服装艺术解读与欣赏/艺术导论核心通识课系列教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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齐雪源，刘蓉，胡兰 著

图书标签:

• 服装艺术
• 服装设计
• 艺术史
• 艺术鉴赏
• 艺术导论
• 时尚文化
• 服饰文化
• 艺术教育
• 通识教育
• 设计原理

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562165576

版次：1

商品编码：11449280

包装：平装

丛书名： 艺术导论核心通识课系列教材

开本：32开

出版时间：2014-01-01

用纸：胶版纸

页数：58

正文语种：中文

内容简介

　　《服装艺术解读与欣赏/艺术导论核心通识课系列教材》的目的旨在让学生了解服装最初的主要作用——遮羞，经过长时间的发展转向了功能性（实用性），而现在更注重服装的美观性。人们为了功能性或社会性而穿戴衣物。衣物能够保护身体，也可以传递社会信息，衣物、配件与饰品传达的社会信息则包含了社会地位、职业、道德与宗教、婚姻状态以及性暗示等。我们必须知道这些符号以辨认传递出来的信息。《服装艺术解读与欣赏/艺术导论核心通识课系列教材》力图用通俗的语言给非服装专业学生在服装基础知识，如材料、廓形、色彩等方面进行普及，同时让学生了解一些关于服装着装的知识，希望这些知识能给他们提供帮助。当今社会对于服装的穿着越来越追求品质、品牌，《服装艺术解读与欣赏/艺术导论核心通识课系列教材》第五章介绍20世纪以来世界著名品牌的历史、风格和现状，以满足同学们对于这方面知识的渴求。

目录

第一章 服装的形状
一、服装的魔法
二、疯狂的形状——X型
三、服装丰富的形状

第二章 服装的格调
一、什么是服装的格调？
二、我们如何选择着装的格调？

第三章 服装的色彩
一、我总以色彩来吸引大家
二、色彩开的玩笑
三、服装色彩搭配原则
四、服装色彩配置与肤色
五、服装色彩配置与气质
六、服装色彩配置与身材
七、服装色彩搭配技巧

第四章 服装材料
一、服装的面料
二、服装的里料及辅料
附图：各种新型女装面料

第五章 你需要了解的十五个知名品牌
一、永远绚烂动人的Dior（迪奥）
二、永远的经典——Chanel（香奈儿）
三、热爱戏剧的Versace（范思哲）
四、简洁舒适的Gioraio Armani（乔治·阿玛尼）
五、英伦风格的Burberry（博柏利）
六、身份与财富的象征——Gucci（古驰）
七、工艺精湛的Prada（普拉达）
八、优雅的Giverlchv（纪梵希）
九、最大的奢侈品巨头Louis Vuitton（路易·威登）
十、意大利式高贵与优雅的Valentino（华伦天奴）
十一、最精致的男装Huqo Boss（胡戈·波士）
十二、另类设计师Cornme desGarcons（川久保玲）
十三、面料魔术师Lssey Miyake（三宅一生）
十四、黑色魔法师Yohji Yamamo（三本耀司）
十五、色彩魔术师KENZO（高田贤三）

第六章 着装与搭配八大注意事项
一、表里如一、上下一致
二、格纹搭配技巧
三、衣袜需协调
四、鞋子与服装的搭配
五、挑选服装的准则
六、衣饰与穿着场合
七、整体服饰品位统一
八、及时消除服饰的静电
参考文献

