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无 著

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出版社： 广西美术出版社

ISBN：9787549410613

商品编码：1393905155

出版时间：2014-06-01

作  者:无 著作 蒂莫西.萨马拉 编者 刘雪芹 等 译者 定  价:98 出 版 社:广西美术出版社 出版日期:2014年06月01日 页  数:224 装  帧:平装 ISBN:9787549410613 ●前言
●  绘画随想：设计文化、教育及实践
●发现
●  平面设计中的绘画范畴
●  成功绘画的普遍原理
●  信息与隐喻：用绘画叙事
●过程
●  追求：构思与成果
●  从铅笔到鼠标及其他：绘画与其他图像制作及产品的结合
●设计实例
●创意
●  初始阶段：工具与准备工作
●实战
●作品
●索引
●致谢
●为本书贡献作品的设计师名录列于封底夹页

内容简介

本书是设计专业学生及以绘画为创作工具的专业人员的推荐教材。从绘画的各个方面，如图片、图标、标志、地图、图表、抽象元素、字母设计，以及拼贴和文字，所有以上绘画元素都可丰富设计语言。本书引导设计者从理论的掌握到作品的完成，循序渐进。具有很强的指导意义。 无 著作 蒂莫西.萨马拉 编者 刘雪芹 等 译者 蒂莫西·萨马拉（Timothy Samara）是一名来自纽约的平面设计师。他在纽约从事教学、写作工作，同时也是STIM视觉传播公司的顾问。在他二十年的品牌和信息设计生涯中，他从事的工作包括印刷、包装、环境、用户界面设计和动画制作。 萨马拉先生目前是视觉艺术学院（School of Visual Arts）、纽约州立大学帕切斯学院（New York University, Purchase College）和帕森设计学院（Parsons）的教师。至今，他共出版了六本书，都是由洛波特出版社（Rockport&等

