造型：中央美术学院造型学院教师作品集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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苏新平 编

图书标签:

• 美术设计
• 造型艺术
• 中央美术学院
• 艺术教育
• 教师作品
• 绘画
• 雕塑
• 设计
• 艺术作品集
• 高等教育

出版社： 重庆出版集团 ， 重庆出版社

ISBN：9787229059163

版次：1

商品编码：11209011

包装：精装

开本：8开

出版时间：2013-03-01

用纸：胶版纸

页数：388

字数：500000

编辑推荐

　　1.所选作品很多为首次展示
　　2.所选作者包括很多大家
　　3.所选作品种类广泛而丰富

内容简介

　　《造型：中央美术学院造型学院教师作品集》全面展现了中央美术学院60年专业创作水平。中央美院的创作一直影响和引领着现当代整个中国艺术的潮流和方向，可以说《造型：中央美术学院造型学院教师作品集》是中国现当代艺术的文献集。在内容组织方面，《造型：中央美术学院造型学院教师作品集》将内在于中央美院造型艺术传统与创作现实中的若干研究性主题，设置在总体结构中，展现出教师们不断探索的重要问题及其发展线索。在文化意义方面，《造型：中央美术学院造型学院教师作品集》通过作品和图像的选择、应用、组织与重构，揭示艺术样式与社会文化的内在联系，传达出当代造型艺术遭遇的若干话题。

作者简介

　　苏新平，1979年入天津美术学院绘画系。1981年在集宁市文化馆。1983年毕业于天津美术学院绘画系，在内蒙古师范大学美术系任教，1988年毕业于中央美术学院版画研究生班，获得硕士学位，现为中央美术学院副教授，中国美术家协会会员，中央美术学院造型学院院长。

内页插图

目录

序传 承与发展-写在“造型学院教师作品展”之际
苏新平
中央美院造型教学的回顾
靳尚谊
造型艺术的意义
潘公凯
与“造型”展有关的话题
徐冰
艺术应该有一点倔劲-宋晓霞对话刘小东
化局限为力量：“造型”展的策划
宋晓霞
作品图录
作者简历

前言/序言

　　造型学院是2003年成立的，共包括六个系，分别是油画、版画、雕塑、壁画、实验艺术和基础部。造型学院除实验艺术系和基础部是新建立的以外，其他四个系都是美院传统核心专业，所以造型学院虽然组建不足八年，但是它的历史与美院的历史是一致的，悠久而又辉煌，并且传统积淀十分深厚。
　　回顾历史，中央美术学院的造型艺术教学与艺术创作在全国一直起着引领和示范作用，徐悲鸿、吴作人、古元、董希文、滑田友、侯一民、靳尚谊等前辈所倡导的“关注现实、服务人民”和“为中国造型”的思想和方向，至今影响着全国的艺术教学和艺术创作。前辈们所创作的《人民英雄纪念碑浮雕》、《开国大典》和《狼牙山五壮士》等作品，不仅有着广泛的社会影响力，而且已经成为了中国美术史的经典之作。而新一代名师的不断涌现，则显示出中央美术学院造型艺术事业的后继有人和未来发展的美好前景，我们不难看到今天活跃在教学第一线的新一代名师，他们的教学研究和艺术实践成果与前辈们一样在全国艺术教学和艺术创作方面继续发挥着引领和示范作用，而且他们的艺术作品在国际艺术领域也有着十分重要的影响力。
　　进入新世纪以来，虽然国内外社会、文化的迅速发展对造型艺术领域不断提出新的要求，以及造型艺术自身发展过程中所面临的诸多新的问题和挑战，但是造型学院广大教师并没有迷失方向，也没有一味地迎合、盲从潮流，而是以理性的态度、包容开放的心态和与时俱进的精神从容面对，并且在继承与发展的关系中，在艺术史演进的逻辑中，严肃认真地思考着自己的艺术取向，追问着艺术的本质，坚持着自己的艺术追求，在实践中不断地摸索各自的艺术发展之路。今天造型学院举办教师作品展览，就是为了全面展现每一位教师的艺术研究及实践的成果，也是向社会展示中央美术学院造型艺术实力的重要举措。尤其在文化、艺术多元化发展的今天，举办这样一个大型展览，对于加强教师凝聚力，坚定艺术理想和信念，推动艺术思考和实验的水平与高度无疑有着积极的作用。我们清楚，造型艺术是一个国家文化发展水平的重要标志，由于中央美术学院所处的地位，造型艺术学科的发展必须走在时代发展的前沿，这是时代发展对中央美术学院造型学科教师提出的要求，也是每一位老师肩负的历史使命。因此，今天的造型学院教师在锐意进取的道路上既要清醒地回望过去，更重要的是面对今天和未来，我们有责任和义务为中国造型艺术发展作出自己应有的贡献。

