具体描述
内容简介
赵孟頫（1254-1322），字予昂，号松雪道人，世称“赵松雪”。吴兴（今浙江湖州）人，后人又称“赵吴兴”。幼聪慧，读书过目成诵，为文操笔立就。谥文敏，故又称为“赵文敏”。他的书法，行书深入右军堂奥，风神雅致，潇洒流美，而楷书融唐铸晋，既端庄朴实，又流畅婉丽，形成独特的体势，获“赵体”之称。《急就章》原名《急就篇》，是西汉元帝时命令黄门令史游为儿童识字编的识字课本。因篇首有“急就”二字而得名。《急就篇》原文共一千三百九十四字，文词雅奥。用不同的字组成三畜、四言或七言的韵文，内容涉及姓名、组织、生物、礼乐、职官等各方面，如一部小的百科全书。该文从汉至唐一直是社会流传的主要识字蒙学教材，同时，抄写规范精雅的本子也有作为临书范本的功能。《急就章》相传为三国时吴皇象所书，也有魏钟繇，晋卫夫人或王羲之所书的说法，为章革体的正宗，原为刻本。皇象，三国吴时广陵江都（今江苏扬州）人。其书师法杜度，精篆、隶，*工章草，笔势沉着痛快，自然纵横。此帖对后世影响甚大，至今仍为古章草的代表作品，亦是公认的章草范本之一。历代书家争相传摹，元赵孟頫、邓文原及明宋克的临本极其有名。
《中国经典书画丛书：赵孟頫书急就章》是赵孟頫章草书《急就章》，但与皇象的《急就章》又“貌合神离”，章法严密，气势相连，首尾相顾，给人以“结意优美”的感受。字形规范，笔力刚健，寓变化于统一，其字结体略扃，各字间均不牵连。有些笔画下笔尖细，重按后上挑，出锋犀利，形成不规则的三角形，成为其字的重要特点。《中国经典书画丛书：赵孟頫书急就章》点画简约、凝重、含蓄，笔意多隶，笔画虽有牵丝，但有法度，字字独立内敛。横、捺、点酾多作波磔，整篇气息古朴、温厚，沉着痛快，纵横自然。
内页插图
前言/序言
用户评价
这本《中国经典书画丛书》系列中的另一册，我最近翻阅的是关于宋徽宗赵佶的那个分册。说实话，光是看到封面那种精心考究的装帧设计，就让人对接下来的内容充满了期待。内页的纸张质感非常出色，那种微微泛黄、带着历史厚重感的米白，极大地提升了观摩的体验。我们都知道赵佶在艺术史上的地位是极其独特的，他既是皇帝，又是成就极高的书画家。这本册子深入剖析了他那种瘦金体的形成与演变，那种笔画如刀刻、如风拂柳的独特韵味，简直让人手不释卷。书中不仅展示了大量的摹本和拓片高清图，更难得的是，它还穿插了大量对当时宫廷艺术氛围的描述。比如，关于他如何设立翰林图画院，如何对画院中的士人提出极高的艺术标准，这些细节都让我对那个时代艺术家的生存状态有了更立体的认识。尤其是关于他那些花鸟画，那种对自然万物细致入微的观察和表现力，真的令人叹为观止。它不像后世文人那样追求“意到笔不到”，而是将工笔的精妙与写意的情感融为一体，达到了一个难以企及的高度。这本书的编排逻辑性很强，从早年的师承到中后期的风格确立，脉络清晰，对于想系统了解宋代院体艺术的爱好者来说，绝对是一份宝贵的资料。
评分手上这本关于敦煌壁画摹本集，与我以往看的那些聚焦于个体书画家成就的图册，简直是天壤之别。它将视角拉升到了一个宏大且跨越千年的历史维度。这本书收录的摹本，质量极高，每一幅图的细节处理都力求还原壁画原有的色彩和线条感，对于研究早期中国佛教艺术的演变轨迹，具有不可替代的价值。我特别关注了北朝时期和唐代盛世壁画的对比章节。北朝的风格，那种稚拙而有力的线条，以及强烈的造型感，读来让人感受到一种原始而磅礴的生命力；而到了唐代，那种人体造型的丰满圆润，以及色彩的饱和与和谐，则体现了极盛时期的自信与包容。书中对壁画中“飞天”形象的演变分析尤其引人入胜，从早期受犍陀罗影响的样式，到后来完全融入本土审美的翩跹姿态，清晰地展现了文化融合与本土化的过程。这本书的学术性很强，每幅图都有详细的编号、出处和年代考证，对于从事相关研究的学者来说，无疑是极大的便利。它让我深刻体会到，中国艺术史绝不是孤立发展的，而是与宗教、丝绸之路、民族交流紧密交织在一起的宏大叙事。