好的，这是一本关于建筑史学与理论的深度探讨之作的图书简介，旨在全面梳理西方建筑思想的演变脉络，并深入解析其背后的哲学、社会与技术驱动力。 --- 沉思的尺度：西方建筑思想的形塑与变迁 (1500-2000) 一部跨越五个世纪，解构建筑如何成为人类精神投射的宏伟著作。 本书并非专注于技术手册的复述，亦非单纯的风格罗列，而是对自文艺复兴伊始至后现代主义萌芽的西方建筑思想进行一次彻底的、批判性的梳理与重构。我们试图回答一个核心问题：在不同的历史语境下，建筑师和思想家是如何理解“建筑”的本质、功能及其与人类存在的关系的？ 全书分为四个主要部分，层层递进，展现了理论的螺旋式上升与断裂。 第一部分：理性的萌芽与古典的再发现 (约1450–1750) 本部分聚焦于文艺复兴的理论复兴及其在巴洛克时期的张力与扩张。我们将探讨阿尔伯蒂和帕拉第奥对古典语汇的重建，如何从维特鲁威的文本中提炼出关于比例、和谐与功能的永恒法则。 核心议题包括： 1. “人是万物的尺度”与建筑的人体论基础： 分析列奥纳多·达·芬奇与维特鲁威人体图谱在建筑美学中的转化，以及这种尺度观如何影响了早期文艺复兴的规划思想。 2. 和谐的数学语言： 深入剖析哥特式建筑被视为“不理性”后，文艺复兴建筑师如何借助几何学、黄金分割和数理逻辑来构建他们心目中的完美空间。这不仅是美学追求，更是对中世纪神学权威的一种理性反拨。 3. 巴洛克的戏剧性与情感诉求： 探讨巴洛克时期（如贝尼尼、博罗米尼的工作）如何打破了文艺复兴的静态平衡，引入了运动、光影的叙事性，以及如何利用建筑来服务于宗教与政治的宏大叙事。我们分析了“视觉欺骗”（Trompe-l'œil）在建筑中的应用，以及这种戏剧化如何挑战了纯粹理性的界限。 4. 启蒙的先声： 考察18世纪早期，如布雷（Blondel）和米歇尔-安热·斯拉克斯（Soufflot）的工作中，理性主义与新古典主义的回归，及其对革命时代政治美学的潜在影响。 第二部分：从废墟中重建秩序：启蒙与革命的建筑哲学 (约1750–1850) 本部分深入分析启蒙运动对建筑理论的颠覆性影响。理论的重心从“如何建造”转向“为何建造”以及“社会该如何被组织”。 核心议题包括： 1. 理想之城与乌托邦的图纸： 重点研究布雷（Étienne-Louis Boullée）和加尔尼耶（Claude Nicolas Ledoux）的“先驱性”和“革命性”的建筑构想。这些宏大但往往无法实施的图纸，揭示了建筑师对社会结构进行彻底重塑的渴望——例如布雷的纪念牛顿的巨大空心球体，它不再是居住空间，而是思想的容器。 2. “风格”的困境与历史主义的兴起： 随着考古学的进步，建筑师开始直面不同历史风格的有效性。我们将分析贡斯（Antoine Chrysostome Quatremère de Quincy）对“原型”（Prototype）的探讨，以及他如何试图在历史的碎片中寻找超越风格的普遍真理。 3. 建筑与道德伦理： 考察康德哲学对建筑影响的早期尝试，特别是对“崇高”（Sublime）概念的建筑化解读——如何通过规模、黑暗或无限感来激发观者的敬畏和道德反思。 第三部分：现代性的诞生：工业、科学与新的美学标准 (约1850–1945) 这是理论急剧分化和“现代主义”阵营形成的关键时期。工业革命提供的材料（钢、玻璃）与社会需求的剧变，迫使理论家们彻底抛弃历史的重负。 核心议题包括： 1. “形式追随功能”的诞生与争议： 详细梳理苏格兰的麦克尼尔·福斯特（William R. Lethaby）和美国的“芝加哥学派”对实用性的推崇，以及路易斯·沙利文对装饰的摒弃。我们探讨这种功利主义在不同文化背景下的适应性。 2. 维也纳分离派与装饰的道德审判： 深入阿道夫·洛斯（Adolf Loos）的《装饰与罪恶》一文，分析其如何将装饰提升至道德层面，并将现代建筑定义为一种“无装饰的”纯粹状态。我们将洛斯的观点置于19世纪末资本主义审美焦虑的背景下考察。 3. 欧洲的机器美学： 重点分析勒·柯布西耶的“住宅是居住的机器”的概念，以及格罗皮乌斯在包豪斯（Bauhaus）的尝试中如何融合工艺、艺术与工业生产。考察“国际风格”是如何通过理论的统一性实现其全球推广的。 4. 批判性现代主义的张力： 探讨非主流现代主义者（如阿斯普隆德的斯德哥尔摩森林公墓）对过度抽象化的反思，以及现代主义内部对于“人性化空间”的持续争论。 第四部分：后现代的转向与理论的多元化 (约1945–2000) 二战后，现代主义的教条遭遇了深刻的反思。本部分关注复杂性、矛盾性和对语境的重新重视。 核心议题包括： 1. 反思现代主义的批判： 深入分析简·雅各布斯（Jane Jacobs）对大型规划的批评，以及她如何将日常生活的活力置于宏大理论之上。同时，考察罗伯特·文丘里（Robert Venturi）及其对“拉斯维加斯”的赞美，如何宣告了对纯粹主义的终结。 2. 符号学与建筑的意义： 探讨以约翰·波斯曼（Juhani Pallasmaa）为代表的现象学思想，如何将身体感知、触觉和时间性重新引入建筑体验，对抗了战后过度依赖视觉的倾向。 3. 解构主义的挑战： 分析德里达哲学在建筑中的实践，考察彼得·艾森曼和扎哈·哈迪德如何通过肢解、错位和不确定性来质疑既有的结构和意义的稳定性。 4. 地方性与全球化： 探讨后殖民理论对建筑话语的影响，以及当代建筑师如何在坚持全球化技术进步的同时，重新激活地方的材料、气候适应性和文化记忆。 结语： 本书最终将在对21世纪初“批判性地域主义”的简要展望中结束，总结五百年间，建筑理论是如何从对神圣秩序的模仿，走向对技术效率的崇拜，最终回归到对人类经验复杂性的不懈探寻。 本书适合所有对建筑史、城市规划、艺术哲学及文化理论感兴趣的读者深入研读。它将挑战您对“好建筑”的传统认知，引导您以更深刻的理论视角去审视我们所处的建筑环境。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是视觉的盛宴，封面那大胆的几何图形和柔和的渐变色彩搭配，让人一眼就能感受到它蕴含的专业与艺术气息。拿到手里，那种沉甸甸的质感，仿佛预示着里面内容的丰富和深度。内页的纸张选用也十分考究，即便是印刷复杂的图例和细节，也显得清晰锐利，没有丝毫的廉价感。我尤其欣赏它在排版上所下的功夫，图文并茂的布局逻辑清晰，每一页的设计都像是经过精心策划的视觉引导，让人在阅读专业知识时，也能享受到极佳的阅读体验。那种对细节的极致追求，从封面到扉页，贯穿始终，无疑为这本书的整体价值增添了极高的附加分。它不仅仅是一本教材或参考书，更像是一件值得收藏的艺术品，摆在书架上本身就是一种品味的象征。

