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[美] 伊万娜·查伯克（IvanaChubbuck） 著

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出版社： 文化发展出版社

ISBN：9787514218190

商品编码：15370436408

出版时间：2017-10-01

作  者:(美)伊万娜·查伯克(Ivana Chubbuck) 著；邢剑君 译 定  价:68 出 版 社:文化发展出版社 出版日期:2017年10月01日 页  数:334 装  帧:平装 ISBN:9787514218190 ●前言
●部分 查伯克十二步骤表演法
● 工具1：总目标
●第二章 工具2：分场目标
●第三章 工具3：阻碍
●第四章 工具4：替代
●第五章 工具5：内心视像
●第六章 工具6：节奏单元和行动
●第七章 工具7：背景事件
●第八章 工具8：场所和第四堵墙
●第九章 工具9：行为动作
●第十章 工具10：内心独白
●第十一章 工具11：既往情境
●第十二章 工具12：顺其自然
●第二部分 其他表演工具和练习
●第十三章 药物滥用
●第十四章 激发性吸引力
●第十五章 演连环杀手
●第十六章 创造有机的恐惧感
●第十七章 创造死亡和即将死亡的有机感受
●部分目录

内容简介

《演员的力量：查伯克十二步骤表演法》是伊万娜·查伯克多年表演教学生涯的经验结晶。“查伯克表演法”，在理论上是对斯坦尼斯拉夫斯基、迈斯纳、乌塔·哈根等体验派前辈表演大师的传承、补充和发展，在实践上指导性很好鲜明：作者如庖丁解牛般提炼出十二种核心的表演工具，步步为营，指导演员完成对角色的理解与塑造。她强调演员要有效地运用内心的情感（尤其是痛苦的部分）去达到角色的目标，从而呈现出强有力的、真实有机的表演。
书中提供了深度的剧本和角色分析，以及她所教过的学生的大量幕后案例，且行文如她日常授课一样平易、幽默，是一本专业、易读、实用性强的表演指导书，对于导演或编剧也有宝贵的启发。
(美)伊万娜·查伯克(Ivana Chubbuck) 著；邢剑君 译 伊万娜·查伯克，在全世界享有盛誉的表演教练，于洛杉矶创办了“伊万娜·查伯克表演工作室”。近四十年来，她指导了数以千计的学生，其中很多人是奥斯卡奖、金球奖、托尼奖、艾美奖等影视、戏剧界各大奖项的常客，如布拉德·皮特、哈莉·贝瑞、查理兹·塞隆、金·凯瑞、杰克·吉伦哈尔、碧昂丝·诺尔斯等等。近年来，她在优选各地开办表演工作坊，传授“查伯克表演法”，并且在五大洲、超过二十个国家已经有许多通过其工作室官方认证的表演指导机构或者表演教练。 前  言表演是一门复杂的艺术，很难轻易对它进行定义。然而几乎每个人都可以辨别出好的表演和不好的表演，或者好的表演和精彩绝伦的表演。同样的剧本、同样的人物、同样的台词，为什么这位演员的表演可以令人着迷，而另一位的表演却乏味无趣？如果仅仅就剧本而言，要欣赏它语言的精美和台词的巧妙，那我们只阅读就足够了。但剧本的这些内容不只是为了毫无生气的阅读，它们需要演员通过表演活生生地展现出来。每一位演员都知道：在表演过程中有一个必然经历的部分，那就是发现和理解你个人的痛苦感受。自从斯坦尼斯拉夫斯基的表演体系开始，这就是表演中的真理。查伯克表演法（the Chubbuck Technique) 和其他表演技法的不同之处在于：我是教演员如何去运用他们的情感，并非把情感作为表演的结果，而是作为一种有效达到目标的方法。我的技法是教演员如何成功达到目标。如果你仔细地等

