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店铺： 中信书店

出版社： 湖南美术出版社

ISBN：9787535672100

商品编码：10500091482

 

书名：写给大家的西方美术史

定价：68.00元

作者：蒋勋

出版社：湖南美术出版社

出版日期：2015年7月

页码：319

装帧：平装

开本：16
ISBN:9787535672100

《写给大家的西方美术史》是台湾美学大师、百万册畅销书作者蒋勋先生的又一部经典之作，堪称“《美的沉思》姊妹篇”，荣获台湾出版奖项——金鼎奖。
蒋勋先生用柔美、民的文字，带我们回到历史现场，借助“西方美术史”这一扇通向世界的窗口，使我们眺望和浏览世界不同文化的“美”的观念、材料、技法，省思人类共同的“美”的向往与创造。
神秘的埃及、伟大的希腊、光荣的罗马……直到光辉的印象派，及光怪陆离的现当代艺术。或作正面解读，或挖背后的故事，数千年“美”的往事，娓娓道来。全书200幅西方经典美术图片，日本超感纸张高清印刷，双封裸书脊装帧，为你带来一场精彩绝伦的视觉盛宴。

1
史前时期
——从一块石头，人类开始了伟大的美术创作
石器时代
痕迹
母的身体
zui早的绘画
大地上的遗迹
埃及
——人类美术中zui早形成“风格”的文明之一
风格
希腊
——为人类找到了“美”的起点，希腊艺术提供的人体的自由、健康，更是值得认真思考的美学启示
米诺斯
迈锡尼
美丽的人体
人体美的起点
黄金时代
罗马艺术
——务实的个性和宇宙不可知的神秘本质相遇，罗马帝国将以数世纪建立起来的地上的繁华去印证一次心灵上对天国的渴望
关于伊特鲁里亚
罗马雕塑的写实精神
罗马的城市规划与公共性建筑艺术
早期基督教艺术
——庄严、华丽，在人世间虚拟了天堂的神圣与崇高
拜占庭艺术
中世纪艺术
哥特式艺术
早期文艺复兴的艺术
——以人的觉醒为重心，以科学的视觉分析代替旧有的神学形式
人的觉醒
乔托与圣方济各
城市商人与市民文化的兴起——洛伦采蒂、乌切罗
宗教主题的新诠释——安吉利科、马萨乔
新建筑的崛起——布鲁内莱斯基
雕刻的革命——多那太罗
2
文艺复兴的全盛时代
——肉身自觉，肯定世俗繁华与感官享乐，融入基督教性灵生活，追求精神升华
诞生与春天——弗兰西斯加与波提切利
达?芬奇
米开朗琪罗
拉斐尔
威尼斯画派
——威尼斯的文艺复兴比意大利更多了一点幻想、一点感性的神秘与浪漫、一点现世欲望逸乐的流荡、一点色彩的炫耀
乔尔乔涅和提香
丁托列托和韦罗内塞的俗世美学
北方文艺复兴
——在zui卑微丑陋的难堪境遇中，看到了生命更深沉的悲剧之美
凡?爱克与油画
超现实的鼻祖——博斯
平民传统——勃鲁盖尔
北方画派的总结者——丢勒
矫饰主义
——不满足于文艺复兴太过均衡、和谐的古典风格，追求更多肢体动作上的变化，夸大情绪的反应，使人物的身体产生更多律动感，也产生更多表情
神秘的格列柯
美学的叛逆——卡拉瓦乔
巴洛克运动
——“巴洛克”喜好繁复的装饰、金色的华丽、扭曲多变的缠绕线条，追求强烈的律动感，善于营造堆砌之美。它既是一种国际风格的趋向，同时又是欧洲各地区民族美学自觉的开始
意大利的巴洛克风与贝尔尼尼
王权兴起与鲁本斯的绘画
西班牙的巴洛克
荷兰的巴洛克——伦勃朗与弗美尔
法国的巴洛克
洛可可艺术
——法国大革命前的宫廷艺术主流，崇尚富贵、华丽、繁复的装饰风
3
新古典主义
——隔着历史遥远的距离，重新把古典元素拿到当代来使用，赋予这些元素新的时代意义
大卫与新古典主义
西班牙革命与戈雅
安格尔与新古典主义
卡诺瓦与新古典雕塑
浪漫主义的狂潮
——浪漫主义鄙弃新古典形式上的稳定，鄙弃教条式的理性；浪漫主义相信真诚的内在激情可以激发人类创造力的潜能，也可以激发人类贵的情操
法国浪漫派的先行者——籍里柯
浪漫主义的旗手——德拉克洛瓦
透纳与海洋之光
写实主义的兴起
——写实主义使艺术从主观回到客观，以更多客观存在的细节代替主观的情绪宣泄
柯罗的人物画与风景画
巴比松与米勒
杜米埃与阶级批判意识的兴起
自然主义的库尔贝
告别古典
——他们摆脱长久以来主宰西方美学的古典符号，他们以自己的语言书写自己的时代
印象派和后期印象派
——绘画在照相机发明后，需要寻求新的表现方式和用武之地，印象主义为西方现代绘画别开生面。后来，野兽派、立体派、超现实主义，都从印象派那里汲取过营养
爱德华·马奈
莫奈的光与色
现代艺术之父——塞尚
燃烧的向日葵——太阳之子凡?高
远方除了遥远—无所有？——高更和塔希提
二十世纪
——现代艺术仍在持续探索，艺术被现代哲学推动，去探究更宽广的人文世界。人类内心是未来的新天地，这是20世纪以来，艺术探索的伟大进程
二十世纪——生活与艺术
野兽派和马蒂斯
立体派和毕加索
抽象主义的向左走，向右走——康定斯基和蒙德里安
道亦在便溺——杜尚
建筑中的国际风格
超现实主义和达利
布朗库西和亨利?摩尔
抽象表现主义和波洛克、罗斯科
波普艺术与安迪?沃霍尔
行为艺术与博伊于斯
图片索引
编后记