评分☆☆☆☆☆

我必须提及这本书在引导读者进行批判性思考方面所起到的作用。它不推崇单一的、僵化的“最佳实践”，而是鼓励读者去质疑既有的规范，去探索设计语言的无限可能性。书中提供的众多案例分析，并非是简单地展示“成功之作”，而是深入剖析了设计师在特定限制条件下如何做出权衡与取舍的过程。这种对设计决策过程的透明化处理，极大地拓宽了我对“设计”这个词的理解范畴。它教会我的不仅是技法，更是一种面对未知的、复杂的设计挑战时，应有的系统性分析和灵活应变的心态。读完之后，感觉自己的“设计雷达”灵敏度大大提高了，看待任何视觉作品都会下意识地去解构其背后的深层逻辑。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的亮点之一，在于它对“实践性”的强调，完全避免了许多理论书籍空泛说教的弊端。它不是简单地告诉你“应该怎么做”，而是更深入地探讨了“为什么会产生这样的效果”。我特别喜欢其中关于材质肌理和光影处理的章节，作者似乎拥有将抽象概念具象化的魔力，通过详尽的步骤拆解和工具选择的探讨，即便是复杂的数字绘画技巧，也被分解成了可操作的小模块。我尝试着跟随着书中的指导进行了一些练习，效果立竿见影，那些原本感觉遥不可及的视觉效果，现在似乎触手可及。这本“工具箱”般的指导手册，实实在在地提升了我的实战能力，而不是停留在纸上谈兵的阶段。

评分☆☆☆☆☆

从文风上来说，这本书的作者展现了一种非常独特且令人愉悦的叙事风格。它既有学术书籍的严谨与权威，又不失一位资深艺术家的个人魅力与洞察力。语言精确而富有张力，没有冗余的修饰词，每一个句子都像是经过精确计算的排版元素，恰到好处地传递信息。在探讨一些较为抽象的“感觉”和“氛围”的营造时，作者的描述更是充满了诗意和画面感，让人在学习技术的同时，也被激发了强烈的创作欲望。这种将逻辑的清晰与情感的丰富完美融合的笔触，使得整个阅读过程成为一种享受，而不是一项艰巨的任务。它成功地架起了一座连接严谨技术和自由创意的桥梁。

评分☆☆☆☆☆

阅读过程中，我发现作者在理论阐述上采取了一种极其严谨且富有层次感的结构。对于初学者来说，它并没有一上来就抛出晦涩难懂的术语，而是像一位耐心的导师，从最基础的视觉元素开始，逐步引导我们进入更深层次的创作思维。特别是它对历史案例的引用和分析，简直是教科书级别的深度剖析，让我对那些经典作品的背后逻辑有了全新的认识。举例来说，书中对某种特定构图原则的讲解，会立刻附带数个不同时代、不同媒介的应用实例进行对比分析，这种交叉印证的方法，极大地增强了知识的吸收率和理解的透彻度。每次读完一个章节，都有一种茅塞顿开的感觉，那些过去困扰我的设计难题，似乎都有了明确的理论依据可以去遵循和突破。

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