奥尔夫音乐/高等职业教育“十三五”规划教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张思瑶 编

图书标签:

• 奥尔夫音乐
• 音乐教育
• 高等职业教育
• 教材
• 十三五规划
• 音乐教学
• 幼儿音乐
• 启蒙教育
• 音乐欣赏
• 职业教育

出版社： 科学出版社

ISBN：9787030515629

版次：1

商品编码：12343123

包装：平装

丛书名： 高等职业教育“十三五”规划教材

开本：16开

出版时间：2017-02-01

用纸：胶版纸

页数：180

字数：241000

正文语种：中文

内容简介

　　《奥尔夫音乐/高等职业教育“十三五”规划教材》以理论阐述与课堂教学训练相结合为原则，全面、系统地介绍了奧尔夫音乐教育的原理及本土化的音乐教育实践，包括奧尔夫音乐节奏训练、奥尔夫音乐身体动作训练、奧尔夫音乐乐器演奏训练、奥尔夫音乐听力训练、奧尔夫音乐综合训练。
　　《奥尔夫音乐/高等职业教育“十三五”规划教材》旨在提高和完善学生的音乐素养和音乐教学能力。
　　《奥尔夫音乐/高等职业教育“十三五”规划教材》既可作为高职高专学前教育专业教材，也可作为幼儿园一线教师参考用书。

内页插图

目录

项目一 奧尔夫音乐节奏训练
任务一 语言的节奏训练
子任务一 字的节奏训练
子任务二 词的节奏训练
子任务三 句的节奏训练
任务二 歌唱的节奏训练
任务三 语气变化的节奏训练
任务四 声响变化的节奏训练

项目二 奧尔夫音乐身体动作训练
任务一 指挥的动作节奏训练
任务二 声势的动作节奏训练
任务三 形体动作节奏训练
子任务一 律动动作节奏训练
子任务二 舞蹈动作节奏训练
任务四 音乐游戏的动作节奏训练

项目三 奧尔夫音乐乐器演奏训练
任务一 打击乐器训练
子任务一 打击乐器伴奏训练
子任务二 打击乐器演奏训练
任务二 音条乐器训练
子任务一 音条乐器伴奏训练
子任务二 音条乐器演奏训练
任务三 其他乐器训练
子任务一 弦乐器演奏训练
子任务二 管乐器演奏训练

