服裝藝術解讀與欣賞/藝術導論核心通識課係列教材 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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齊雪源，劉蓉，鬍蘭 著

圖書標籤:

• 服裝藝術
• 服裝設計
• 藝術史
• 藝術鑒賞
• 藝術導論
• 時尚文化
• 服飾文化
• 藝術教育
• 通識教育
• 設計原理

齣版社： 西南師範大學齣版社

ISBN：9787562165576

版次：1

商品編碼：11449280

包裝：平裝

叢書名： 藝術導論核心通識課係列教材

開本：32開

齣版時間：2014-01-01

用紙：膠版紙

頁數：58

正文語種：中文

內容簡介

　　《服裝藝術解讀與欣賞/藝術導論核心通識課係列教材》的目的旨在讓學生瞭解服裝最初的主要作用——遮羞，經過長時間的發展轉嚮瞭功能性（實用性），而現在更注重服裝的美觀性。人們為瞭功能性或社會性而穿戴衣物。衣物能夠保護身體，也可以傳遞社會信息，衣物、配件與飾品傳達的社會信息則包含瞭社會地位、職業、道德與宗教、婚姻狀態以及性暗示等。我們必須知道這些符號以辨認傳遞齣來的信息。《服裝藝術解讀與欣賞/藝術導論核心通識課係列教材》力圖用通俗的語言給非服裝專業學生在服裝基礎知識，如材料、廓形、色彩等方麵進行普及，同時讓學生瞭解一些關於服裝著裝的知識，希望這些知識能給他們提供幫助。當今社會對於服裝的穿著越來越追求品質、品牌，《服裝藝術解讀與欣賞/藝術導論核心通識課係列教材》第五章介紹20世紀以來世界著名品牌的曆史、風格和現狀，以滿足同學們對於這方麵知識的渴求。

目錄

第一章 服裝的形狀
一、服裝的魔法
二、瘋狂的形狀——X型
三、服裝豐富的形狀

第二章 服裝的格調
一、什麼是服裝的格調？
二、我們如何選擇著裝的格調？

第三章 服裝的色彩
一、我總以色彩來吸引大傢
二、色彩開的玩笑
三、服裝色彩搭配原則
四、服裝色彩配置與膚色
五、服裝色彩配置與氣質
六、服裝色彩配置與身材
七、服裝色彩搭配技巧

第四章 服裝材料
一、服裝的麵料
二、服裝的裏料及輔料
附圖：各種新型女裝麵料

第五章 你需要瞭解的十五個知名品牌
一、永遠絢爛動人的Dior（迪奧）
二、永遠的經典——Chanel（香奈兒）
三、熱愛戲劇的Versace（範思哲）
四、簡潔舒適的Gioraio Armani（喬治·阿瑪尼）
五、英倫風格的Burberry（博柏利）
六、身份與財富的象徵——Gucci（古馳）
七、工藝精湛的Prada（普拉達）
八、優雅的Giverlchv（紀梵希）
九、最大的奢侈品巨頭Louis Vuitton（路易·威登）
十、意大利式高貴與優雅的Valentino（華倫天奴）
十一、最精緻的男裝Huqo Boss（鬍戈·波士）
十二、另類設計師Cornme desGarcons（川久保玲）
十三、麵料魔術師Lssey Miyake（三宅一生）
十四、黑色魔法師Yohji Yamamo（三本耀司）
十五、色彩魔術師KENZO（高田賢三）

第六章 著裝與搭配八大注意事項
一、錶裏如一、上下一緻
二、格紋搭配技巧
三、衣襪需協調
四、鞋子與服裝的搭配
五、挑選服裝的準則
六、衣飾與穿著場閤
七、整體服飾品位統一
八、及時消除服飾的靜電
參考文獻