文艺复兴的全盛时代
——肉身自觉，肯定世俗繁华与感官享乐，融入基督教性灵生活，追求精神升华
意大利文中的“1400”，意指时代进入1400年之后，这一百年间人文、科学和艺术全面的兴盛现象。
这一百年，产生了伟大的政治家、哲学家，产生了伟大的文学作品和艺术作品；这一百年间，激发出了拥有惊人创作力的人物，像达？芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔，他们树立了四百多年来不朽的人文典范，为西方艺术创作奠定了永恒的基础。
这一百年，在历史上被称为“文艺复兴”，意指“再诞生”，仿佛经过漫长的中世纪，沉睡的人文精神重新觉醒了；好像经过漫长、寒冷、幽暗的冬天，春天再度来临；好像度过沉滞悠长的停顿死亡，生命再次诞生，喜悦光明重临人间。
诞生与春天——弗兰西斯加与波提切利
基督教有关耶稣诞生的主题常被画家创作成绘画。尤其是在文艺复兴时代，“耶稣诞生”变成许多画家特别钟爱的画面，好像借着一个婴儿的诞生，象征了一个新时代的来临，看到了一个新生命降临的喜悦。
弗兰西斯加画的《诞生图》现存伦敦国家画廊，是文艺复兴时代歌颂生命的典范之作。
一名初生的婴儿躺在地上，旁边一名年轻妇人跪在地上，双手合掌，好像在赞美，在祝福，又像在感谢神恩。婴儿后侧，有五名年轻人，弹奏着乐器，唱着歌，好像也在赞美婴儿诞生。背景是破陋的农舍，畜养牛羊的瓦棚。画面中洋溢着淡淡的紫色，好像是黎明破晓，微曦的光照亮更远的山林风景。
弗兰西斯加画的是耶稣诞生吗？或者，他只是在歌咏任何一个新生命初生时的欢悦？
宗教的题材被扩大了，弗兰西斯加的画使人感觉到每一个婴儿都是耶稣，每一个产妇都是圣母，祝福与歌颂的心情便使人看起来都像天使。文艺复兴使平凡的人世生活都有了神圣庄严的意义。
长久以来，“诞生”一直意指耶稣基督的降生。但是，诞生有没有其他的意义呢？每一个人对自己生命的诞生应该有特别的感谢与被祝福的心情罢。
当时希腊神话重新被翻译，重新被阅读，希腊神话中对肉身的歌颂，对完美肉体的爱，感动了许多艺术家。虽然教会还有许多严厉的限制，视希腊诸神为异端，但是美丽的神话故事已呼唤着人们的爱美之心。那主司爱与美的女神维纳斯的诞生，从大海的浪花中涌现，使画家忍不住要画出那传说中的美丽场景。
维纳斯全身赤裸，站立在海贝壳上，她从蔚蓝的海洋中诞生，她的诞生受天地诸神的祝福，花瓣纷纷从空中飘落，维纳斯一手遮住胸口，一手拉着金色长发遮蔽下身，她对自己的身体，好像又羞怯又喜悦，微微侧着头，好像在沉思自己诞生的意义。