评分我最近入手了一本专注于明代中晚期吴门画派的书籍，与我平常看的那些侧重于唐宋法帖的资料风格迥然不同，它给我带来了一种全新的审美冲击。这本书的重点明显放在了文人画的“逸品”追求上，特别是对唐寅和仇英的处理上，视角非常独特。它没有停留在对两人作品表面风格的描摹，而是深入挖掘了他们各自在不同社会环境下的心境转化如何影响笔墨语言。比如，书中对仇英那种近乎于匠人般的精细描摹背后所隐藏的文人情结的剖析，就非常到位；它指出仇英的“青绿山水”其实是对宋院体一种更精致的继承和转化，而非简单的模仿。而对于唐寅，书中则着重探讨了他在仕途受挫后，其画风中流露出的那种强烈的个性和洒脱不羁。这本书的排版设计也很有意思，它大量使用了对开页的对比展示，比如将仇英的工整与唐寅的奔放并置，使得读者能瞬间捕捉到两者在技法和神韵上的巨大差异。而且，它还附录了一些当时的文人信札和诗文，这些一手资料的引用，让整个论述更具说服力，仿佛能听到那个时代文人的低语，感受到他们对“真性情”的执着追求。
评分这本关于元代四大家——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙——的画册，简直就是一场关于“笔墨精神”的深度对话。与其他只罗列作品的画册不同，这本书更像是一部结合了文献考据和艺术哲学的著作。它没有急于去定义“元四家”的共同点，而是花费了大量篇幅去阐述他们各自在元朝灭亡后的那种“士人身份危机”感是如何转化为水墨语言的。比如，对倪瓒那种极简到近乎荒寒的画风，书中提出了一个很有见地的观点，认为那不是不会画，而是“不屑于画”的极致表达，是主体精神对俗世技法的有意疏离。书中对黄公望《富春山居图》的分析尤其精彩，它详细比对了不同阶段的摹本，试图还原其“一挥而就”的创作状态，那种自然天成的韵味，简直是不可复制的。书中的插图印刷达到了一个令人发指的精细度，墨色的浓淡干湿变化，甚至能让人感觉到纸张的纹理。总的来说，这本书的价值在于它提供了一种解读元代文人画的深度框架，让我们明白，在那样的历史背景下，一笔一划都承载着沉甸甸的家国情怀和个人气节。
评分我最近在研究清代中叶的扬州画派，手头刚好拿到一本专注于“两汪”（汪士慎、汪杲）及其周边群体的画册。这本书的特色在于，它非常注重地域性和圈层文化的影响。扬州作为当时的商业中心，其艺术生态无疑是多元而复杂的，这本册子就很好地捕捉到了这种“市井气”与“文人雅致”的奇妙共存。书中对汪士慎那种看似随性却功力深厚的写意花卉进行了细致入微的解构，特别是他对梅花和竹子的表现手法，那种以书入画的笔法，真是令人拍案叫绝。与以往那种侧重于京津画派的雄浑不同，这本书展现的是一种江南特有的温润与灵动。而且，编者还特意收集了不少当时扬州画家的诗词和书信往来，从中可以清晰地看到他们之间的相互唱和、观点碰撞。这种将艺术作品置于具体的社会交往网络中去考察的方法，使得人物形象一下子丰满立体起来，不再是书本上孤立的符号。我对其中关于扬州盐商赞助艺术活动的那一章印象深刻，它揭示了艺术繁荣背后复杂的经济支撑系统。
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