好的，這是一份關於“服裝藝術解讀與欣賞/藝術導論核心通識課係列教材”之外的其他圖書的詳細介紹。 --- 現代設計史論：從工業革命到數字時代 作者： 張明，李慧敏 齣版社： 東方齣版集團 頁數： 620頁 圖書簡介： 《現代設計史論：從工業革命到數字時代》是一部深入探討西方設計思想演變及其社會影響的權威著作。本書全麵梳理瞭自18世紀工業革命肇始，至21世紀數字媒體興起這一曆史長河中，設計如何從手工藝的附屬品轉變為塑造現代生活和文化的中心力量。 本書的敘事結構清晰，分為四個主要部分： 第一部分：工業化的挑戰與現代設計的萌芽（1750-1900） 本部分著重分析瞭工業革命對傳統手工藝體係的衝擊，以及隨之而來的審美危機。首先，作者詳盡考察瞭英國工藝美術運動（Arts and Crafts Movement）的興起，探討瞭威廉·莫裏斯對批量生産的反思，以及他對迴歸傳統材料與精湛技藝的呼喚。隨後，視角轉嚮歐洲大陸，重點剖析瞭維也納分離派、慕尼黑與德國的藝術與手工藝運動，特彆是對奧托·瓦格納（Otto Wagner）“形式服從功能”思想的早期解讀。 關鍵議題還包括：對裝飾藝術（Art Nouveau/Jugendstil）的深入分析，探討其如何試圖在工業化産品中注入有機形態與個性化錶達。本部分通過大量案例分析，揭示瞭現代設計在功能需求與審美追求之間進行的早期探索與張力。 第二部分：現代主義的誕生與標準化（1900-1945） 這是設計史上最具革命性的時期。本書詳細闡述瞭理性主義設計哲學的形成。重點介紹瞭兩次世界大戰前後，歐洲湧現齣的先鋒設計流派： 1. 包豪斯（Bauhaus）： 不僅是設計學校，更是一種教育理念和美學體係的實驗場。本書細緻分析瞭格羅皮烏斯、密斯·凡德羅等大師如何係統地整閤藝術、工藝與技術，確立瞭“形式追隨功能”的核心信條。重點討論瞭其在建築、平麵設計、傢具設計中的實踐及其對標準化、可復製性的推崇。 2. 建構主義與至上主義（Constructivism and Suprematism）： 考察瞭俄國革命後，設計師如何將設計視為社會工程工具，追求幾何純粹性與技術美學。 3. 荷蘭風格派（De Stijl）： 深入研究瞭濛德裏安和裏特維爾德如何將抽象的幾何元素和原色運用到二維和三維空間中，追求普遍和諧。 本部分強調瞭這一時期設計如何脫離曆史的束縛，追求普遍的、客觀的解決方案，並試圖通過設計改造社會結構。 第三部分：戰後繁榮與批判性反思（1945-1980） 二戰結束後，設計迎來瞭全球化的商業擴張。本書分析瞭國際主義風格（International Style）在建築和産品設計中的統治地位，以及其如何與消費主義文化深度融閤。 然而，這種標準化和冷漠的理性也催生瞭反思： 1. 後現代主義的興起： 本部分詳細剖析瞭美國和意大利湧現齣的對現代主義的挑戰。重點關注羅伯特·文丘裏（Robert Venturi）對“少即是多”的反駁，以及孟菲斯設計小組（Memphis Group）如何通過色彩、符號和挪用來解構嚴肅的現代主義教條，注入幽默感和文化語境。 2. 用戶中心設計的萌芽： 探討瞭人機工程學和早期用戶體驗思考在産品設計中的應用，為後來的交互設計奠定瞭基礎。 第四部分：信息時代與設計的新範式（1980至今） 最後一部分關注信息技術革命對設計實踐的顛覆。從計算機輔助設計（CAD）到互聯網的普及，設計的外延和內涵都發生瞭深刻變化。 本書深入探討瞭： 1. 數字美學與界麵設計： 分析瞭圖形用戶界麵（GUI）的設計原則，以及信息架構如何在視覺傳達中占據核心地位。 2. 可持續設計與倫理責任： 討論瞭在氣候變化和資源枯竭背景下，設計師如何重新定義“功能”與“價值”，強調材料選擇、生命周期評估和循環經濟在設計決策中的作用。 3. 體驗設計與服務設計： 探討瞭設計思維（Design Thinking）如何從解決“物”的問題擴展到解決復雜的社會與服務流程問題，設計角色的復雜化。 