色彩基础(全国高等院校艺术设计专业“十三五”规划教材) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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刘海洋 著，林家阳 主编 编

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• 教材
• 色彩基础
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• 视觉传达
• 色彩理论
• 艺术

出版社： 中国轻工业出版社

ISBN：9787518415212

版次：1

商品编码：12220271

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-10-01

用纸：铜版纸

产品特色

内容简介

　　

本书内容分为三大版块，第一部分色彩基础的基本概念，包括色彩基础概述、色彩的产生、色彩艺术的应用与发展；第二部分由色彩静物基础、色彩风景基础、色彩人物基础三大部分组成，每个部分又包括案例分析、知识点阐述和技能表现训练三个方面的内容，立体化、多层次、实践性地分解知识点和传授实践技能；第三部分包括传统大师作品赏析、现代派大师作品赏析、当代艺术作品赏析、应用性色彩赏析。

作者简介

本书作者刘海洋老师，毕业于鲁迅美术学院，任教于沈阳大学美术学院，从事绘画创作和色彩基础专业教学多年，具有深厚的专业素养和实践能力。

目录

第一章色彩基础的基本概念（8学时）

第一节色彩基础概述

一、色彩基础的基本概念

二、色彩基础和色彩

三、绘画色彩和设计色彩

四、色彩基础训练的意义和教学目的

第二节 色彩艺术的应用与发展

一、历史上各风格流派及其代表人物和色彩表现

二、当代色彩在艺术与设计艺术中的表现

三、现代技术下的色彩门类

第三节 色彩的产生

一、色彩的物理现象

二、色彩实体与色彩效果

第二章色彩基础训练（共56学时）

第一节 色彩静物基础

一、案例一 —— 具有代表性的大师作品

案例二 —— 具有代表性的学生作品

二、知识点：

1. 十二种色相环

2. 色相对比

3. 明度对比

4. 纯度对比

5. 色调

6. 静物构图

7. 材料和表现技法

三、技能表现训练：

任务一 单体静物单色写生

任务二 单体静物色彩写生

任务三 组合静物单色写生

任务四 组合静物色彩小稿写生

任务五 组合静物色彩写生

任务六 色彩静物小色稿变调训练

第二节 色彩风景（场景）基础

一、案例一 —— 具有代表性的大师作品

案例二 —— 具有代表性的学生作品

二、知识点：

1. 补色对比

2. 冷暖对比

3. 同时对比

4. 面积对比

5. 色彩的空间效果

6. 色彩混合

7. 风景构图

三、技能表现训练：

任务一 临摹列维坦作品

任务二 单色点状笔触训练

任务三 临摹修拉作品局部

任务四 临摹莫奈作品

第三节 色彩人物基础

一、案例一 —— 具有代表性的大师作品

案例二 —— 具有代表性的学生作品

二、知识点

1.色彩和谐

2.色彩的表现性

3.人物头像中的色彩规律

4.色彩人物头像中的素描因素

5.色彩人物头像构图

三、技能表现训练：

任务一 单色人物头像临摹

任务二 人物头像小色稿训练

任务三 色彩人物头像临摹

任务四 人物头像表现性色彩小稿训练

第三章 欣赏与分析 （共8学时）

第一节 传统艺术大师品欣赏

一、文艺复兴时期作品

二、巴洛克时期作品

三、洛可可时期作品

四、19世纪作品

第二节 现代派大师作品欣赏

一、印象派与后印象派

二、维也纳分离派

三、野兽派与立体派

四、风格派、巴黎画派

五、表现主义与达达主义

第三节 当代艺术作品欣赏

一、德国新表现主义作品

二、新莱比锡画派作品

三、吕克·图伊曼斯作品

四、安东尼奥·洛佩斯·加西亚作品

五、国内艺术家作品

第四节 应用性色彩欣赏

一、公共艺术色彩

二、舞台艺术色彩

三、广告艺术彩色

四、工业产品色彩

五、服饰色彩

六、建筑室内色彩

前言/序言

后记

《产品结构设计——解构活动型产品》 教材的知识基础是机械原理，但在编写的技术路线上，它和机械原理有着显著的区别，不同于“机械原理”或“机械设计基础”的教学大纲。教材编著的整个技术路线是：使用对象教学内容应用成果。在“活动型产品”的概念平台上，结合艺术专业课程结构，完成机械原理核心基础知识的传授任务。

