电影剧本写作基础 电影剧作问题攻略 电影编剧创作指南 救猫咪1,2,3 创作法 拉片子：电 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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_美_悉德_菲尔德_（美）斯奈德_杨健 著

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店铺： 北京东方博苑图书专营店

出版社： _美_悉德_菲尔德_(美)斯奈德_杨健

ISBN：9787550284753

商品编码：24107340206

商品详情电影剧本写作基础 电影剧作问题攻略 电影编剧创作指南 救猫咪1,2,3 创作法 拉片子：电影电视编剧讲义（套装共8册）

 

 

 

 

著者简介

悉德·菲尔德（Syd Field），享誉全球的编剧、制片人、教师、演讲人，也是诸多书的作者。他的一系列电影编剧写作教程自出版以来已被译成二十四种语言，并被全球超过四百所大学选作教材。三十几年来，他一直是好莱坞电影公司——罗兰·约菲（Roland Jaffe）电影公司、二十世纪福克斯、迪士尼、环球影业、哥伦比亚三星影业的剧本审稿人和编剧顾问。他是首位进入美国电影编剧协会编剧名人堂的成员。

 

　　《创作法：电影剧本的创作理论与方法》是电影编剧创作的写作课讲义，内容为电影剧本的创作理论与方法。它的理论内容可作为研究生的教材，其创作方法可以作为编剧三四年级的教材。书中涉及分形学、结构主义和自然科学等多学科。为了使理论通俗易懂并与创作实践联系起来，讲义结合影片案例阐述剧作原理，使之易于理解。《创作法：电影剧本的创作理论与方法》旨在指导学生运用创作理论工具进行创作性写作的方法。

　　全书共分六讲：创作种子、对称与分形、主题分形和形象分形、情境分形、情节分形、案例。前三讲为工具篇，侧重介绍剧作原理。后三讲是创作篇，侧重介绍创作原理在实践中的运用。

