【后浪直营】电影理论读本（修订版）北京电影学院教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨远婴 著

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• 北京电影学院
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• 后浪
• 修订版
• 视听语言
• 电影分析
• 文化研究
• 艺术理论

店铺： 后浪出版公司官方旗舰店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550289628

商品编码：20607587326

品牌：后浪

包装：平装

丛书名： 后浪电影学院

开本：16开

用纸：胶版纸

页数：632

字数：884000

正文语种：中文

编辑推荐

呈示电影言说的多样路径，提供更加开阔的话语平台
紧贴当代理论前沿，关注研究范式转变
破除“纯理论”樊篱，增加“实践型”文本
在原《外国电影理论文选》（2006年三联版）基础上重新划分、统一了编选结构，以更清晰的方式介绍不同电影理论派别的重要观点和阐述。
增加学术研究新动向、新方法、新热点，如对类型、明星、产业的关注。
文字流畅、准确，译文质量极高。

内容简介

本书是为了与电影理论的新动态、电影技术和美学、电影产业的新发展相适应而编选的电影理论“新读本”，在拓展选集思路的前提下，破除“纯理论”樊篱，增加“实践型”文本，建立一个由媒介、语言、纪录、纪实、作者、类型、明星、叙事、经济、历史、性别、心理、意识形态组成的章节体例，通过工业与艺术、技术与文化、身份与表达、影像与社会等理论层面展现各类研究观点，呈示电影言说的多样路径，旨在为电影研究提供更加开阔的话语平台和更加宽泛的问题意识。
“新读本”中，既囊括了巴拉兹?贝拉、爱森斯坦、巴赞、爱因汉姆、格里尔逊、麦茨、德勒兹等电影理论家的经典作品，又加入了汤姆?冈宁、比尔?尼克尔斯、大卫?波德维尔、米莲姆?汉森、齐泽克等新一代学者的重要文章。面对新的影像生产与作品对象，希望能够为研究者提供更为多元化的思维方式和理论武器。

作者简介

杨远婴，北京电影学院教授，博士生导师。主要学术成果有：《电影学笔记》《电影作者与文化再现》《华语电影十导演》《九十年代的第五代》《中国电影专业史研究：电影文化卷》《女性的电影——对话中日女导演》《电影概论》《北影纪事》《外国电影批评文选》《中美日家庭情节剧研究》等。

目录

前言
第—章电影媒介
可见的人类
上镜头性
电影不是戏剧
电影，心理学
电影（修正稿）
电影中的风格和媒介
第二章电影语言
电影修辞问题
在单镜头画面之外
电影语言的演进
电影符号学的若干问题
第三章电影与纪录
论纪录片
纪录片的首要原则
没有记忆的镜子——真实、历史与新纪录电影
为什么道德问题是制作纪录片的关键问题？
第四章电影与现实
对现实主义的各种解释
摄影影像的本体论
“完整电影”的神话
《从卡里加利到希特勒》引言
物质现实的复原
第五章电影作者论
摄影机一自来水笔：新先锋派的诞生
论作者策略
1962年的作者论笔记
作者论
有关作者身份的一些概念
第六章电影叙事学
电影话语与叙事：两种考察陈述问题的方式
电影的叙事手段——戏剧化的序幕、倒叙，预叙和视点
现代电影与叙事性
叙事世界
第七章电影类型学
电影类型与类型电影
电影身体：性别、类型与滥用
作为一种电影实践模式的艺术电影
第八章电影明星学
明星作为明星
明星制度与好莱坞
纳粹明星与女性表征
第九章电影经济学
思考电影经济学
电影宏观经济学——原理
商业议题与商业策略
高概念：当前的市场策略
第十章电影历史学
研究电影史
吸引力电影：早期电影及其观众与先锋派
试论作为白话现代主义的上海无声电影
电影：历史文献
第十一章电影与精神分析
精神分析与电影：想象的表述
关于希区柯克电影
第十二章电影与性别研究
视觉快感和叙事性电影
同性恋理论与批评
酷儿理论
第十三章电影与意识形态批评
基本电影机器的意识形态效果
约翰·福特的《少年林肯》
电影、思维与政治
出版后记