好的，这是一份关于“服装艺术解读与欣赏/艺术导论核心通识课系列教材”之外的其他图书的详细介绍。 --- 现代设计史论：从工业革命到数字时代 作者： 张明，李慧敏 出版社： 东方出版集团 页数： 620页 图书简介： 《现代设计史论：从工业革命到数字时代》是一部深入探讨西方设计思想演变及其社会影响的权威著作。本书全面梳理了自18世纪工业革命肇始，至21世纪数字媒体兴起这一历史长河中，设计如何从手工艺的附属品转变为塑造现代生活和文化的中心力量。 本书的叙事结构清晰，分为四个主要部分： 第一部分：工业化的挑战与现代设计的萌芽（1750-1900） 本部分着重分析了工业革命对传统手工艺体系的冲击，以及随之而来的审美危机。首先，作者详尽考察了英国工艺美术运动（Arts and Crafts Movement）的兴起，探讨了威廉·莫里斯对批量生产的反思，以及他对回归传统材料与精湛技艺的呼唤。随后，视角转向欧洲大陆，重点剖析了维也纳分离派、慕尼黑与德国的艺术与手工艺运动，特别是对奥托·瓦格纳（Otto Wagner）“形式服从功能”思想的早期解读。 关键议题还包括：对装饰艺术（Art Nouveau/Jugendstil）的深入分析，探讨其如何试图在工业化产品中注入有机形态与个性化表达。本部分通过大量案例分析，揭示了现代设计在功能需求与审美追求之间进行的早期探索与张力。 第二部分：现代主义的诞生与标准化（1900-1945） 这是设计史上最具革命性的时期。本书详细阐述了理性主义设计哲学的形成。重点介绍了两次世界大战前后，欧洲涌现出的先锋设计流派： 1. 包豪斯（Bauhaus）： 不仅是设计学校，更是一种教育理念和美学体系的实验场。本书细致分析了格罗皮乌斯、密斯·凡德罗等大师如何系统地整合艺术、工艺与技术，确立了“形式追随功能”的核心信条。重点讨论了其在建筑、平面设计、家具设计中的实践及其对标准化、可复制性的推崇。 2. 建构主义与至上主义（Constructivism and Suprematism）： 考察了俄国革命后，设计师如何将设计视为社会工程工具，追求几何纯粹性与技术美学。 3. 荷兰风格派（De Stijl）： 深入研究了蒙德里安和里特维尔德如何将抽象的几何元素和原色运用到二维和三维空间中，追求普遍和谐。 本部分强调了这一时期设计如何脱离历史的束缚，追求普遍的、客观的解决方案，并试图通过设计改造社会结构。 第三部分：战后繁荣与批判性反思（1945-1980） 二战结束后，设计迎来了全球化的商业扩张。本书分析了国际主义风格（International Style）在建筑和产品设计中的统治地位，以及其如何与消费主义文化深度融合。 然而，这种标准化和冷漠的理性也催生了反思： 1. 后现代主义的兴起： 本部分详细剖析了美国和意大利涌现出的对现代主义的挑战。重点关注罗伯特·文丘里（Robert Venturi）对“少即是多”的反驳，以及孟菲斯设计小组（Memphis Group）如何通过色彩、符号和挪用来解构严肃的现代主义教条，注入幽默感和文化语境。 2. 用户中心设计的萌芽： 探讨了人机工程学和早期用户体验思考在产品设计中的应用，为后来的交互设计奠定了基础。 第四部分：信息时代与设计的新范式（1980至今） 最后一部分关注信息技术革命对设计实践的颠覆。从计算机辅助设计（CAD）到互联网的普及，设计的外延和内涵都发生了深刻变化。 本书深入探讨了： 1. 数字美学与界面设计： 分析了图形用户界面（GUI）的设计原则，以及信息架构如何在视觉传达中占据核心地位。 2. 可持续设计与伦理责任： 讨论了在气候变化和资源枯竭背景下，设计师如何重新定义“功能”与“价值”，强调材料选择、生命周期评估和循环经济在设计决策中的作用。 3. 体验设计与服务设计： 探讨了设计思维（Design Thinking）如何从解决“物”的问题扩展到解决复杂的社会与服务流程问题，设计角色的复杂化。 