电影叙事核心构建：从概念到银幕的实践手册 第一章：故事的胚胎——灵感的捕捉与核心概念的提炼 每一部成功的电影都源于一个坚不可摧的核心概念。本书将带领读者深入探索如何从日常生活中、历史事件中、乃至潜意识的梦境中捕捉转瞬即逝的灵感火花。我们不再探讨剧本结构的既有模型，而是着重于如何将一个模糊的想法转化为一个具有市场吸引力和艺术深度的“故事种子”。 1.1 捕捉“一句话”的力量： 学习如何用最精炼的语言概括你的电影主题、冲突和角色目标。我们将分析数十个经典案例，解析它们为何能在最初阶段就牢牢抓住制片人的注意力。这不仅仅是营销技巧，更是对故事本质的深刻理解。 1.2 探索驱动力：主题与价值判断： 一个真正引人入胜的故事背后，必然蕴含着创作者对世界的某种观察或价值判断。本章深入剖析如何挖掘角色行为背后的哲学驱动力，确保你的故事不仅仅是事件的堆砌，而是对某一特定议题的有力探讨。我们将讨论“普遍性”与“独特性”之间的平衡点。 1.3 构建“高概念”的内在逻辑： 并非所有电影都需要“高概念”，但理解其运作原理对任何剧本都是有益的。我们将拆解“高概念”的组成元素——冲突的强度、赌注的规模以及设定的新颖性——并指导读者如何在不牺牲深度的情况下，设计出具有强大市场潜力的故事前提。 第二章：人物的深度挖掘——动机、缺陷与弧光的精妙设计 剧本的灵魂在于人物。本书摒弃了将人物简单归类为“主角/配角/反派”的传统做法，转而专注于构建具有复杂性和可信度的“人”。 2.1 需求与欲望的二元对立： 探讨人物的“外在目标”（他想要什么）与“内在需求”（他真正需要什么）之间的张力。我们将通过案例分析，展示如何让角色为了达成外在目标而被迫面对自身的内在缺陷，从而驱动情节发展。 2.2 塑造“可信的缺陷”： 完美的人物是无趣的。本章聚焦于如何设计具有深度和历史根源的角色缺陷（Flaws）。这些缺陷不应是情节的障碍，而应是角色决策的内在动力。我们会探讨“创伤记忆”如何塑造当前的反应模式，并指导你构建角色完整的“背景故事切片”，而非流水账式的生平介绍。 2.3 动态关系网的构建： 人物不是孤立存在的。我们将深入研究次要角色（Supporting Characters）如何通过提供不同视角、设置障碍或充当催化剂来推动主要人物的成长。重点分析“镜像人物”（Mirror Characters）和“对抗性盟友”（Antagonistic Allies）的设计手法。 第三章：场景的张力管理——冲突的升级与节奏的掌控 一个优秀的剧本是由一系列精心编排的场景构成的。本章关注的是如何让每一个场景都承载最大化的信息量和戏剧张力。 3.1 场景的“微观目标”： 每一个场景都必须有其存在的明确目的，这个目的超越了推动情节本身。我们将教授如何为每个场景设定一个具体的“微观目标”，以及如果场景未能实现该目标，它是否应该被删除。 3.2 冲突的“层叠”技术： 冲突不应只停留在表面对话或动作层面。本章详述了如何将“情感冲突”、“目标冲突”和“环境冲突”在同一场景中叠加，制造出多层次的戏剧张力。例如，在一次浪漫的告白中，同时植入一个即将爆炸的定时器，以及角色潜藏的童年恐惧。 3.3 节奏的视觉化构建： 剧本的节奏感是通过场景长度、信息密度和动作幅度来控制的。我们将解析如何通过场面调度描述（Action Lines）来暗示剪辑和表演的节奏，确保文字本身就具有电影感。重点讨论何时使用短促的片段，何时运用延长的、令人窒息的场景。 第四章：超越三幕论——现代叙事结构的灵活性运用 虽然基础结构提供了骨架，但优秀的剧本需要灵活的肌肉和神经系统。本章探索如何打破或重塑传统的三幕结构，以适应更复杂的故事情节。 4.1 侧重中段的拓展与深化（The Expanded Second Act）： 许多剧本的失败在于中段的松垮。我们将分析如何利用“中点反转”（Midpoint Reversal）作为一次全新的“激励事件”，将故事引向一个更高风险的阶段，从而有效填补传统中段的空虚感。 4.2 章节化叙事与多线索交织： 针对拥有多条故事线或跨越时间轴的剧本，本章提供实用的工具来管理叙事焦点。学习如何设计有效的“悬念点”（Cliffhangers）在场景或章节之间切换，保持观众的持续投入。 4.3 结局的必然性与惊喜感的平衡： 一个令人满足的结局必须感觉“不可避免”却又“意想不到”。我们将解析如何通过前期的铺垫（Foreshadowing）来构建结局的合理性，并教授如何通过在最后一刻引入一个未曾预料到的角色反应或环境变化，来为结局注入冲击力。 第五章：剧本语言的精炼与视觉化表达 剧本不是小说，它是生产蓝图。本章的核心在于将文字转化为可拍摄的、精确的视觉指令。 5.1 场景描述的“最小化原则”： 学习如何使用最少的词汇来传达最多的信息。摒弃文学性的形容词，专注于动词和精确的动作描述。我们将提供“优化前/优化后”的范例，展示如何将冗长的段落精简为高效率的场景描述。 5.2 对话的“冰山理论”实践： 对话的价值往往在于它没有说出口的部分。本章深入研究如何通过潜台词（Subtext）来丰富对话。指导读者撰写那些角色说一套，心里想另一套的精妙对白，让观众通过观察角色的肢体语言和环境来解读真实意图。 5.3 镜头的暗示与空间感构建： 即使在剧本阶段，也需要具备导演思维。我们将讨论如何通过对场面调度和环境细节的描述，巧妙地暗示镜头运动、焦点变化或灯光氛围，从而在文字层面就为影片定下基调。这包括对特定道具（Prop）的使用，使其在后续情节中承担符号意义。

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最后，关于“拉片子：电”这部分内容，简直是点睛之笔，是理论与实践之间最坚实的桥梁。在学习了前面的理论和方法之后，真正动手去“解剖”一部成熟的作品，其收获是无可替代的。这本书提供的拉片视角非常专业且全面，它不仅仅是让你去复述剧情，而是引导你去分析镜头语言、节奏把控以及潜台词的有效运用。我跟着书中的引导，重新观看了一部我早已熟知的经典作品，结果却发现了无数以前从未注意到的细节——比如某个特定镜头与前一个场景的色彩对比是如何暗示人物心境的，或者某段对话的停顿是如何被精确地控制在银幕上的秒数。这种“深度阅读”电影的方式，彻底改变了我对影视艺术的认知。它告诉你，一个优秀的剧本，必须具备在影像化时依然能保持强大生命力的潜质。对于任何想要从“写字”跨越到“拍片”思维的作者来说，这本书的实践指导部分，是无价之宝，它让理论不再悬浮，而是扎根于真实的影像世界之中。