文摘

第—章 电影媒介
人类生活自古就离不开媒介。媒介对于周幽王来说是烽火，对于朱元璋来说是文字，对于拿破仑来说是报纸，对于丘吉尔来说是电报，对于希特勒来说是电影，对于克林顿来说是电视，对于奥巴马来说则是微博——谁想控制世界，谁首先就得控制媒介——这已经是一种被历史印证的事实。现在没有人否定媒介的力量，因为，这是一个媒介的时代，确切地说这是一个被影像媒介所左右、所控制的时代。电影，就是这样一个影像媒介占主导地位的时代的宠儿。
巴拉兹早就讲过，电影是一种具有“无限可能性的媒体”（a Media with Possibilities）。在种种可以排列组合的概率之下，电影可以表现完全不同的意义，达到各种各样的目的和效果。“电影与印刷术一样是大量复制传播精神产品的工具。它对人类文化的影响交不亚于印刷术。”这样，电影的诞生意味着一种新的大众传播媒介的诞生，同时也“标志着一个关键的文化转折点”。我们身处一个影像媒介的时代，而不是一个印刷媒介的时代。这不是在为电影作比喻，而是在给电影下定义。
没有人会忽略电影作为大众传播媒介的社会影响和文化职能，是它在引起人们神秘感和好奇心的同时，也在传播着一种文化价值观。它“通过人们熟悉的摄影技术和叙事方式来”影响大众的思想。人们爱把杰出的电影理论家奉为“电影的传教士”——就像当年人们对卡努杜那样。他不仅是在传播一种电影见解，而且也是在为一个新的媒介时代发表理论宣言。 在1911年发表的《第七艺术宣言》被电影理论家认为“是世界电影理论史上第—篇纯粹的电影美学论文”。他力图使电影从大众娱乐的文化地位提升到独立的艺术地位。在这个历史过程中，卡努杜竭力地反对电影的戏剧化，反对电影生搬硬套舞台艺术的创作手法，强调电影必须依靠运动、节奏，通过光影来表现人类的内心生活，包括下意识的精神状态及非物质性的世界。在他看来电影媒介的巨大表现功能几乎可以是无所不能。