本书特色： 跨学科视野： 本书不局限于纯粹的美学分析，而是将设计置于社会学、经济学和技术史的宏大叙事中进行考察。 丰富的图版与案例： 包含数百张高清历史图片、设计草图和产品照片，并配有详尽的图说。 理论与实践的结合： 每一章节都设有“关键理论家访谈摘录”和“经典作品深度解析”板块，帮助读者将抽象理论具象化。 《现代设计史论》是设计专业学生、艺术史研究者以及所有对我们所处物质环境的形成过程感兴趣的读者不可或缺的参考书。它提供了一把钥匙，让读者能够批判性地审视我们日常接触的每一个被设计过的对象。 --- 艺术鉴赏入门：跨越时空的视觉对话 作者： 王晓琳 出版社： 文源图书 页数： 450页 图书简介： 《艺术鉴赏入门：跨越时空的视觉对话》旨在为零基础读者提供一套全面、易懂且富有启发性的艺术鉴赏方法论。本书的核心目标是教授读者如何“看”——如何从单纯的“观看”提升到有深度的“鉴赏”，理解艺术作品背后的文化语境、技法选择与情感表达。本书避免了深奥晦涩的专业术语，而是采用对话和比较的方式，引导读者建立起自己的艺术感知体系。 本书结构侧重于媒介与要素的分类，而非严格按照时间线索。 第一部分：艺术鉴赏的基本功——看懂形式要素 本部分是建立基础观察能力的关键。作者首先解释了艺术作品中的“语法”： 1. 线条与轮廓： 讲解如何通过线条的粗细、方向和性质（如流畅的、断续的）来感知运动感、稳定感或脆弱感。 2. 色彩理论与心理学： 深入浅出地介绍冷暖色调、对比度、饱和度对情绪营造的影响，并结合伦勃朗的光影和印象派对瞬间色彩的捕捉进行对比。 3. 构图与空间： 探讨黄金分割、对称与非对称、视觉焦点等构图技巧如何引导观众的目光，以及透视法如何创造深度错觉。 4. 材质与肌理： 分析不同媒介（油画的厚涂、水墨的晕染、雕塑的粗粝感）如何传递艺术家的创作态度和作品的物质性。 第二部分：媒介的探索——从平面到立体 本部分按主要艺术媒介分类，展示不同载体的美学特点与历史发展： 1. 绘画的演变： 从湿壁画到布面油画，再到现代的综合材料。重点比较文艺复兴时期精确的解剖学表达与表现主义对情感扭曲的追求。 2. 雕塑与空间对话： 考察雕塑如何与三维空间互动，从古希腊的人体理想化到罗丹的动态瞬间，再到现代装置艺术对场域的介入。 3. 摄影的纪实与构建： 探讨摄影术作为一种新的观察工具，如何记录现实（如纪实摄影）和如何构建新的叙事（如概念摄影）。 4. 建筑的尺度与功能： 分析建筑不仅仅是庇护所，更是社会结构和时代精神的物质体现。选取哥特式教堂的高耸与现代主义建筑的简洁进行对比。 第三部分：语境的力量——理解艺术背后的故事 鉴赏不能脱离时代。本部分聚焦于如何将作品置于其诞生的历史、宗教、哲学和社会背景中去理解： 1. 神性与世俗： 考察中世纪宗教艺术如何服务于教化，以及文艺复兴如何将焦点重新拉回“人”本身。 2. 权力与赞助： 分析宫廷艺术（如巴洛克）如何服务于君权和贵族审美，以及现代艺术如何反抗商业赞助体系。 3. 符号学与隐喻： 教授读者识别画面中常见的文化符号（如莲花、骷髅、特定的动物），解读作品中隐藏的哲学或寓言信息。 第四部分：现代与当代的挑战 最后一部分引导读者直面20世纪以来的艺术爆炸。本书不会回避抽象艺术的“难以理解”，而是提供理解现代艺术的工具： 从具象到抽象的转向： 解释为什么艺术家开始关注艺术本身（如毕加索的立体主义对多重视角的探索）。 行为、观念与日常： 讨论杜尚的小便池如何挑战了“艺术品”的定义，以及当代艺术如何关注社会议题、身份政治和观众的参与性。 本书特色： “三步鉴赏法”： 引导读者按照“描述形式—分析技法—解读语境—形成个人判断”的流程进行练习。 对比学习单元： 每一章节末都设有“对比聚焦”，将风格迥异的作品并置，强化读者的辨识能力。 附赠“艺术词汇速查表”： 帮助初学者快速掌握必备的艺术术语。 《艺术鉴赏入门》致力于消除艺术学习的门槛，让读者在轻松愉快的阅读体验中，培养出独立思考和深度欣赏艺术作品的能力。 ---