电影制作的幕后史诗：剧本、镜头与导演的交响 书名：银幕背后的秘密：《光影魔术师的十年手记》 图书简介 这是一部深入电影工业肌理的非虚构作品，它摒弃了对明星光环的追逐，转而将焦点投向构成一部电影的真正骨架——剧本的诞生、镜头的运用，以及导演如何将冰冷的文字转化为震撼人心的影像语言。本书汇集了十年来资深电影制作人、资深摄影指导、以及好莱坞一线剪辑师的深度访谈与未公开工作笔记，旨在为所有对电影艺术怀有敬畏之心的人，揭示一部伟大作品从概念萌芽到最终上映的复杂而迷人的流程。 第一部分：剧本的炼金术——故事的结构与情感的引爆点 本书首先剖析了“剧本”这一基础要素，它远不止是一系列对话和场景的堆砌。我们探讨了结构主义叙事理论在现代商业电影中的应用与反叛。书中详尽分析了“三幕式结构”的演变，从经典的好莱坞范式到非线性叙事对观众心理的精准拿捏。 角色弧光的微观解剖： 我们采访了多位奥斯卡编剧，他们分享了如何通过“需要（Need）”与“渴望（Want）”之间的张力来塑造丰满的角色。书中收录了数个著名角色的早期草稿，对比分析了哪些核心冲突被保留，哪些分支情节被无情删除，以及这些修改如何彻底改变了电影的情感基调。 潜台词的艺术： 剧本的魅力往往在于“未说出口”的部分。本书用大量的篇幅讨论了如何通过场景描述中的细微动作、环境的设置来传达角色的内心世界。我们特别呈现了对几部经典黑色电影剧本的分析，揭示了环境如何成为角色的延伸和命运的预兆。 节奏的韵律感： 一部成功的剧本，其节奏如同音乐的休止符。本书探讨了编剧如何通过场景长度的控制、信息释放的时机来管理观众的期待值，并附带了三位剧本医生关于如何“拯救”故事卡壳阶段的实战案例。 第二部分：镜头下的权力——摄影指导的视觉哲学 如果说剧本是蓝图，那么摄影指导（DP）就是将蓝图转化为现实的建筑大师。本部分深入探讨了摄影技术如何服务于叙事目的，而非单纯追求视觉奇观。 光影的心理学： 从伦勃朗光到高对比度的默片风格，本书详细解读了不同布光方式对观众情绪的影响。我们独家获取了两位顶尖摄影指导关于如何使用自然光模拟“上帝之眼”视角的笔记。其中一章专门分析了特定色彩饱和度如何被用来建立时间感和地域感。 运动与视点： 摇摄（Pan）、推轨（Dolly）、手持（Handheld）——每一个镜头运动都携带了明确的意图。书中通过逐帧分析，对比了固定镜头传达的疏离感与手持镜头带来的沉浸式焦虑感。更重要的是，探讨了“主观视角”的运用，以及何时应该打破第四面墙，让观众成为故事的一部分。 胶片与数字的争论： 本书不回避技术选择的哲学层面。资深摄影师们阐述了他们对现代数字传感器与传统胶片颗粒的偏爱，以及这些选择如何影响了最终画面的“触感”和历史厚度。 第三部分：剪辑的再创造——时间的重塑与叙事的终极控制 剪辑室是真正意义上“第二次创作”发生的地方。本书认为，剪辑师才是最后一个掌握观众体验的人。 蒙太奇的效用： 从爱森斯坦的“吸引碰撞”到苏联学派的心理蒙太奇，本书系统梳理了蒙太奇理论的演变。我们深入研究了如何通过“跳切（Jump Cut）”来打破叙事连贯性，制造出震撼的心理冲击效果。 节奏的调整艺术： 剪辑师如何决定一个镜头保留三帧还是三十帧？这关乎到观众能否充分吸收信息，以及情感高潮能否得到应有的爆发时间。我们收录了多位剪辑师在面对“狗屎剪辑”（Dailies）时的痛苦抉择，以及他们如何利用声音设计来弥补画面信息的不足。 “导演剪辑版”的真相： 许多电影都有多个版本。本书探讨了导演剪辑版与院线版之间的差异，这不仅是片段的增减，更是叙事重点和主题倾向的微妙转移。通过对比分析，读者可以理解电影制作过程中妥协与坚持的艺术。 结语：流动的艺术形式 《银幕背后的秘密》不仅仅是一本技术手册，它是一份对电影作为一种综合性、流动的、具有强大社会影响力的艺术形式的致敬。它展示了剧作家、摄影师、剪辑师——这些幕后工匠们，如何通过精湛的技艺，将无形的想象力固化成永恒的光影记忆。阅读本书，你将不再只是一个观众，而是一个理解了“魔术是如何变出来”的知情者。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的结构处理得相当巧妙，它采用了类似拼图的方式，将不同时代、不同地域的表演艺术家的生平碎片化地呈现在读者面前，但最终却能拼凑出一个关于“表演本质”的完整图景。它的文字风格非常冷峻，带着一种近乎学术的精准，但又在关键时刻爆发出惊人的情感穿透力。尤其让我印象深刻的是书中对于“非语言交流”的深入剖析，作者引用了大量的舞台调度和镜头语言学的知识，解释了为什么某些演员能够仅仅依靠一个侧影，就能传递出比千言万语更丰富的信息量。我花了好大力气才啃完了其中关于“方法派表演”在欧洲和好莱坞不同分支演变的那几章，信息量之大，让我不得不反复阅读并做笔记。这本书的价值不在于提供那些八卦轶事，而在于它提供了一套严谨的分析框架，去解构那些我们习以为常的“精彩瞬间”。它像一把手术刀，剖开了那些光鲜亮丽的“瞬间魅力”，让我们看到了其背后无数次枯燥的排练、自我怀疑和对完美主义的偏执追求。如果你只是想找本轻松的娱乐读物，这本书可能会让你感到沉重，但如果你想探究表演艺术作为一种职业和一种精神追求的极限，那么这本书无疑是为你量身定做的深度指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格是那种极其富有画面感的散文体，读起来赏心悦目，但其内在的内核却坚硬如铁。它不像那些市场上的“成功学”书籍那样鼓吹捷径，反而毫不留情地揭示了天赋的不可复制性和训练的残酷性。我特别喜欢作者在描述“舞台恐惧”时所使用的比喻，他将那种即将上台前，心脏仿佛要从胸腔里跳出来的感觉，描绘成了一种“与自身阴影进行第一次正式会晤”的仪式。书中对那些“昙花一现”的明星的分析，也充满了人文关怀，没有一味地批判他们的平庸，而是探究了是什么样的环境和机遇，让他们在短暂的辉煌后迅速陨落。这种兼具批判性和同情心的视角，让全书的基调显得非常成熟和平衡。它不仅仅是一本关于“如何成为明星”的书，更像是一部关于“如何与自己的艺术追求共存”的心理史诗。合上书本时，脑海中浮现的不是某个光环下的面孔，而是一个个在各自领域里挣扎、探索，试图捕捉那稍纵即逝的“永恒瞬间”的灵魂。这本书的后劲很大，值得反复品味。