电影的形与神：光影叙事与视觉表达的深度探索 本书聚焦于电影艺术的核心——叙事结构、视觉语言的构建与美学思想的流变，旨在为电影学习者、爱好者及从业者提供一套系统而深入的理论框架。 第一部分：电影叙事学的重建与解构 本部分深入剖析电影叙事作为一种复杂的时间艺术，如何通过结构、节奏和视角来调动观众的情感与认知。我们不探讨具体的“教科书”版本，而是着眼于叙事理论的本质发展。 一、经典叙事模型的批判性考察 三幕剧的弹性与超越： 讨论古典好莱坞叙事（如Syd Field模型）的优势与局限。重点分析其在当代电影中的“去中心化”趋势，以及如何通过非线性叙事、碎片化情节来挑战观众的既有预期。 原型叙事与神话母题： 借鉴约瑟夫·坎贝尔的“英雄之旅”，但更侧重于其在不同文化背景下的变异和反思。分析后现代叙事如何利用、颠覆或解构这些久经考验的母题，探讨“反英雄”叙事的心理基础。 故事时间与银幕时间的张力： 详细区分“故事时间”（diegetic time）、“叙事时间”（narrative time）和“银幕时间”（screen time）。探讨如何通过闪回（flashback）、预叙（flash-forward）、慢镜头或快速剪辑来操纵观众对时间流逝的主观感受，例如在塔科夫斯基和安东尼奥尼的作品中的实践。 二、视点与不可靠叙事 视角的层次性： 区分全知视角、第一人称视角、有限视角和移动焦点。深入分析主观镜头（POV shot）的使用如何将观众直接置于角色的意识流中，以及如何通过景深控制来暗示或隐藏信息。 不可靠叙事者的构建： 探讨“不可靠”不仅仅是角色说谎，更是叙事结构本身的不透明性。分析通过信息不对称、记忆错乱或心理扭曲来引导观众产生认知失调的叙事策略，例如在悬疑片和心理惊悚片中的应用。 第二部分：电影的视觉修辞与感知心理学 本部分将电影的视觉元素视为一种强大的修辞工具，研究光影、构图和运动如何超越语言，直接作用于观众的潜意识。 一、摄影机的语言：运动与构图 空间关系的建构： 深入分析固定镜头（static shot）与运动镜头（camera movement）的意义。广角镜头如何制造距离感和压迫感，长焦镜头如何压缩空间并强调特定元素。 景深与焦点作为叙事手段： 讨论深焦摄影（Deep Focus，如奥逊·威尔斯）如何在一帧画面内同时呈现多个叙事层次，迫使观众进行选择性关注，与浅景深（Shallow Focus）所带来的角色聚焦效应形成对比。 光影的形而上学意义： 探究明暗对比（Chiaroscuro）不仅是美学选择，更是对角色道德困境或心理状态的隐喻。分析不同光源（自然光、人工光、背光）如何影响场景的情绪基调和真实感。 二、剪辑的节奏与意义生成 连接与断裂的艺术： 区别叙事性剪辑（如连贯剪辑/Continuity Editing）的“隐形”原则与表达性剪辑（Expressive Editing）的目的性。探讨如何通过跳切（Jump Cut）来打破时间连续性，制造焦虑或疏离感。 蒙太奇理论的深化： 超越爱森斯坦的“冲突性蒙太奇”，分析心理蒙太奇（如电影中对角色主观感受的快速剪辑）和概念蒙太奇（通过并置不相关图像来创造新意义）在当代艺术电影中的应用。 视听节奏的统一性： 探讨画面剪辑速度与场内声/场外声（Diegetic/Non-Diegetic Sound）节奏的协同作用，如何共同构建出影片的整体“心跳”。 第三部分：电影美学流派的风格剖析 本部分不按时间顺序罗列流派，而是从风格特征和哲学立场出发，解析几大重要的美学运动对电影语言的贡献。 一、现实主义的张力：从自然主义到新现实主义 “可信度”的边界： 讨论意大利新现实主义如何通过对自然光、非专业演员和实景拍摄来挑战传统影棚美学。重点分析其“开放式结局”对叙事完满性的反叛。 长镜头哲学： 深入探讨安德烈·塔可夫斯基（Andrei Tarkovsky）对“雕刻时光”的追求，即如何通过极长的镜头来追求一种接近生命体验的真实感，使时间本身成为美学的主体。 二、现代主义的疏离与形式探索 作者论的影像签名： 分析如伯格曼、戈达尔等导演如何将个人哲学和焦虑融入电影形式，使得电影成为对电影媒介本身的审视。探讨形式上的实验（如直接对镜头讲话、打破第四堵墙）如何服务于主题的疏离感。 陌生化效果的实现： 阐释如何通过非自然的构图、刻意的剪辑或异化的表演，使观众从对故事的沉浸中抽离出来，反思所见之物的社会、政治或意识形态含义。 三、后现代语境下的拼贴与引述 互文性与挪用： 分析后现代电影如何大量引用、戏仿或解构经典电影文本和文化符号。这种“引用”不再是对经典的致敬，而是对原创性概念本身的质疑。 风格的饱和与混合： 探讨当代电影如何打破流派界限，将恐怖片的视觉元素融入科幻叙事，或将歌舞片的结构融入严肃剧。这种风格的杂糅反映了当代信息爆炸的文化状态。 第四部分：声音设计与场域空间 声音是常被低估的电影元素，本部分将其提升至与视觉同等重要的地位进行分析。 一、声音的层次与情感操控 声画对位与统一： 区分声音的同步性与非同步性。分析当画面内容与声音内容形成对立（如暴行场景配以轻柔音乐）时，所产生的强烈心理效果。 环境声的叙事权重： 讨论如何通过精心设计的环境音（Ambiance）来定义场景的物理环境和心理温度，而非仅仅作为背景噪音。 画外音的效用： 探索画外音（Off-Screen Sound）如何扩展银幕空间，暗示银幕外正在发生或即将发生的重要事件，有效利用了观众的想象力。 二、电影空间与观众的在场感 室内与室外的心理区隔： 分析室内场景（受限、私密、心理化）与室外场景（开放、社会化、行动化）的切换如何影响观众对角色状态的判断。 虚拟空间的构建： 研究特殊摄影技术（如慢动作、时间切片）如何使得物理空间在感官上“弯曲”，从而描绘角色的主观体验而非客观现实。 本书通过对上述核心概念的系统梳理与跨流派的比较分析，旨在帮助读者建立起一套独立、批判性的电影分析视角，深入理解光影背后隐藏的复杂思想与精妙结构。