项目四 奧尔夫音乐听力训练
任务一 儿童歌曲的听力训练
任务二 世界名曲的听力训练

项目五 奧尔夫音乐综合训练
任务一 音乐戏剧表演训练
任务二 音乐欣赏训练
子任务一 儿歌欣赏训练
子任务二 名曲欣赏训练

参考文献

音乐的律动与心灵的探索：一部面向未来的音乐教育蓝图 本卷书旨在构建一个宏大而精细的音乐教育图景，聚焦于如何在新时代的背景下，提升音乐教育的系统性、前沿性和实践性。它深入探讨了音乐本体论、美学、教育学与技术革新的交汇点，为构建一个更加包容、高效、富有创造力的音乐学习环境提供了坚实的理论基础与可操作的实践路径。 第一部分：音乐本体的深度解析与当代语境重构 本书首先从音乐的本质属性出发，超越传统流派的界限，探讨音乐在人类文化演进中的核心地位及其在现代社会中的功能嬗变。我们细致剖析了音乐的结构、形式、音响的心理声学基础，并引入了跨学科的视角，例如认知神经科学对音乐感知的影响，以及信息论在音乐信息编码与解码中的应用。 一、 音乐本体论的再思考：从结构到意义的迁移 这一章节着重于解构音乐的内在逻辑。它不再仅仅停留在和声学、对位法的机械分析，而是深入研究了旋律动机的生成机制、节奏模式的文化起源与传播规律。特别是，本书对“非西方音乐体系”给予了前所未有的重视，通过详尽的案例研究，展示了全球音乐文化在理论层面的共通性与独特性。我们探讨了“意义”如何在听觉符号与情感体验之间架设桥梁，分析了后结构主义思潮对音乐诠释学带来的挑战与机遇。 二、 音乐美学与感知心理学：构建新的审美范式 传统的音乐美学往往受制于特定的历史时期和地域文化。本书则致力于提炼出具有普适性的审美原则，同时尊重个体内在体验的差异性。我们引入了当代心理物理学关于听觉阈值、注意力和情绪唤醒的研究成果，解释了音乐如何直接作用于人类的情感中枢。此外，对“噪音”和“非音乐声音”的重新界定，挑战了既有的音乐边界，引导读者思考在高度信息化的时代，我们如何筛选、辨识并珍视那些具有美学价值的声音景观。 第二部分：教育学的范式转换与技术赋能 教育是连接理论与实践的桥梁。本部分着眼于如何设计出适应未来需求的音乐教育体系，强调个性化学习路径的构建，以及如何有效整合新兴技术以优化教学流程。 三、 音乐教育学的核心理念更新：从知识传授到能力生成 本书批判性地审视了现有音乐教育模式的局限性，强调教育目标应从“掌握既有技能”转向“生成未来能力”。我们详细阐述了“以学习者为中心”的设计原则，如何将创造力、批判性思维和协作能力融入音乐学习的每一个环节。对于不同年龄段和不同认知水平的学习者，我们提出了差异化的教学策略，特别是如何通过项目式学习（PBL）和探究式学习来激发内在的学习动力。 四、 听觉训练与音乐实践的融合：跨感官的整合 传统的视唱练耳和乐理教学往往被视为枯燥的应试训练。本书提出了一种全新的“全息听觉训练”方法，将听觉辨识与演奏实践、即兴创作紧密结合。我们探讨了身体动作在音乐学习中的关键作用，例如，如何通过身体的律动和空间感来深化对复调结构和节奏复杂性的理解。实践环节强调的不是完美复刻，而是对音乐材料的深入理解和个性化表达。 五、 数字化时代的音乐工具与环境构建 技术不再是辅助工具，而是重塑音乐学习环境的媒介。本章全面评估了数字音频工作站（DAW）、人工智能辅助作曲、虚拟现实（VR）在沉浸式音乐体验中的应用潜力。我们详细分析了如何利用这些技术平台，实现对复杂音乐理论的具象化演示，并为远程协作和全球化的音乐项目合作提供技术支持。重点在于，如何确保技术的使用服务于音乐的审美目标，而非沦为炫技的手段。 第三部分：音乐在社会生态中的角色定位 音乐教育的最终指向是培养能够积极参与社会生活、具备文化责任感的个体。本书的最后一部分，探讨了音乐在社区构建、心理健康维护以及文化遗产传承中的多重角色。 六、 社区音乐学与社会参与 本章探讨了音乐如何超越音乐厅的围墙，深入到社区生活之中。我们介绍了社区音乐组织、音乐治疗的最新研究进展，以及如何通过集体音乐活动来促进社会融合和身份认同的构建。案例分析聚焦于弱势群体和特殊教育领域中，音乐所展现出的非凡疗愈力量和教育潜力。 七、 音乐史观的多元化与文化交流 我们倡导一种去中心化的音乐史叙事，不再仅仅围绕西方古典音乐的主线展开。通过对全球音乐传统的并置分析，本书旨在培养学习者对不同文化表达形式的尊重和理解能力。它探讨了全球化背景下音乐的混杂性与创新性，并提出了在文化交流中保持艺术主体性的原则。 八、 音乐教育的未来展望与职业伦理 最后，本书展望了未来十年音乐教育可能面临的挑战，包括人工智能对音乐家职业路径的冲击，以及如何为学习者装备适应未来不确定性的“软技能”。同时，我们强调了音乐教育工作者必须具备的批判性反思能力和高度的职业伦理责任，确保音乐的传播始终是促进人类精神富足的积极力量。 总而言之，本书是一部系统性、前瞻性的理论与实践结合的著作，它力求为音乐教育者、研究者以及所有对音乐未来发展抱有热忱的人士，提供一个全面、深刻且具有行动导向的知识框架。它引导读者跳出传统框架的束缚，以开放的心态迎接音乐世界带来的无限可能。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计和视觉呈现也让我眼前一亮，它摆脱了传统教材那种严肃刻板的风格。色彩的运用和图文的排版都显得非常活泼和具有启发性。这对于我们从事艺术教育工作的人来说，是潜移默化的影响。当我翻阅那些关于即兴演奏和创作的章节时，书中的插图和图示能够非常直观地描绘出乐器（如木琴、节奏棒）的组合方式和演奏姿态。这对于初学者来说，极大地降低了理解的门槛。特别是它对“元素乐器”的介绍部分，不仅展示了乐器的实物图片，还附带了乐器在奥尔夫教学中扮演的角色分析，这比单纯罗列乐器名称要有效得多。总的来说，这本教材在设计上体现了“寓教于乐”的理念，它本身就是一本关于如何制作生动课堂的范本，而不是一本冷冰冰的知识手册。