好的，这是一份关于一本未命名图书的详细简介，该书内容与《中央美术学院造型学院教师作品集》无关。 --- 《光影与线条的对话：当代抽象表现主义的深度探索》 图书简介 《光影与线条的对话：当代抽象表现主义的深度探索》是一部深度剖析二十世纪中后期至当代抽象表现主义发展脉络与核心观念的学术专著。本书并非对既有艺术史的简单复述，而是致力于在更宏大的哲学、心理学和美学框架下，重新审视这一艺术流派的本质特征、演变轨迹及其对当代视觉文化产生的深远影响。 本书结构严谨，内容涵盖了从抽象表现主义的起源，到其在不同地域和文化背景下的分支与变体，直至其在当下的持续生命力。全书分为五大部分，辅以大量的经典案例分析、艺术家的创作手稿与深度访谈记录，旨在为艺术理论研究者、策展人、艺术史学生以及对抽象艺术抱有浓厚兴趣的读者提供一个全面、深入且富有洞察力的研究视角。 第一部分：起源与奠基——现代主义的断裂与重构 本部分追溯了抽象表现主义在二战后特殊的历史语境中的诞生。我们深入探讨了形而上学的思辨、欧洲超现实主义的潜意识理论，以及二十世纪初包豪斯和俄罗斯建构主义对形式语言的革命性探索如何共同为抽象表现主义的爆发积蓄了能量。重点剖析了“行动绘画”（Action Painting）与“色域绘画”（Color Field Painting）两大核心流派的理论基础与实践差异。我们不仅考察了格林伯格（Clement Greenberg）的“媒介纯粹性”理论如何塑造了早期评论，也分析了德·库宁（Willem de Kooning）和罗斯科（Mark Rothko）在精神强度和空间营造上的根本分野。本章强调，抽象表现主义并非对具象的简单放弃，而是一种试图在画布上重建“本体性在场”的形而上学努力。 第二部分：工具、媒介与身体——创作过程的仪式化 本部分着重探讨了抽象表现主义艺术家对传统绘画工具和技法的颠覆性运用。我们细致分析了波洛克（Jackson Pollock）的滴画技术如何成为一种“身体记录”，探讨了“偶然性”在创作中的哲学意义，并将其置于现象学视角下考察——即身体在场与非意图性的互动如何转化为视觉符号。此外，书中还详细研究了材料的“去中心化”处理，如使用工业涂料、混合媒介以及对画布本身的结构性处理，展示了艺术家如何将画布从传统的“窗户”转变为一个充满张力的“场域”。这部分内容还涉及到对艺术家的“非理性精神世界”的挖掘，引用了大量关于艺术家自我探索和心理分析的文献，力求揭示作品背后深刻的内在驱动力。 第三部分：地域变奏与跨文化对话 抽象表现主义并非铁板一块，本部分致力于展现其在全球范围内的“在地化”进程。我们考察了“旧金山学派”与纽约学派在冷战背景下的意识形态差异，分析了欧洲“Tachisme”（斑点艺术）如何与美国的能量进行本土化的融合与抗衡。特别关注了欧洲“抒情抽象”对材质和光线的细腻处理，以及其在后结构主义思潮影响下的转向。此外，本书首次将目光投向非西方文化对抽象表现主义的接收与再创造，例如东亚地区（特别是日本的具体派）对“物质性”和“空”的概念如何与抽象表现主义进行对话，形成了独特的东方语境下的“身体-物质”关联。 