评分☆☆☆☆☆

这本书的修订版在细节处理上确实下了不少功夫，虽然我没有对比初版，但从现有的内容来看，那种对学术规范的尊重和严谨性是显而易见的。尤其是在引用和注释体系上，它建立了一种非常清晰的“学术对话”链条，让你能够轻松地追溯到每一个关键概念的源头，这对于一个想要深入研究电影理论的人来说，简直是太重要了。我个人非常喜欢作者在行文中展现出的那种“温和的批判性”，他不会用居高临下的姿态去否定前人的成果，而是以一种继承者的身份，去审视和拓展那些经典的理论边界。比如在对布莱希特“间离效果”的现代演绎中，他不仅梳理了其在戏剧中的起源，更将其与当代数字媒体的互动性进行了富有想象力的连接，展示了理论的生命力在于其适应性。这本书读下来，你会发现自己不再是那个被动接受知识的容器，而是一个主动参与到理论构建过程中的“学徒”。它不仅仅是一本关于电影理论的书，它更像是一部关于如何进行严肃、深入、有历史感的学术思考的范本。每一次重读，都会有新的体悟，绝对是案头必备的经典。

评分☆☆☆☆☆

这本【后浪直营】电影理论读本（修订版）北京电影学院教材，我前几天刚在孔夫子旧书网上淘到了一本品相不错的二手书，虽然封面已经有些磨损，但翻开扉页的那一刻，扑面而来的学术气息还是让我精神一振。我本来是抱着一种“碰运气”的心态买的，毕竟老教材在二手市场的流通量相对固定，但拿到手后发现，很多经典的理论框架和阐释角度，即使放在今天来看，依然是构建电影理解大厦的坚实基石。比如书中对蒙太奇的几种主要流派的梳理，细致到每一个关键导演的名字和他们代表性的手法，简直就像一张精确的思维导图，能瞬间将我从纷繁的影片细节中抽离出来，看到背后的结构性逻辑。我印象特别深的是其中关于“影像的在场性”那一章的讨论，作者没有停留在简单的技术描述上，而是深入探讨了早期电影与观众心理之间那种近乎巫术般的吸引力来源，那种将时间凝固并反复播放的魔力是如何被理论化的。读完这一部分，再去重温卓尔·乔治（Georges Méliès）的那些经典片段，感受会完全不一样，不再是单纯的“魔术”，而是具有了深刻的媒介本体论意义。这本书的排版和字体选择也深得我心，虽然是老版，但字里行间透露出的那种对知识的敬畏感，是现在很多追求“快餐式”阅读的当代教材所不具备的。它需要你沉下心来，像对待一份古老的羊皮卷一样去对待其中的每一个概念，反复咀嚼，才能真正体会到其中蕴含的学术厚度。