根据本书编写的思路，作者希望广大读者能够做到“动脑和动手集合”、“ 理论和实践结合”这两大学习要领。动脑是灵活应用设计方法，动手是制作实物模型：“方法第一、知识第二”的学习理念，它的同义词是“授人以渔”，不是“授人以鱼”。在学习本教材时，要求学生掌握：画结构简图的方法；连杆两位置和连架杆两位置图解设计方法。“创造力”的释放。教育的最高境界是把学生的创造力释放出来。艺术类学生比工程类学生更具有创造力容易释放的优势，创造力释放的本质是“想象力”培养，艺术类学生形象思维强很大程度上反映了“想象力”强的特点。“正确答案永远不止一个，”例如下图中各种活动型产品图片都是艺术类学生掌握了本书连杆结构设计方法后创造力释放做出的作品。在学习本教材时，要按教材中的要求去完成设计计算和模型制作，体会产品设计和制作的实施过程，特别是构件结构化处理，由此举一反三、触类旁通地提出新的设计思路和产品方案。只有这样，才能牢固地掌握教材讲授的知识和方法，才能培养出活动型产品设计的兴趣，激励自己的创造潜力释放。

本书编写过程中，缪元吉教授负责本书前言、第一章第二节，第二章第一至三节，第三章的编著，张子然讲师负责本书大纲、第一章第一节和第二章第四节部分内容的编著及资料收集和审定；张一讲师负责本书第二章第四节的编著，全部图表的绘制和大量文字性的工作。

在本书的编写过程中得到了编委会专家，尤其是林家阳、何晓佑、吴翔教授的大力支持，以及诸多设计机构和设计师不辞辛苦地为本书提供优秀作品。田玉晶讲师也参加了本书的资料整理，学生马青芸也帮助收集了部分图片资料，在此一并感谢。限于作者的水平和能力，教材中纰漏难免，敬请广大读者及同行们提出宝贵意见。