本書特色： 跨學科視野： 本書不局限於純粹的美學分析，而是將設計置於社會學、經濟學和技術史的宏大敘事中進行考察。 豐富的圖版與案例： 包含數百張高清曆史圖片、設計草圖和産品照片，並配有詳盡的圖說。 理論與實踐的結閤： 每一章節都設有“關鍵理論傢訪談摘錄”和“經典作品深度解析”闆塊，幫助讀者將抽象理論具象化。 《現代設計史論》是設計專業學生、藝術史研究者以及所有對我們所處物質環境的形成過程感興趣的讀者不可或缺的參考書。它提供瞭一把鑰匙，讓讀者能夠批判性地審視我們日常接觸的每一個被設計過的對象。 --- 藝術鑒賞入門：跨越時空的視覺對話 作者： 王曉琳 齣版社： 文源圖書 頁數： 450頁 圖書簡介： 《藝術鑒賞入門：跨越時空的視覺對話》旨在為零基礎讀者提供一套全麵、易懂且富有啓發性的藝術鑒賞方法論。本書的核心目標是教授讀者如何“看”——如何從單純的“觀看”提升到有深度的“鑒賞”，理解藝術作品背後的文化語境、技法選擇與情感錶達。本書避免瞭深奧晦澀的專業術語，而是采用對話和比較的方式，引導讀者建立起自己的藝術感知體係。 本書結構側重於媒介與要素的分類，而非嚴格按照時間綫索。 第一部分：藝術鑒賞的基本功——看懂形式要素 本部分是建立基礎觀察能力的關鍵。作者首先解釋瞭藝術作品中的“語法”： 1. 綫條與輪廓： 講解如何通過綫條的粗細、方嚮和性質（如流暢的、斷續的）來感知運動感、穩定感或脆弱感。 2. 色彩理論與心理學： 深入淺齣地介紹冷暖色調、對比度、飽和度對情緒營造的影響，並結閤倫勃朗的光影和印象派對瞬間色彩的捕捉進行對比。 3. 構圖與空間： 探討黃金分割、對稱與非對稱、視覺焦點等構圖技巧如何引導觀眾的目光，以及透視法如何創造深度錯覺。 4. 材質與肌理： 分析不同媒介（油畫的厚塗、水墨的暈染、雕塑的粗糲感）如何傳遞藝術傢的創作態度和作品的物質性。 第二部分：媒介的探索——從平麵到立體 本部分按主要藝術媒介分類，展示不同載體的美學特點與曆史發展： 1. 繪畫的演變： 從濕壁畫到布麵油畫，再到現代的綜閤材料。重點比較文藝復興時期精確的解剖學錶達與錶現主義對情感扭麯的追求。 2. 雕塑與空間對話： 考察雕塑如何與三維空間互動，從古希臘的人體理想化到羅丹的動態瞬間，再到現代裝置藝術對場域的介入。 3. 攝影的紀實與構建： 探討攝影術作為一種新的觀察工具，如何記錄現實（如紀實攝影）和如何構建新的敘事（如概念攝影）。 4. 建築的尺度與功能： 分析建築不僅僅是庇護所，更是社會結構和時代精神的物質體現。選取哥特式教堂的高聳與現代主義建築的簡潔進行對比。 第三部分：語境的力量——理解藝術背後的故事 鑒賞不能脫離時代。本部分聚焦於如何將作品置於其誕生的曆史、宗教、哲學和社會背景中去理解： 1. 神性與世俗： 考察中世紀宗教藝術如何服務於教化，以及文藝復興如何將焦點重新拉迴“人”本身。 2. 權力與贊助： 分析宮廷藝術（如巴洛剋）如何服務於君權和貴族審美，以及現代藝術如何反抗商業贊助體係。 3. 符號學與隱喻： 教授讀者識彆畫麵中常見的文化符號（如蓮花、骷髏、特定的動物），解讀作品中隱藏的哲學或寓言信息。 第四部分：現代與當代的挑戰 最後一部分引導讀者直麵20世紀以來的藝術爆炸。本書不會迴避抽象藝術的“難以理解”，而是提供理解現代藝術的工具： 從具象到抽象的轉嚮： 解釋為什麼藝術傢開始關注藝術本身（如畢加索的立體主義對多重視角的探索）。 行為、觀念與日常： 討論杜尚的小便池如何挑戰瞭“藝術品”的定義，以及當代藝術如何關注社會議題、身份政治和觀眾的參與性。 本書特色： “三步鑒賞法”： 引導讀者按照“描述形式—分析技法—解讀語境—形成個人判斷”的流程進行練習。 對比學習單元： 每一章節末都設有“對比聚焦”，將風格迥異的作品並置，強化讀者的辨識能力。 附贈“藝術詞匯速查錶”： 幫助初學者快速掌握必備的藝術術語。 《藝術鑒賞入門》緻力於消除藝術學習的門檻，讓讀者在輕鬆愉快的閱讀體驗中，培養齣獨立思考和深度欣賞藝術作品的能力。 ---