……

以时间为纬线，以各个艺术流派的艺术家及其代表性的作品为经线，回到历史现场，从史前时期的一把燧石手斧开始，围绕地中海这一世界西方美术的血脉初源，带你一路走过神秘的埃及、伟大的希腊、光荣的罗马……直到光辉的印象派，及光怪陆离的现当代艺术。或做正面解读，或挖背后的故事，数千年“美”的往事，娓娓道来。
蒋勋先生用柔美、民的文字，借助“西方美术史”这一扇通向世界的窗口，使得我们眺望和浏览世界不同文化的“美”的观念、材料、技法，省思人类共同的“美”的向往与创造。

蒋勋，台湾知名画家、诗人与作家。福建长乐人。生于古都西安，成长于台湾。台北中国文化大学史学系、艺术研究所毕业。现任《联合文学》社社长。1972年负笈于法国巴黎大学艺术研究所，1976年返台后，曾任《雄狮美术》月刊主编，并先后担任文化大学、辅仁大学及东海大学美术系系主任。
蒋勋先生文笔清丽流畅，说理明白无碍，兼具感性与理性之美，有小说、散文、艺术史、美学论述作品数十种，并多次举办画展，深获各界好评。近年专注两岸美学教育推广，他认为：“美之于自己，就像是一种信仰一样，而我用布道的心情传播对美的感动。”
代表作：《美的沉思》《吴哥之美》《蒋勋说<红楼梦>》《孤独六讲》《生活十讲》《汉字书法之美》《美的曙光》《蒋勋说唐诗》《蒋勋说宋词》《蒋勋说中国文学之美》《美，看不见的竞争力》等。