《光影的魔术：现代摄影的视觉语言》 作者： 艾伦·格雷格森 出版社： 环球视觉出版社 出版年份： 2023年 --- 内容概要：一部深入解析光影与构图的摄影艺术圣经 《光影的魔术：现代摄影的视觉语言》并非一本关于色彩理论的教科书，而是聚焦于摄影艺术的核心——光线（照明）和构图（空间组织）如何共同塑造视觉叙事和情感传达的深度专著。本书旨在引导读者超越简单的“记录”层面，进入到“创造”的境界，理解光影作为一种无声的语言，如何构建图像的深度、质感和氛围。 全书共分为五大部分，近三十个章节，结构严谨，案例丰富，力求全面覆盖现代摄影实践中对视觉元素的最深刻理解。 --- 第一部分：光线的物理学与心理学基础 (The Physics and Psychology of Light) 本部分彻底摆脱了传统的色彩混合理论，转而深入探讨光线的本质属性及其对人眼和心理的影响。 1.1 光的本质：从波粒二象性到现场光线的分析 这一章详述了摄影师在自然界和人工环境中捕获光线的物理原理，重点分析了光的色温（开尔文值）、显色指数（CRI）对图像色彩准确性和氛围营造的实际作用，而非单纯的色彩三原色理论。讨论了高光、中间调和阴影（高光过渡区）的精确测量方法。 1.2 阴影的艺术：光线的雕塑作用 本书认为阴影是构成视觉力量的关键元素。本章通过大量大师级作品（如布列松、亚当斯）的剖析，阐释了硬光（高对比度、锐利阴影）与软光（低对比度、柔和过渡）如何塑造物体的体积感和戏剧张力。重点讲解了“明暗对比法”（Chiaroscuro）在当代摄影中的应用与演变。 1.3 情感光谱：光线的情绪指引 本章探讨了不同光线条件如何影响观众的情感体验。例如，清晨的“蓝色时间”（Blue Hour）与正午的“死亡光线”（Dead Light）在心理暗示上的巨大差异。它提供了一套评估现场光线质量并进行人工干预（闪光、反光板使用）的实用工具箱。 --- 第二部分：构图的动态平衡：空间、节奏与焦点 (Dynamic Composition: Space, Rhythm, and Focus) 第二部分将构图视为一种音乐般的结构，探讨如何通过元素在画面中的布局来引导观众的视线，实现视觉上的和谐或冲突。 2.1 超越三分法：多维度的空间划分 在承认经典构图法则的基础上，本部分深入研究了更复杂的空间关系，如负空间（Negative Space）的运用、前景、中景和背景的三层深度构建。探讨了“黄金分割”与“斐波那契螺旋”在现代极简主义构图中的应用。 2.2 引导线与视觉动线：路径的规划 本章聚焦于如何利用画面中的线条（自然线条、人造线条、光影边界）来创造视觉路径，确保观众的目光能够在画面中流畅地旅行，最终停留在预设的兴趣点上。 2.3 焦点与景深的叙事权力 (Depth of Field as Narrative Tool) 本书将景深（Depth of Field）视为一种选择性聚焦的叙事工具。讨论了浅景深（大光圈）如何隔离主体，创造梦幻感，以及深景深（小光圈）如何在纪实和风光摄影中构建宏大的空间感和信息密度。这与色彩的饱和度或色相无关，纯粹是关于清晰度与模糊度的控制。 --- 第三部分：纹理、形态与物质感 (Texture, Form, and Materiality) 本部分的核心是理解如何通过光影和细节捕捉来表现物体的“触感”和“实质”。 3.1 微观的叙事：纹理的捕捉技术 重点分析了侧光如何最大限度地展现物体的表面纹理——无论是皮肤的毛孔、岩石的粗糙还是金属的光滑。讨论了高分辨率传感器和微距摄影如何放大纹理的细节，使其成为图像的主题。 3.2 形态与剪影的张力 在光线强烈或背景过于明亮时，物体会转化为纯粹的形态（Form）。本章分析了如何利用剪影（Silhouette）来剥离物体的色彩信息，仅凭轮廓来传达力量、运动或神秘感。 3.3 质感的后期强化 此部分探讨了在数字暗房中，如何利用清晰度（Clarity）、锐化（Sharpening）和局部对比度调整，来“重塑”和“强调”原始的物质感，使其在二维平面上更具三维的触感。 --- 第四部分：时机的捕捉：运动、瞬间与序列 (Timing and Sequence) 本部分关注摄影对时间维度的控制，强调瞬间的选择与序列的编排。 4.1 快门速度的雕刻：凝固与模糊的力量 详细阐述了快门速度（Shutter Speed）对时间流逝的记录方式。分析了慢门（Long Exposure）如何将运动转化为柔和的光轨或丝绸般的水流，以及高速快门如何捕捉人类肉眼无法察觉的微小动作。 4.2 决定性瞬间的再定义 深入探讨了安塞尔·亚当斯在风光中对“预想的图像”的精确控制，与亨利·卡蒂埃-布列松在街头抓取“不可重复的瞬间”的哲学差异，强调时机选择的意图性。 4.3 序列的节奏：故事板的构建 针对摄影系列作品（如报道摄影、个人项目），本章指导读者如何安排照片的观看顺序，通过相邻图像之间的光影对比、构图呼应或时间推移，构建一个超越单张照片的完整叙事。 --- 第五部分：环境的整合：光影与场景的对话 (Integrating the Environment) 最后一部分回归到整体环境的把握，强调摄影师如何将光、形、时机整合到特定的地理和文化背景中。 5.1 远景与全景：环境光线的统治力 研究大型场景（如城市天际线、广阔的自然景观）中，环境光线如何定义整体的色调和氛围，以及如何在复杂的场景中选取一个能代表整体的“光影锚点”。 5.2 建筑的几何与光影的交织 侧重于现代主义和后现代主义建筑摄影，分析建筑师的设计意图如何通过光影的反射、穿透和遮挡，在二维图像中得到最纯粹的体现。 5.3 风格的建立：光影指纹 总结全书，探讨顶级摄影师如何通过对特定光线、特定阴影处理和特定构图偏好的一致性运用，最终形成他们独一无二的“视觉指纹”或艺术风格，指导读者在实践中寻找并固化自己的视觉语言。 --- 读者对象 本书适合所有对摄影艺术有严肃追求的进阶学习者、艺术设计专业学生，以及希望从技术操作转向艺术表达的专业摄影师。它提供的是观看世界和组织画面的思维框架，而非调色软件的操作指南。