评分☆☆☆☆☆

初次翻阅这套教材时，我最大的感受是其“与时俱进”的时代气息和对职业技能培养的紧密结合。它显然超越了传统音乐理论教材的范畴，更加注重培养未来音乐教育工作者的综合职业能力。教材中关于“音乐游戏化教学”和“多媒体辅助教学”的章节，简直是为我们这批即将步入教学岗位的年轻人量身定制的“工具箱”。我注意到，教材在介绍某些教学单元时，会明确指出该单元如何服务于某一特定职业场景，例如如何在社区活动中组织一场简易的音乐表演，或者如何利用奥尔夫元素来辅助特殊教育的需求。这种强烈的应用导向，让我对未来自己的工作方向更加明确。它没有故作高深地探讨晦涩的学术理论，而是实实在在地告诉我们：如何设计一堂能让学生积极参与、学有所获的课程。这种务实的态度，在高职教育体系中是极其宝贵的，它确保了我们所学的知识体系能够快速有效地转化为实际的教学成果，避免了理论与实践脱节的尴尬局面。

评分☆☆☆☆☆

我个人认为，这套教材最大的价值在于它为高职院校的音乐师资队伍建设提供了一个统一而高标准的参考系。在过去，不同院校在奥尔夫教学的理解和实践上可能存在较大偏差，这直接影响了毕业生的就业竞争力。有了这样一套由教育主管部门规划和推荐的教材作为基础，无疑能极大地提升整个高职音乐教育领域的教学水平的基线。书中对于如何处理教学中的“意外情况”和“学生异议”的策略性建议，体现了编写者对真实课堂困境的深刻理解。例如，当学生对复杂的节奏感到抗拒时，教材建议的解决方案不是强行灌输，而是退回到更基础的身体律动和呼喊模仿，这种灵活应变的思路，对于经验尚浅的年轻教师来说，是极其宝贵的“实战经验”。它不仅仅是一本知识书，更像是一位经验丰富、耐心细致的导师，在旁边指导着我们如何成为一名真正合格且富有创造力的奥尔夫教育实践者。

评分☆☆☆☆☆

如果从一个资深一线教师的角度来审视这套教材的结构和深度，我会认为它在平衡学术严谨性和教学适用性方面做得相当出色。很多奥尔夫相关的中文著作，要么过于侧重卡尔·奥尔夫本人的哲学思辨，对于具体操作指导显得力不从心；要么就是将教学活动堆砌在一起，缺乏内在的逻辑串联。但这本“十三五”规划教材似乎找到了一个绝佳的平衡点。它不仅详细介绍了奥尔夫教育的核心原则，如“元素教学法”和“口说-聆听-模仿-创造”的循环，而且对每个核心元素（如节奏、音高、音色）的教学内容进行了模块化的划分和深入的解析。我尤其欣赏它在教材后半部分加入的“教学评价与反思”部分，这部分内容引导教师建立起一套动态的、以过程为导向的评估体系，而非简单地依赖期末考试分数。这无疑是提升高职教育质量的关键一步，让教学评估不再是终点，而是促进教学改进的起点。

评分☆☆☆☆☆

这本《奥尔夫音乐》教材给我的感觉，就像是打开了一扇通往全新音乐教育理念的大门。作为一名刚接触这套教材的师范生，我原本对于如何将奥尔夫教学法真正落地到高职院校的实际课堂中感到有些迷茫。毕竟，我们面对的学生群体，他们的音乐基础和接受程度与传统音乐院校的学生有所不同。然而，这本书的编排逻辑却非常清晰且具有针对性。它并没有停留在枯燥的理论阐述上，而是大量穿插了大量富有操作性的实践案例和活动设计。比如，关于节奏训练的部分，教材不仅仅给出了复杂的节拍符号，更重要的是，它引导我们思考如何通过身体律动、游戏和即兴创作来激发学生的内在节奏感。我特别欣赏其中关于“发现与探索”的学习路径设计，它鼓励教师从学生的兴趣点出发，循序渐进地引导他们接触到音乐的构成元素。这种以学生为中心的教学理念，在高职教育阶段显得尤为重要，因为它能有效降低学生的学习门槛，让他们在玩中学、在动中悟，真正感受到音乐的美妙和创造的乐趣，而不是被机械的知识点压垮。可以说，它为高职音乐教育提供了一个既有深度又有广度的实践蓝图。