艺术的盛宴：一部跨越时空的西方艺术史之旅 【本书特色】 本书旨在带领读者进行一次深入浅出的西方艺术史探索之旅，从史前时期的洞穴壁画到当代艺术的多元探索，全面梳理了西方艺术的发展脉络、主要流派及其背后的文化思潮。我们精选了不同历史时期最具代表性的艺术家及其杰作，通过详实的图文解读，帮助读者理解艺术作品的创作背景、风格特征以及其在艺术史中的地位。 第一部分：曙光初现——史前与古代文明的艺术遗产 我们的旅程始于人类文明的摇篮。史前艺术部分，我们将追溯人类最早的表达方式——那些刻在拉斯科和阿尔塔米拉洞穴岩壁上的动物形象，探讨这些神秘的符号如何揭示早期人类的生存智慧与精神世界。 随后，我们步入古代近东文明的辉煌殿堂。从美索不达米亚的苏美尔、巴比伦到亚述，那些宏伟的空中花园、威严的城门雕塑，以及楔形文字的诞生，展现了早期帝国对秩序与永恒的追求。 古埃及艺术部分，重点解析金字塔、神庙建筑的永恒比例，以及木乃伊面具所蕴含的生命观和来世信仰。我们细致解读图坦卡蒙墓中发现的珍宝，以及壁画中僵硬而庄严的人物造型所代表的符号意义。 古希腊艺术是西方美学的基础。本书将详细阐述古希腊从早期的“古风时期”（Archaic）到古典时期的“黄金时代”的演变。我们不仅关注帕特农神庙的建筑成就和雕塑的理想化人体表现，还将深入探讨从“泰坦之战”到“沉思的哲学家”形象的转变中，希腊人对“美、善、真”的理性追求。对米隆的《掷铁饼者》和菲狄亚斯的雅典娜神像的分析，将揭示古典主义的精髓。 古罗马艺术继承并发展了希腊的遗产，但更注重实用性与帝国荣耀的表达。我们将重点研究罗马在工程学上的创新（如万神庙的穹顶），以及雕塑中写实主义的回归，例如对皇帝和公民肖像的精细刻画，以及纪念碑性建筑（如古罗马广场）如何成为权力宣示的工具。 第二部分：信仰与理性交织——中世纪的艺术精神 随着罗马帝国的衰落，艺术的主题转向了对基督教信仰的诠释。早期基督教和拜占庭艺术强调象征性、平面化和对天堂景象的描绘。君士坦丁堡的圣索菲亚大教堂的马赛克镶嵌画，将是这一时期光影与色彩艺术的最高体现。 中世纪盛期，欧洲的艺术中心转移到了修道院和新兴的城市。罗马式艺术以其厚重的墙体、半圆拱和丰富的壁画、雕塑装饰，体现出一种朴素而坚定的宗教力量。 随后，哥特艺术的曙光出现。我们详细分析巴黎圣母院等大教堂的崛起，如何通过尖拱、飞扶壁实现了建筑的“轻量化”，将光线引入室内，营造出直达天国的视觉体验。哥特艺术中精致的彩绘玻璃和雕塑群像，是那个时代神学思想的物质化表达。 第三部分：人性的觉醒——文艺复兴的辉煌 早期文艺复兴（15世纪，以佛罗伦萨为中心）标志着艺术对古典人文主义的回归。我们将聚焦于马萨乔的透视法革命，多那太罗雕塑中重现的古典裸体，以及波提切利笔下神话与世俗情欲的交融。 盛期文艺复兴（16世纪初）是西方艺术史上最耀眼的时刻。本书将深入剖析“三巨头”——达·芬奇（探索科学与艺术的结合，如《蒙娜丽莎》的“晕染法”）、米开朗基罗（对人体力量与情感的极致表达，如西斯廷教堂天顶画）和拉斐尔（和谐、宁静与完美的化身，如《雅典学院》）——的创作理念与技法。 威尼斯画派的色彩革新，以及欧洲其他地区（如尼德兰的早期尼德兰艺术）的油画技法发展，也将被纳入考察范围，特别是扬·凡·艾克的“油画之父”的地位。 第四部分：戏剧性与光影的魔力——巴洛克与洛可可 巴洛克艺术（17世纪）是对文艺复兴理想的颠覆，它强调运动、情感的爆发和强烈的戏剧效果，服务于天主教会的反宗教改革和新兴君主制的需要。卡拉瓦乔对光线（明暗对比法）的革命性运用，贝尼尼雕塑中捕捉到的瞬间动态，以及鲁本斯作品中丰沛的生命力，构成了巴洛克艺术的核心。 荷兰黄金时代的艺术是巴洛克的一个特殊分支，它关注市民阶层的生活，伦勃朗对心理深度的挖掘和维米尔对日常光线的精准捕捉，展现了新兴资产阶级的美学趣味。 洛可可艺术（18世纪）则是对巴洛克宏大叙事的温和反动，它以轻盈、优雅、享乐主义为主题，色彩明快，多以贵族私密生活和浪漫场景为描绘对象。 第五部分：革命的浪潮——新古典主义到浪漫主义 18世纪末，启蒙运动和法国大革命催生了新古典主义。雅克-路易·大卫的作品，以其清晰的轮廓、庄重的题材和道德教诲，试图复兴古希腊罗马的共和精神。 紧随其后，浪漫主义爆发，它强调情感、想象力、对自然的崇拜以及对异域风情的迷恋。德拉克洛瓦的激情与色彩，特纳对光线和氛围的捕捉，以及戈雅对人性黑暗面的揭示，共同构筑了一个充满反叛精神的艺术世界。 第六部分：眼见为实——现实主义、印象派与后印象派 19世纪中叶，随着工业革命的深入，艺术家们将目光转向了当代生活和平凡的世界。现实主义（如库尔贝）拒绝了历史和神话，直接描绘劳动者和日常场景。 印象派是艺术史上的一个里程碑。莫奈、雷诺阿等画家走出了画室，用松动的笔触和对光影瞬息万变的研究，捕捉“瞬间的印象”。我们详细分析了光学理论对他们色彩运用的影响。 后印象派则是在印象派的基础上，追求更个人化、更具结构感或情感深度的表达。塞尚对几何形体的简化、梵高对色彩的象征性运用以及高更对原始主义的探索，为20世纪的艺术变革埋下了伏笔。 第七部分：现代艺术的诞生与多元探索 20世纪初，艺术进入了现代主义的爆炸期。野兽派（马蒂斯）的纯粹色彩、立体派（毕加索、布拉克）对传统视角的彻底解构，以及表现主义对内心焦虑的呐喊，共同宣告了传统学院派的终结。 抽象艺术的诞生，从康定斯基的抒情抽象到蒙德里安的几何抽象，标志着艺术彻底脱离了对再现的依赖。 超现实主义（达利、马格里特）则深入潜意识领域，探索梦境与非理性逻辑。 战后的艺术充满了对社会和媒介的反思。抽象表现主义（波洛克）强调创作过程本身，波普艺术（安迪·沃霍尔）则将商业符号和大众文化引入高雅艺术的殿堂。 本书的结尾，将简要回顾20世纪后期至今的当代艺术思潮，探讨观念艺术、极简主义以及全球化背景下艺术的无限可能，邀请读者带着更开阔的视野，继续探索艺术的未来。 通过本书，读者将不仅认识了一系列伟大的艺术家和他们的作品，更重要的是，理解了艺术如何作为一面镜子，映照出不同时代人类的信仰、理性、情感与变革。这是一部深入浅出的艺术通识读本，适合所有对西方文明及其视觉表达感兴趣的读者。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对艺术史仅有浅薄了解的业余爱好者，我发现这本书的深度掌握得恰到好处，既满足了初学者的求知欲，又不会让专业人士感到内容空洞。它避免了学院派著作中常见的过度专业化术语堆砌，但同时也没有为了追求通俗而牺牲掉历史的严谨性。作者在关键的历史节点和艺术事件的阐述上，展现出令人信服的洞察力，比如对波提切利作品中“新柏拉图主义”影响的精妙解读，或者对梵高后期作品中主观情感表达的深入剖析。读到这些部分时，我能感受到作者深厚的学术功底，但他很懂得如何用清晰、富有感染力的笔触将这些复杂的概念转化为易于消化的知识点。这种“可读性”与“学术性”的完美平衡，是许多同类书籍难以企及的高度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排极其清晰流畅，它成功地搭建起了一条从古希腊罗马的理想主义到印象派对光影的捕捉，再到后现代对传统的解构与颠覆的完整脉络。最让我印象深刻的是，作者并没有将这些艺术运动割裂开来，而是巧妙地指出了它们之间的“对话”和“反叛”关系。比如，它解释了巴洛克艺术对古典主义的夸张回应，以及现代主义如何从对古典学院派的彻底决裂中诞生。这种线性的、具有逻辑推演的叙述方式，极大地帮助我梳理了混乱的知识点，让原本看似杂乱无章的艺术史变得井然有序，形成了一个可供理解的知识框架。我感觉自己像是在攀登一座结构精巧的知识阶梯，每爬一级，视野就开阔一分，对西方文明的审美变迁有了更宏观的把握。它不仅仅是艺术史，更是一部视觉化的西方社会思想变迁史。