评分☆☆☆☆☆

这本书读起来，感觉就像是走进了一个充满回响的空旷大厅，作者用他那沉稳而富有韵律感的笔调，引导我们去聆听那些被时间尘封的艺术家的“内心独白”。它的叙事节奏变化多端，时而像夏日午后一样缓慢而悠长，细细品味一个演员对角色的漫长等待；时而又像一场突如其来的暴雨，用密集的文字将某个高潮迭起的戏剧冲突瞬间笼罩。我最欣赏的是，作者似乎有一种天赋，能够捕捉到“天才”身上那种难以言喻的“非理性”光芒，并将这种光芒转化为可以被文字捕捉的形态。例如，书中对一位默片时代巨星的描述，完全摒弃了对故事情节的关注，而是专注于他如何利用自己身体的每一个关节，去表达人类最原始的恐惧和喜悦。这不仅仅是传记，更像是对人类情感表达潜能的一次深度探访。整本书的行文有一种古典的美感，长句的使用非常自然流畅，读起来有一种被作者的思绪带着走的沉浸感。它不是在教育你，而是在邀请你，进入一个由天赋和汗水共同构建的、充满魔力的精神世界进行一次朝圣之旅。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的阅读体验有点像解谜，因为作者非常克制，他不会直接告诉你某个演员“为什么”成功，而是将大量的线索散落在对他们生活习惯、选片标准、甚至是对待导演态度的描述之中。你必须像个侦探一样，将这些看似不相关的片段串联起来，才能最终理解他们那独特的气场是如何形成的。我发现自己经常读完一页后，会停下来，盯着书本，回味作者是如何用一个极其精确的动词或形容词，来概括一个复杂的人格特质。这本书最大的亮点在于它对“自我意识”与“表演本能”之间张力的探讨。很多段落都在追问：一个优秀的演员，究竟是在真诚地“体验”角色，还是在精妙地“计算”如何让观众相信他正在体验？书中对几位现代派演员的分析尤其尖锐，直指他们在追求极致真实时，可能付出的心理代价。这种深入骨髓的探讨，让我对“敬业”这个词有了更深层次的理解，那不是简单的早起晚归，而是一种对自我边界的不断试探和挑战。这本书的专业性和深度，足以让任何一个自诩为电影爱好者的人感到震撼。

评分☆☆☆☆☆

这部书的叙事视角真是太引人入胜了，它没有采取那种宏大叙事的角度，而是像一个老朋友在跟你分享那些发生在幕后、鲜为人知的片段。作者对细节的捕捉能力简直令人叹为观止，你仿佛能闻到老剧院里特有的木头和灰尘的味道，听到那些为了一句台词反复打磨时，那种焦灼又兴奋的呼吸声。特别是书中对某个特定时期，例如上世纪中叶，几位重量级演员在片场上的微妙较量，描绘得淋漓尽致。那些权力斗争，不是通过直接的冲突来展现，而是藏在眼神的交汇、一个不经意的肢体语言里，精妙绝伦。我特别喜欢作者在描述演员如何“进入”角色时的那种哲学思考，它探讨了“真实”与“虚构”的边界，质疑了我们作为观众，究竟在追逐什么。书中有一段描述一位影后如何处理一场至关重要的哭戏，没有用煽情的笔墨堆砌，而是冷静地解剖了她如何调动自身最深层的痛苦记忆，然后将其转化为镜头前无可指摘的完美瞬间。这让我对表演艺术的理解提升到了一个全新的高度，不再仅仅是模仿，而是一种深刻的自我献祭与重塑。读完后，我再看任何一部经典电影，都会不自觉地去寻找那些隐藏在光影背后的“真诚”与“技巧”的博弈，这本书成功地改变了我观看电影的习惯，让我成了一个更挑剔也更懂得欣赏的观众。