评分☆☆☆☆☆

说实话，刚拿到这本书时，我其实有点担心内容会过于陈旧，毕竟电影艺术发展日新月异，新的思潮层出不穷。我期待的更多是一种经典理论的“回顾与总结”，但翻开几页后，我发现作者的功力远不止于此。这本书最妙的地方在于，它不是简单地罗列概念，而是在梳理历史脉络时，总能巧妙地引入一些具有前瞻性的视角，仿佛作者本人就是在参与那场理论的“搏击”。尤其是在谈及叙事结构与意识形态批判的交叉点时，它不像一些入门读物那样给出标准答案，反而提出了大量需要读者自行辩证思考的问题。举个例子，书中对“作者论”的梳理，不仅详述了特吕弗和法国新浪潮的核心主张，还特地辟了一个小节来探讨“作者身份”在后殖民语境下所面临的消解与重构的困境。这种对时代变迁的敏感性，使得这本书即便是作为“理论读本”，也绝非僵化的教科书，而更像是一扇通往持续对话的门。我甚至觉得，对于那些刚接触电影研究的学生来说，这本书可能会比一些最新的、高度聚焦某一特定流派的专著更具价值，因为它提供了一个更广阔的、能够容纳未来所有新理论的理论“容器”。它的严谨性让你学会如何提问，而不是仅仅学会如何回答问题。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的整体感觉是“沉重但扎实”，有一种老派学者特有的那种不苟言笑的认真劲儿。它不像现在流行的那些图文并茂、设计感十足的读物，这本书的视觉呈现极其朴素，大部分篇幅都在文字和密集的脚注中度过，几乎没有花哨的插图或者色彩鲜艳的图表来分散读者的注意力。这种克制，反而形成了一种强大的专注力场。我尤其欣赏作者在处理那些跨学科概念时的谨慎态度。比如，当涉及到美学理论从哲学转向电影本体时，书中引用的那些哲学家的论述都非常精准到位，绝不为了炫耀学识而堆砌晦涩的术语，而是将复杂的哲学思想，巧妙地“翻译”成了适用于电影分析的工具。读到后来我发现，这本书其实更像是一本“思维方法论”的教材，它教会你的不是“看懂”一部电影的具体技巧，而是如何构建一个分析电影的稳定、可靠的认知框架。我记得有一次我在看一部非常实验性的短片时，思维一度陷入混乱，但事后翻阅书中关于“时间性错位”的理论阐述，立刻豁然开朗，那些原本支离破碎的感知瞬间被组织了起来，仿佛有一把无形的刻刀，帮我把混乱的石头雕刻成了清晰的结构。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个寒冷的冬夜，泡着浓咖啡，一口气读完了这本书中关于“奇观与凝视”那几章的。这次阅读体验非常奇特，有一种被深深“击中”的感觉。这本书没有直接批判消费主义，但它对“观看”行为本身的深挖，比任何直白的批判都来得更有力量。作者对拉康的镜像理论在电影中的应用进行了详尽的阐述，但有趣的是，他并没有将其导向单纯的心理分析，而是将其与好莱坞制片体系下对观众的“规训”联系起来。他探讨了摄影机如何不仅是记录者，更是一种构建欲望的权力工具，这种将理论武器化的处理方式，非常令人耳目一新。我记得其中一个案例分析，是将一部大众商业片与一部欧洲艺术片并置对比，通过剖析两者在主体构建上的细微差别，清晰地展示了理论如何指导我们超越表层的娱乐价值，直抵意识形态的核心。读完这部分，我再去看那些充斥着特写镜头的商业广告，感觉那些被精心设计的眼神和微笑，突然间都失去了魔力，变得透明而可分析。这本书的价值就在于，它拔高了你的观察维度，让你看电影，也看自己是如何被电影观看的。