评分☆☆☆☆☆

这本书带来的最大价值，或许在于它激发了我对“观看”这件事本身的重新思考。在快餐文化盛行的今天，我们习惯于匆匆扫过信息，但艺术品要求我们慢下来，去凝视，去理解。作者通过对不同时期艺术家“观看世界”方式的描述，潜移默化地教会了我如何成为一个更专注、更有耐心的观察者。比如，文艺复兴时期艺术家对透视法的执着，体现了他们对客观世界的理性构建；而印象派对瞬间光影的捕捉，则是一种对主观感受的忠诚。这种对“观看哲学”的探讨，远远超越了单纯的艺术史知识传授。它提供了一种看待世界和审视自我的新视角，让我意识到，每一幅传世之作，都是人类认知边界的一次有力拓展。读完全书，我感觉自己的审美阈值被无形中提升了，对美的感知也变得更加敏锐和立体。

评分☆☆☆☆☆

拿起这本书的时候，我最担心的就是它会变成一本枯燥的“教科书”，充斥着密密麻麻的年代和人名，读起来让人昏昏欲睡。庆幸的是，这本书在版式设计上花了不少心思，图文排布相当讲究。那些高清的艺术品插图，色彩还原度极高，让读者可以真切地感受到原作的质感和色彩的微妙变化，这比单纯看网上的低分辨率图片要直观太多了。更妙的是，作者在讲解风格转变时，总能找到极佳的视觉参照物，比如并列展示哥特式建筑的尖拱和文艺复兴时期建筑的和谐比例，这种“对比教学法”极大地强化了读者的印象。我发现自己不再是被动地接收信息，而是主动地在画面中寻找差异和联系，这完全激活了我对视觉艺术的好奇心。它不是简单地罗列“这是什么”，而是深入探讨“为什么会这样”，这种探究式的阅读体验，让我感觉自己像是在进行一场穿越时空的艺术田野调查。

评分☆☆☆☆☆

这本关于西方美术史的入门读物，简直是为我这种艺术门外汉量身定做的“救星”！我一直对那些陈列在博物馆里的古典雕塑和油画心存敬畏，总觉得它们背后藏着太多我无法企及的知识壁垒。然而，这本书的叙事方式却异常亲切和接地气，仿佛一位学识渊博的老朋友，正坐在你对面，用最生动的语言为你娓娓道来。它没有堆砌那些晦涩难懂的术语，而是将复杂的艺术流派演变，比如从中世纪到文艺复兴的过渡，处理得像讲故事一样引人入胜。我尤其欣赏作者在介绍每一位大师的作品时，不仅仅停留在技法分析上，而是深入挖掘了作品诞生的时代背景和社会思潮，这让那些冰冷的画作瞬间“活”了起来，充满了人性的温度和历史的厚重感。读完后，我再去参观展览，眼神完全不一样了，能捕捉到更多的细节和潜藏的情绪，那种“豁然开朗”的感觉，是任何线上教程都无法比拟的实体书的魅力所在。