节之一，深入解析公元前五世纪雅典的艺术成就。详细分析帕特农神庙的建筑比例与三部曲（多立克、爱奥尼、科林斯柱式）的成熟应用。重点剖析菲狄亚斯、波留克列特斯等大师的作品，解读“科斯莫斯”（秩序）与“卡洛斯”（美）的哲学基础。对“持矛者”、“掷铁饼者”等雕塑的对立平衡（Contrapposto）技法进行详尽的解构与分析，揭示对人体动态的科学观察。 第六章：情感的释放与现实的映照：希腊化时期的艺术转向 探讨亚历山大大帝东征后，艺术从古典的克制转向激情与戏剧性的过程。分析《萨莫色雷斯的胜利女神》、《拉奥孔群像》等作品中对动态、痛苦、悲剧的极致表现。研究这一时期雕塑对材质（如衣褶的透明感和水流动感）处理的精湛技艺，以及对地域文化的吸收。 第七章：实用、宏伟与帝国：古罗马的艺术继承与创新 本章区分罗马艺术对希腊的继承与创新。罗马人如何将希腊的理想主义服务于帝国的实用主义（如渡槽、道路、公共浴场）。详细研究罗马建筑中的拱券、穹顶结构（如万神殿的圆形屋顶）。在雕塑方面，重点分析其肖像艺术的写实主义倾向（区别于希腊的理想化），以及历史题材浮雕（如图拉真纪功柱）中的叙事手法。 第三部：信仰的容器与风格的交融 (早期基督教与拜占庭艺术) 第八章：从地下到殿堂：早期基督教艺术的符号系统 考察基督教在罗马帝国地下阶段的发展，重点分析墓穴壁画（如卡塔孔布）中的“好牧人”、“鱼”等早期象征符号。分析其造型语言如何吸取希腊化艺术的某些技法，但主题上彻底转向精神层面。 第九章：东方的辉煌：拜占庭艺术的圣像与马赛克 阐述拜占庭艺术（东罗马帝国）如何确立中世纪艺术的主导地位。重点考察圣像画（Icons）的创作规范、金底背景的象征意义，以及对平面化、程式化造型的强调。深入分析圣索菲亚大教堂等宏伟建筑中的穹顶马赛克，理解光线、色彩在营造神圣空间中的作用。 第四部：从黑暗中升起：中世纪艺术的转型 (罗马式与哥特式) 第十章：坚固的信仰：罗马式艺术的堡垒风格 探讨公元1000年后的欧洲，在修道院体系下发展出的罗马式艺术。分析其建筑的厚重墙体、小窗户、拱券结构，以及其防御性特征。考察修道院内连环画手抄本（Illuminated Manuscripts）中的装饰性母题，如复杂的交织纹饰，以及浮雕在教义传播中的作用。 第十一章：直冲云霄的梦想：哥特式艺术的结构革命 本书的最后高潮，聚焦于哥特式艺术的突破性创新。详细讲解肋拱、飞扶壁、尖拱这三大结构支柱如何解放墙体，从而实现建筑的垂直化和光线化。分析彩色玻璃窗（Rose Windows）对中世纪信徒的感官和精神影响。对比早期哥特（如圣但尼）与盛期哥特（如沙特尔大教堂）在雕塑和造型上的差异，探讨“人性化”元素如何开始渗透到宗教题材之中，为文艺复兴的到来埋下伏笔。 全书总结： 本书通过对结构、材料、技术和核心思想的跨文明比较，旨在揭示西方艺术史并非一条平滑的直线发展，而是充满断裂、继承、冲突与融合的复杂过程。它是一部关于“形式如何承载精神，以及人类如何不断重新定义‘美’的记录”。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我一开始对这类基础教程抱持着一种“老生常谈”的预期，但这本书的实践指导部分彻底颠覆了我的看法。它并没有停留在理论层面，而是非常务实地提供了一套从抽象概念到具体落地的完整方法论。书中详细讲解了如何运用几何图形进行模块化设计，如何通过色彩心理学来调配情绪化的图案配色方案，甚至连手绘工具的选择和数字化处理的初步流程都有涉及。最让我受益匪浅的是关于“韵律与节奏”的讲解，作者通过一系列对比鲜明的案例，直观展示了疏密有致、动静结合的视觉平衡是如何构建起来的。这不仅仅是“教你怎么画”，更是“教你如何思考”一个图案的生命力所在。我立刻尝试着模仿书中的一个小练习——用点线面构建一个复杂的、有向心力的重复图案，结果发现自己的构图逻辑清晰了很多，效率也大大提升。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用价值，体现在它对“可操作性”的极高关注度上。虽然内容涵盖广泛，但它始终保持着一种服务于“设计实践”的务实态度。比如，在介绍几种经典的装饰性图案（如万花纹、涡卷纹）时，它不仅展示了其成熟形态，还提供了若干种拆解、重组和变异的示例图。这对于我们进行二次创作时，提供了极大的灵感跳板和结构参考。它没有把我当成一个只会临摹的学生，而是把我当成一个需要掌握“游戏规则”的玩家。更难得的是，书中在讨论材料和工艺对图案表现的影响时，考虑到了现代设计中常见的数字媒介和印刷限制，这使得书中的理论知识能够非常顺畅地衔接到实际的生产环节。对于任何一个希望将抽象的装饰理念转化为商业或艺术作品的人来说，这本书提供的知识转化路径是清晰且高效的。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对传统文化符号有着浓厚兴趣的爱好者，这本书最吸引我的地方，在于它对不同历史时期和地域装饰纹样进行了系统性的梳理和剖析。它不是简单地罗列图片，而是深入挖掘了每一个图案背后的文化内涵、象征意义以及它在特定社会背景下的演变轨迹。比如，关于中国古代云雷纹的起源和发展，书中引用了大量的考古学和艺术史学的研究成果，图文并茂地展示了其从青铜器到瓷器、建筑上的流变。这种深度挖掘让我明白，设计不是凭空想象，而是植根于深厚的文化土壤之上的创新。我花了整整一个下午，仅仅沉浸在对敦煌壁画中飞天图案的细节研究上，书中对光影、色彩和动态的分析，简直是打开了我观察世界的另一扇窗。对于想要进行跨文化设计或者汲取东方美学灵感的创作者来说，这本书提供了坚实且富有洞察力的理论基础。