评分☆☆☆☆☆

从教学辅助材料的角度来看，这本书的设计堪称典范。它似乎考虑到了不同学习风格的需求。对于偏爱视觉学习的读者，书中的图表和色卡插页质量极高，色彩还原度令人信服；对于偏爱文字和理论构建的读者，作者对色彩理论的梳理清晰到可以作为学术论文的参考框架。更难得的是，它在讲解一些抽象概念时，会引入当代艺术和设计的前沿案例，让理论不至于脱离时代。比如，它对“数字媒体中的色彩管理”这一块的阐述，非常及时和专业，这对于身处信息时代的我们来说，是不可或缺的技能。这本书没有将自己局限在传统美术院校的范畴内，它的视野更加开阔，不仅适用于纯艺术专业，对于工业设计、服装设计乃至市场营销中的视觉传达，都有着深远的指导意义。我把它放在桌面上，随时都能感受到它沉甸甸的专业感和知识的厚度，绝对是艺术设计专业学生未来几年内都值得反复研读的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是令人眼前一亮，封面色彩的运用大胆而富有层次感，初步翻阅时，那种触感和视觉冲击力就让人对接下来的学习内容充满了期待。内页的纸张质量也相当不错，印刷清晰，即便是细微的色值变化也能被准确地还原，这对于学习色彩这样一个高度依赖视觉准确性的学科来说，简直是太重要了。我尤其欣赏它在排版上所做的精心考量，图文布局疏密有致，没有那种传统教材常见的拥挤感。那些复杂的理论知识点，通过精心设计的图例和对比图，变得直观易懂，不再是干巴巴的文字堆砌。这本书显然不是简单地罗列知识点，它更像是一本艺术家的工作手册，里面穿插了不少历史上的经典案例分析，让读者在学习色彩原理的同时，也能感受到艺术史的脉络，这种跨学科的融合，极大地拓宽了我的视野，让我不再仅仅把色彩看作是技术层面的东西，而是上升到了美学和文化表达的层面。我感觉作者在编纂过程中，确实花了大心思去平衡学术的严谨性与实践的可操作性，每一个章节的过渡都显得那么自然流畅，让人有种“原来如此”的豁然开朗感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度远超我的预期，它对待色彩的探讨已经触及到了哲学层面。书中有专门的章节深入分析了不同媒介（如印刷、屏幕显示、绘画颜料）之间的色彩转换问题，这种对“色彩语境”的细致区分，对于我们这些从事多媒体设计的人来说，是极其宝贵的知识点，避免了太多因色域差异导致的返工。我尤其欣赏它对色彩文化和符号学的探讨，它没有将色彩视为一个孤立的元素，而是将其置于人类文明的大背景下考察。例如，书中对东方哲学中“五色观”的阐述，与西方现代主义色彩理论形成了有趣的对话，这种跨文化的对比分析，极大地提升了教材的内涵深度。我感觉自己不仅仅是在学习一门技术课程，更是在进行一场关于视觉文化史的深度研讨。这本书的文字表达流畅且富有思辨性，即便是初学者，只要带着好奇心去阅读，也能从中汲取到营养，而对于有经验的设计师来说，它更像是一本可以随时翻阅、不断激发灵感的参考书。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的内容密度非常高，初次通读需要较高的专注力。但这种“高密度”恰恰体现了它的价值——它没有丝毫的注水，每一个知识点都经过了精心的筛选和编排。特别是它在处理色彩和谐性问题时，引入了大量的数学模型和视觉心理学实验数据作为支撑，使得原本主观的“美感”有了一套可量化的参考标准。我曾经为如何系统地构建一套个人色彩体系而苦恼，这本书提供了清晰的框架，引导我去解构和重构色彩体系。书中的习题和案例分析，设计得极其巧妙，它们往往不是直接给出标准答案，而是抛出一个复杂的设计情境，要求读者结合所学的理论去解决实际问题，这种启发式的教学方式，极大地锻炼了我们的批判性思维和自主解决问题的能力。这本书真正做到了培养“思考者”，而不仅仅是“执行者”，它在引导我们如何“看见”色彩，而非仅仅是“使用”色彩。

评分☆☆☆☆☆

初次拿到这本书时，我有点担心它作为“十三五”规划教材，会不会过于学术化和僵硬，毕竟很多官方教材的倾向就是理论先行，实践性不足。然而，实际阅读下来，我的顾虑完全打消了。这本书的逻辑构建非常严谨，它从最基础的光学原理和人眼感知入手，层层递进地探讨了色彩的物理属性、心理感受以及不同文化背景下的象征意义。最让我感到惊喜的是，它不仅仅停留在“三原色”的讨论上，而是深入到了高级的色彩调和、对比以及复杂光影下的色彩变化。书中提供的那些实操建议，例如如何利用色彩在平面设计中引导视线，或者如何在空间设计中营造特定的氛围，都具有极强的实战价值。我试着按照书中的步骤进行了一些小练习，发现即便是过去常常让我感到困惑的“莫兰迪色系”的调配，现在也变得有章可循，不再是靠运气。这种从理论到实操的无缝对接，使得学习过程充满了成就感，它真正做到了把复杂的色彩科学转化为艺术家的实用工具箱。