評分☆☆☆☆☆

從裝幀和排版的角度來看，這本書的設計本身也體現瞭極高的藝術水準，這對於一本探討“藝術解讀”的書來說，無疑是加分的要素。內頁的留白恰到好處，字體選擇優雅而不失易讀性，圖片的選擇和排布更是用心良苦，很少齣現那種為瞭塞滿版麵而拼湊的低質量圖像。高質量的印刷使得那些關於麵料紋理和色彩飽和度的細節得以清晰呈現，這一點對於研究視覺藝術的書籍至關重要。特彆是書中對於世界各地民族服飾的案例展示，那些精美的刺綉和頭飾細節，在高清的呈現下更顯震撼人心。它不僅僅是一本知識的載體，更像是一件精心製作的工藝品。它教會瞭我如何“觀看”服裝，不僅僅是關注其錶麵的華麗或簡約，而是去探究每一針一綫背後蘊含的文化密碼、技術挑戰以及時間沉澱下來的審美選擇，這是一種全方位的、沉浸式的藝術教育體驗。

評分☆☆☆☆☆

這本書的學術嚴謹性毋庸置疑，但最讓我感到親切的是它在專業術語解釋上的耐心和清晰度。很多藝術理論書籍，一旦涉及到“形式主義”、“結構主義”等概念時，就會變得晦澀難懂，仿佛故意設置閱讀門檻。然而，這本書似乎始終將讀者定位為一個求知欲強烈的初學者，用大量形象的比喻和清晰的圖解來闡釋抽象概念。舉個例子，書中解釋“韻律感”在服裝設計中的應用時，並非僅僅停留在綫條的重復上，而是將其與音樂的節拍、詩歌的韻腳進行瞭類比，這種跨學科的參照，極大地降低瞭理解的難度。我個人特彆欣賞其中關於“物質性”的探討，即不同的縴維、編織方式如何反過來影響瞭人類對“奢華”或“實用”的心理感知。通過這種細緻入微的物質分析，作者成功地將服裝藝術從“穿在身上的藝術品”提升到瞭“與身體共存的文化載體”的高度，讓整體的欣賞維度得到瞭極大的拓展。

評分☆☆☆☆☆

這本新近購入的關於服裝藝術的著作，初讀之下便被其深邃的洞察力和極具感染力的文字所吸引。作者對於美學原理的闡釋，絕非停留在枯燥的理論堆砌，而是巧妙地融入瞭對人類文明進程中服飾演變的深刻理解。尤其令人印象深刻的是，書中對不同曆史時期，如文藝復興時期與新藝術運動時期，服裝造型語言的對比分析。它不僅僅描述瞭“穿什麼”，更深入地探討瞭“為什麼這麼穿”背後的社會結構、技術進步乃至集體潛意識的投射。例如，書中對巴洛剋時期服裝中那種極度誇張的體積感和裝飾性的解讀，絕非簡單的風格描述，而是將其置於追求絕對權力與戲劇化錶達的時代背景下，令人茅塞頓開。此外，作者在論述色彩理論與麵料質感對視覺衝擊力的影響時，所選用的詞匯精準而富有張力，仿佛能讓人觸摸到絲綢的華貴與粗呢的樸拙。這種將理論與實例、曆史與當下完美結閤的敘事方式，極大地提升瞭閱讀體驗，使得原本可能顯得晦澀的藝術鑒賞，變得生動而引人入勝，為我打開瞭一扇理解服飾作為一種非語言交流媒介的全新大門。

評分☆☆☆☆☆

作為一名對當代設計趨勢頗為關注的讀者，我發現這本書在傳統美學框架的奠基上，非常紮實地銜接瞭現代語境。很多通識教材往往在講完古典美學後就戛然而止，但這本書顯然誌不止於此。它對20世紀中葉以來，諸如極簡主義、後現代主義思潮對服裝設計産生的顛覆性影響，進行瞭細緻入微的梳理。作者對於“功能性”與“裝飾性”之間永恒拉鋸戰的剖析，尤其精彩。書中提到，當設計師開始有意識地拆解服裝的傳統結構時，這不僅僅是材料上的創新，更是一種對既有社會規範的挑戰。它不是生硬地給齣“好”與“壞”的結論，而是引導讀者去理解每一種設計選擇背後的驅動力。閱讀過程中，我多次停下來，迴顧自己衣櫥裏的一些基本款，開始思考那些看似理所當然的襯衫領口、褲型剪裁，實際上蘊含瞭多少曆史沉積和美學決策。這種反思的深度和廣度，是很多同類書籍所不具備的。

評分☆☆☆☆☆

說實話，拿到這本書時，我其實有點擔心它會過於學院派，充滿佶屈聱牙的術語，畢竟是“藝術導論核心通識課係列”的教材。但實際翻閱後，這種顧慮完全煙消雲散瞭。它的敘述節奏非常流暢自然，更像是一位經驗豐富的博物館策展人，帶著你漫步在一條精心設計的藝術長廊中。最讓我驚喜的是，作者對“身體與空間”關係的探討。書中有一章專門分析瞭高定時裝如何通過結構性剪裁來重新定義和重塑穿著者的身體輪廓，這已經超越瞭簡單的美學範疇，觸及瞭現象學層麵的哲學思考。比如，它如何論證某些服裝設計本質上是在與觀看者進行一場關於“界限”與“暴露”的博弈。書中引用的案例庫異常豐富，從古代服飾的象徵意義到當代解構主義設計師的作品，無一不被置於嚴謹的分析框架之下。我尤其喜歡其中對“動態美學”的捕捉，即服裝在運動狀態下所産生的流動性和光影變化，遠比靜止的平麵圖更具生命力，這種對瞬間捕捉的強調，讓原本靜態的圖像分析活瞭起來，讀起來酣暢淋灕。