评分☆☆☆☆☆

作为一名对当代设计趋势颇为关注的读者，我发现这本书在传统美学框架的奠基上，非常扎实地衔接了现代语境。很多通识教材往往在讲完古典美学后就戛然而止，但这本书显然志不止于此。它对20世纪中叶以来，诸如极简主义、后现代主义思潮对服装设计产生的颠覆性影响，进行了细致入微的梳理。作者对于“功能性”与“装饰性”之间永恒拉锯战的剖析，尤其精彩。书中提到，当设计师开始有意识地拆解服装的传统结构时，这不仅仅是材料上的创新，更是一种对既有社会规范的挑战。它不是生硬地给出“好”与“坏”的结论，而是引导读者去理解每一种设计选择背后的驱动力。阅读过程中，我多次停下来，回顾自己衣橱里的一些基本款，开始思考那些看似理所当然的衬衫领口、裤型剪裁，实际上蕴含了多少历史沉积和美学决策。这种反思的深度和广度，是很多同类书籍所不具备的。

评分☆☆☆☆☆

从装帧和排版的角度来看，这本书的设计本身也体现了极高的艺术水准，这对于一本探讨“艺术解读”的书来说，无疑是加分的要素。内页的留白恰到好处，字体选择优雅而不失易读性，图片的选择和排布更是用心良苦，很少出现那种为了塞满版面而拼凑的低质量图像。高质量的印刷使得那些关于面料纹理和色彩饱和度的细节得以清晰呈现，这一点对于研究视觉艺术的书籍至关重要。特别是书中对于世界各地民族服饰的案例展示，那些精美的刺绣和头饰细节，在高清的呈现下更显震撼人心。它不仅仅是一本知识的载体，更像是一件精心制作的工艺品。它教会了我如何“观看”服装，不仅仅是关注其表面的华丽或简约，而是去探究每一针一线背后蕴含的文化密码、技术挑战以及时间沉淀下来的审美选择，这是一种全方位的、沉浸式的艺术教育体验。

评分☆☆☆☆☆

这本新近购入的关于服装艺术的著作，初读之下便被其深邃的洞察力和极具感染力的文字所吸引。作者对于美学原理的阐释，绝非停留在枯燥的理论堆砌，而是巧妙地融入了对人类文明进程中服饰演变的深刻理解。尤其令人印象深刻的是，书中对不同历史时期，如文艺复兴时期与新艺术运动时期，服装造型语言的对比分析。它不仅仅描述了“穿什么”，更深入地探讨了“为什么这么穿”背后的社会结构、技术进步乃至集体潜意识的投射。例如，书中对巴洛克时期服装中那种极度夸张的体积感和装饰性的解读，绝非简单的风格描述，而是将其置于追求绝对权力与戏剧化表达的时代背景下，令人茅塞顿开。此外，作者在论述色彩理论与面料质感对视觉冲击力的影响时，所选用的词汇精准而富有张力，仿佛能让人触摸到丝绸的华贵与粗呢的朴拙。这种将理论与实例、历史与当下完美结合的叙事方式，极大地提升了阅读体验，使得原本可能显得晦涩的艺术鉴赏，变得生动而引人入胜，为我打开了一扇理解服饰作为一种非语言交流媒介的全新大门。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术严谨性毋庸置疑，但最让我感到亲切的是它在专业术语解释上的耐心和清晰度。很多艺术理论书籍，一旦涉及到“形式主义”、“结构主义”等概念时，就会变得晦涩难懂，仿佛故意设置阅读门槛。然而，这本书似乎始终将读者定位为一个求知欲强烈的初学者，用大量形象的比喻和清晰的图解来阐释抽象概念。举个例子，书中解释“韵律感”在服装设计中的应用时，并非仅仅停留在线条的重复上，而是将其与音乐的节拍、诗歌的韵脚进行了类比，这种跨学科的参照，极大地降低了理解的难度。我个人特别欣赏其中关于“物质性”的探讨，即不同的纤维、编织方式如何反过来影响了人类对“奢华”或“实用”的心理感知。通过这种细致入微的物质分析，作者成功地将服装艺术从“穿在身上的艺术品”提升到了“与身体共存的文化载体”的高度，让整体的欣赏维度得到了极大的拓展。

评分☆☆☆☆☆

说实话，拿到这本书时，我其实有点担心它会过于学院派，充满佶屈聱牙的术语，毕竟是“艺术导论核心通识课系列”的教材。但实际翻阅后，这种顾虑完全烟消云散了。它的叙述节奏非常流畅自然，更像是一位经验丰富的博物馆策展人，带着你漫步在一条精心设计的艺术长廊中。最让我惊喜的是，作者对“身体与空间”关系的探讨。书中有一章专门分析了高定时装如何通过结构性剪裁来重新定义和重塑穿着者的身体轮廓，这已经超越了简单的美学范畴，触及了现象学层面的哲学思考。比如，它如何论证某些服装设计本质上是在与观看者进行一场关于“界限”与“暴露”的博弈。书中引用的案例库异常丰富，从古代服饰的象征意义到当代解构主义设计师的作品，无一不被置于严谨的分析框架之下。我尤其喜欢其中对“动态美学”的捕捉，即服装在运动状态下所产生的流动性和光影变化，远比静止的平面图更具生命力，这种对瞬间捕捉的强调，让原本静态的图像分析活了起来，读起来酣畅淋漓。