第四部分：后抽象时代的转向与继承 进入七十年代，抽象表现主义的直接影响开始消退，但其遗产并未消失。本部分分析了后抽象（Post-Abstract）艺术的兴起，探讨了极简主义（Minimalism）如何继承了抽象表现主义对形式纯粹性的追求，却摒弃了其“表达性”和“主体性”的叙事。我们详细分析了对色彩和光线敏感的后绘画性抽象（Post-Painterly Abstraction）如何回归到对视觉经验的理性分析，以及观念艺术（Conceptual Art）对“作品”本身的质疑，是如何在间接层面挑战了抽象表现主义对“宏大叙事”的坚持。这部分内容旨在清晰梳理出一条从“情感爆发”到“理性回归”的艺术思潮演变路径。 第五部分：当代回响——抽象的复兴与数字时代的挑战 本书的最后一部分面向当下。我们探讨了二十一世纪以来，抽象艺术在当代艺术生态中的“回归”现象。这种回归并非简单的复古，而是艺术家们在面对全球化、信息过载和数字图像泛滥的时代背景下，重新寻求“真实性”（Authenticity）和“在场感”（Presence）的努力。书中分析了当代艺术家如何运用新的数字技术辅助传统绘画实践，以及大数据和虚拟现实（VR）对传统“空间感”的挑战，如何促使抽象绘画在二维平面上寻求新的视觉维度。我们评估了抽象表现主义对当代平面设计、时尚和建筑美学中“肌理”和“非结构化”趋势的渗透。 总结： 《光影与线条的对话》旨在提供一种超越流派标签的审视视角，将抽象表现主义置于一个更广阔的文化、哲学与心理学场域进行考察。本书注重细节的严谨考证与宏大概念的逻辑推演相结合，力求展现这一复杂而富有张力的艺术运动的持久魅力与深刻内涵。全书配有高质量的艺术复制品和详尽的注释，是研究现代与当代艺术不可或缺的参考读物。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书，我首先被那种扑面而来的艺术气息所震撼。这绝对不是一本平淡无奇的学院派作品集，它更像是一扇通往中央美术学院造型学院内部精神世界的窗口。那些作品，无论是雕塑、绘画还是其他媒介的探索，都透露出一种强大的、近乎原始的创造力。我尤其欣赏其中几位艺术家对于“形”与“体”的深度挖掘。他们似乎在用作品与我们对话，探讨着物质存在的本质以及人类感知与现实之间的复杂关系。有的作品充满了对传统语汇的解构与重塑，让人在熟悉的视觉经验中感受到颠覆性的冲击；而另一些则显得更为内敛和诗意，通过极简的线条或光影变化，营造出一种令人屏息的宁静氛围。坦白说，我原以为学院的选集难免会流于形式上的工整或概念上的堆砌，但这本书中的每一页都散发着作者们独立而坚韧的思考轨迹。它迫使你停下来，不仅仅是用眼睛“看”，更是要用身体去“感受”他们是如何在工作室里与材料搏斗，最终将那些抽象的灵感具象化的。这种沉浸式的阅读体验，远超出了我对任何一本艺术画册的期待，它更像是对当代中国造型艺术前沿探索的一次精妙的侧写。