评分☆☆☆☆☆

作为一名自学设计的新手，我常常被海量的设计资料淹没，找不到清晰的学习路径。这本书的结构编排简直是为我量身定制的导航仪。它的章节逻辑极其清晰，层层递进，从最基础的“点、线、面”的构成原理开始，逐步过渡到“色彩、肌理、空间”的感知训练，最后才进入到具体的“主题纹样”创作。每学完一个单元，都会有一个小结和相应的思考题，迫使读者回顾和内化知识点，而不是被动接受信息。我尤其欣赏它对“观察力”的强调，书中反复提醒我们要学会“看世界”，而不是“看图片”，鼓励我们从自然界的形态、日常用品的结构中提取设计元素。这种注重基础功和思维训练的方式，让我感觉每翻一页都在稳固地打地基，而不是急于求成地去模仿那些光鲜亮丽的最终成品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，封面采用了一种低饱和度的莫兰迪色系，搭配烫金的字体，低调中透着高级感。拿到手上就能感受到纸张的厚实和细腻，那种微微的纹理触感非常舒适。内页的印刷质量更是没得挑剔，色彩过渡自然流畅，即便是最复杂的图案细节也能清晰呈现，这对我们学习设计的人来说太重要了，毕竟图案的精髓就在于那些微妙的色彩和线条变化。我尤其欣赏它在排版上的用心，左右页面的留白处理得恰到好处，既保证了内容的可读性，又营造出一种宁静、专注的学习氛围。这种对细节的极致追求，本身就是一种设计语言的体现，让人在翻阅的过程中，就能潜移默化地感受到一种严谨的学院派审美熏陶。它不仅仅是一本工具书，更像是一件值得收藏的艺术品，放在书架上都觉得整个空间格调都提升了一个档次。

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速度比较快！速度比较快！

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超级划算!书也不错的!

评分☆☆☆☆☆

还好，讲解比较详细，适合基础学习。

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希望你能越做越好，成长有你有我大家一起来，很好的宝贝。

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很好的书籍，增长知识。

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东西不错。正在使用中。

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