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如果要用一个词来形容这套书的阅读感受，那就是“醍醐灌顶”。特别是当翻到那几本专注于方法论的册子时，那种对创作过程的系统梳理，彻底颠覆了我过去那种依赖“感觉”写作的散漫状态。《电影编剧创作指南》这部分，真正让我明白了“创作是一种手艺，而非纯粹的灵感爆发”。它将编剧的整个流程，从最初的头脑风暴到最终的打磨定稿，细致地划分成可执行的步骤。书中对于“聚焦核心主题”的论述，我深有感触，很多时候我们陷入细节的泥潭，却忘记了故事最初想要传达的那个最纯粹的“为什么”。它鼓励我们不断追问自己，直到找到那个连自己都无法回避的、必须被讲述的故事内核。而且，它的语言风格非常鼓励实验和试错，作者似乎在说：“规则是用来理解的，理解之后你才可以决定如何去打破它们。”这种既严谨又开放的态度，极大地释放了我的创作潜力，让我敢于挑战那些曾经觉得遥不可及的复杂叙事结构。

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我尝试过很多市面上的“速成”指南，它们往往承诺能在几小时内教会你写出爆款，结果读完后脑子里充斥的都是些空洞的术语和过时的套路。然而，这套汇编的价值在于它提供了一种“解剖式”的学习体验。《电影剧作问题攻略》这部分，简直是为那些在创作瓶颈期挣扎的人准备的“急救包”。它不回避问题，反而直面那些最让人抓狂的难点：如何处理冗长的背景介绍？当角色动机模糊不清时该怎么办？高潮部分为什么显得乏力？每一次翻阅，都像是一场与经验丰富导师的深度对谈。特别是针对“次要情节线索的收尾”这一章节，作者给出的方法论极其实用，它教你如何将分散的线索优雅地汇集成主流，避免了剧情松散的通病。我尤其欣赏其中对于“冲突升级”的细腻处理，它不是简单地制造对立，而是引导冲突层层深入，直至人物的内心世界也参与到这场战争中去。读完后，我不再害怕动笔，因为我知道，无论遇到多棘手的问题，这套书里总有被系统化梳理过的解决方案在等待着我，它给予的不是答案，而是解决问题的工具箱。

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这部被誉为“编剧圣经”的合集，简直是为每一个怀揣着电影梦的灵魂量身打造的。我刚拿到手的时候，那种厚重感就让人心生敬畏，仿佛捧着的是通往光影世界的地图。首先要说的是它在基础理论构建上的扎实程度，读完《电影剧本写作基础》的章节，我才真正明白，原来那些看似信手拈来的精彩桥段背后，都隐藏着严谨的结构和不容置疑的叙事逻辑。它没有空泛的口号，而是直接切入剧本的骨架——三幕式、人物弧光、场景调度，每一个概念都配有教科书级别的案例分析，让我这个科班出身但又有些迷茫的人，瞬间找到了重新审视自己作品的支点。尤其让我受益匪浅的是关于“意图与障碍”的阐述，它清晰地揭示了驱动任何故事前进的核心动力。这本书的好处在于，它既能让你仰望星空，构思宏大的主题，又能让你脚踏实地，关注到每一个对话标点符号的精确性。对于初学者而言，这套书是绝佳的启蒙读物，而对于资深人士，它更像是一面随时可以对照的镜子，提醒我们勿忘初心，坚守叙事的本质。我甚至开始重新审视那些我自认为已经掌握的技巧，发现之前很多自以为是的“灵感”，其实都建立在对基本功的忽视之上。

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我必须重点提到那三部关于“救猫咪”创作法的典籍——《救猫咪1,2,3 创作法》。坦白说，我之前对这个理论抱持着一种将信将疑的态度，觉得它可能过于简化了艺术创作。然而，深入阅读后我才发现，这绝不是什么肤浅的公式，而是一套极其精妙的“受众心理学”应用指南。它没有教你如何迎合大众，而是教你如何以最有效的方式，让观众产生情感共鸣和代入感。从“开场十分钟的钩子”到“中点危机点的设计”，每一个步骤都有着坚实的心理学基础支撑。这三本书的系列性阅读体验非常好，一层层剥开叙事的肌肉和骨骼，让你看到一个引人入胜的故事是如何在结构上被精心地搭建起来的。它教会我如何设计一个让人产生同理心的主角，以及如何利用反差制造戏剧张力。对我而言，它不仅是剧本写作的工具，更是一堂关于“如何有效沟通”的生动课程。它让我的剧本从“我写了个什么东西”进化到了“观众会如何体验这个东西”。