评分☆☆☆☆☆

这本书的整体氛围给我一种非常“克制而有力”的感觉。它没有那种哗众取宠的浮夸色彩，也没有故作深奥的晦涩难懂。相反，作品的力量是内敛的，需要你投入时间和耐心去细细品味。比如，在那些处理人物或场景的作品中，艺术家们对光影的运用达到了近乎虔诚的地步，他们捕捉到的不是表象的瞬间，而是永恒的某种情绪状态。尤其是那些涉及空间关系的雕塑和装置作品的摄影记录，它们的构图精准得如同几何学定理，但同时又饱含着深刻的人文关怀。这种理智与情感、结构与生命力的完美平衡，是极其难得的。我感觉，这本作品集本身就像是为我们提供了一套高标准的审美标尺，它清晰地展示了当下中国造型艺术领域中，那些真正具有学术深度和个人风格的成熟探索是什么样子的。阅读它，仿佛上了一堂高密度的、无声的艺术大师课，让人受益匪浅，拓宽了对“美”的认知边界。

评分☆☆☆☆☆

我最感兴趣的是其中关于材料实验性的部分。中央美院造型学院的教师群体，其创作媒介之广阔和对材料特性的把握之精深，在这本集中得到了淋漓尽致的体现。我看到有人将传统的陶瓷工艺融入到极具现代感的结构设计中，打破了材料与形式之间的陈旧界限；还有一些作品，明显是在探索数字技术与手工技艺的交汇点，它们既保留了人类创造的温度，又具有未来主义的冷峻逻辑。这种跨越媒介的对话，让我深刻体会到“造型”二字的真正含义——它早已超越了传统的素描和油画范畴，成为一种更宏大、更具包容性的视觉构建体系。阅读过程中，我不禁在脑海中反复推演他们是如何克服材料本身的限制，如何赋予那些看似冰冷坚硬的物质以情感和叙事性的。这本书不仅仅是展示“结果”，它更像是在引导我们去思考艺术创作过程中的每一次大胆抉择和技术革新。它成功地激发了我对当代艺术实践中“工艺性”回归的强烈兴趣，这是一种对专业精神的极致推崇。

评分☆☆☆☆☆

从结构上看，这本教师作品集体现出一种罕见的整体视野，它不像是一堆零散的个人简历拼凑而成，而更像是一个精心策划的展览目录，拥有清晰的内在逻辑和叙事线索。虽然涉及的风格五花八门，从具象写实到纯粹的抽象表现应有尽有，但当你将它们置于“中央美术学院造型学院”这一特定语境下考察时，你会发现一股强大的、一以贯之的学术精神将它们凝聚起来。那是一种对造型基础的深厚敬畏，以及对时代精神的敏感捕捉。很多作品似乎都在回应着当代社会中个体身份的焦虑、记忆的碎片化处理，或是对自然秩序的重新审视。我特别喜欢其中对“留白”和“缺席”的艺术处理，那些没有被完全填满的空间和被刻意省略的细节，反而比充斥着信息的区域更引人遐想，留下了足够的想象空间给观者。这本书的价值，不仅在于收藏了优秀的艺术成果，更在于它完整地呈现了当下中国顶尖造型教育群体在理论与实践前沿所保持的思考深度与探索广度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计本身就是一件值得玩味的艺术品。从纸张的选择到油墨的印刷效果，每一个细节都体现出一种对艺术品本体的尊重与敬畏。当我拂过那些大幅面的布面印刷时，能清晰地感受到艺术家笔触的粗粝质感，那不是简单的图片复制，而是对原作气息的忠实还原。特别是在处理那些需要细微色彩过渡的作品时，这本书的表现力简直令人赞叹，那种层次感和微妙的冷暖变化，即使隔着纸张，也能传递出原作的温度。更让我惊喜的是，它不仅仅是作品的罗列，其中穿插的那些极简的文字说明，它们不是冗长的理论阐述，而是如同灯塔般精准地指引着观看者的方向，提示着作品背后的哲学思辨和创作契机。这使得整本书的阅读节奏张弛有度，既有视觉上的饱满冲击，也有精神上的留白和回味空间。我发现自己常常在看完一组作品后，会合上书本，闭目沉思许久，试图捕捉那些稍纵即逝的灵感火花。对于任何一个渴望深入了解中国顶尖造型教育成果的爱好者来说，这本画集无疑是近年来收藏价值极高的一部文献。