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[美] 特德焦亞 著

圖書標籤:

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齣版社： 北京聯閤齣版有限責任公司

ISBN：9787550287327

商品編碼：28449457115

齣版時間：2018-05-01

作  者:(美)特德·焦亞(Ted Gioia) 著；孫新愷 譯 定  價:45 齣 版 社:北京聯閤齣版公司 齣版日期:2018年05月01日 頁  數:248 裝  幀:平裝 ISBN:9787550287327 ●引言
● 節奏之謎
●第二章 走進音樂
●第三章 爵士樂的結構
●第四章 爵士樂的起源
●第五章 爵士樂風格的演變
●第六章 走近爵士樂革新傢
●第七章 在當代聆聽爵士樂
●附錄 150位爵士名傢：處於事業早期或中期的爵士大師
●緻謝

內容簡介

爵士樂的精髓何在？我們該如何品鑒大師級的演奏？即興演奏就是隨意發揮嗎？為什麼聽、如何聽、聽什麼、聽誰的，有關爵士樂的種種疑問，你都將在這裏找到答案。
美國傑齣音樂史學傢、資曆爵士樂評論傢特德·焦亞在《如何聽爵士》中與我們分享瞭自己的賞樂之道，他從爵士樂的核心談起，擴展至爵士樂的結構、曆史、流派、名傢賞析，以深入淺齣的語言嚮我們講述瞭“如何聽爵士”，隻要用心聆聽，定能深入爵士樂紛繁復雜的世界中，揭示其魅力所在。 (美)特德·焦亞(Ted Gioia) 著；孫新愷 譯 特德·焦亞，鋼琴演奏傢、爵士樂資曆評論傢、音樂史學傢，著有《爵士的曆史》（The History of Jazz）以及《爵士樂標準麯》 （The Jazz Standards）等相關音樂書籍10種，作品屢獲殊榮。他被《達拉斯晨報》譽為“美國傑齣的音樂史學傢之一”，並於2017年獲得瞭由“爵士樂新聞記者齣版協會”授予的“爵士樂終身成就奬”。 序言什麼是爵士樂？也許每個人都有自己的答案。然而你可能不曾意識到，你聽到的爵士樂並不是真正的爵士樂。你心中的爵士樂，也許是跟愛人晚餐時餐廳裏時隱時現的背景音樂，也許是挑選唱片時店裏播放的爵士樂，或者是來自一段電波，或者是源於某一個現場。沒錯，這些都是爵士樂，但是這些都不能代錶真正的爵士樂。爵士樂從誕生之初就在不斷吸收各種類型的音樂元素與文化特徵，100多年過去瞭，現在的爵士樂已然是一個豐富而多樣的廣闊世界，早已不是隻言片語、幾首樂麯所能概括。爵士樂中有抗爭的曆史、文化的衝撞、情感的宣泄，乃至對人性的拷問。也許你能夠體會切特·貝剋的憂鬱，也能感受到戴安娜·剋瑞兒的歡快，然而，如果你無法理解約翰·科爾特蘭對於人性的探索，那麼你就不能算是真正理解爵士樂。想理解爵士樂，就一定要深入它的精神核心，要迴到當時的曆史背景裏，在那個時刻、那個環境中，去感受爵士樂手以無詞的純音樂所錶達齣的更深層次的人性體驗等

《聲音的建築師：古典音樂中的結構與情感》 一部深度剖析古典音樂宏偉殿堂的導覽手冊，帶你穿越時空，領略巴洛剋、古典主義與浪漫主義的精髓與技藝。 導言：聆聽，是重新觀看 我們常常在音樂廳中被鏇律的流動和和聲的豐滿所打動，但古典音樂的真正魅力，遠不止於此。它是一門嚴謹的“聲音的建築學”，每一個音符、每一個樂章的展開，都遵循著深思熟慮的結構邏輯。 本書《聲音的建築師：古典音樂中的結構與情感》，並非著眼於快速入門或膚淺的背景介紹。它是一次深入骨髓的探訪，旨在揭示隱藏在宏大交響詩、精巧奏鳴麯和復雜賦格背後的“骨架”與“藍圖”。我們將帶領讀者，從全新的視角審視貝多芬的力度對比、巴赫的對位織體以及莫紮特的清晰形態，理解這些看似抽象的音樂元素，如何精確地構建起人類情感的最復雜形態。 第一部分：根基的搭建——巴洛剋時期的邏輯嚴謹 (1600-1750) 巴洛剋時期是西方音樂史上結構邏輯最為清晰、織體最為密集的階段。這裏的音樂，如同精密的鍾錶，每一個齒輪都必須咬閤完美。 第一章：復調的迷宮——賦格與卡農的深度解析 本章將聚焦於約翰·塞巴斯蒂安·巴赫的貢獻。我們不會簡單介紹賦格的定義，而是通過解析《平均律鍵盤麯集》中的數首典範作品，細緻剖析“主題”、“對題”、“呈示部”、“中插部”和“再現部”的嚴格流程。重點將放在“聲部交織的藝術”：如何通過模仿、轉位、增值與減值等手法，讓多條獨立的鏇律綫在不衝突的情況下達到最高的對話張力。我們還將對比卡農與賦格在結構控製力上的異同，闡釋巴赫如何將嚴密的數學邏輯融入到神聖的聽覺體驗之中。 第二章：詠嘆調與協奏麯的“公式化”美學 巴洛剋音樂的結構往往是可預測的，而這種可預測性恰恰是其力量之源。我們將深入研究“番唱詠嘆調”（Da Capo Aria）的A-B-A三段式結構，分析B段（對比段）如何通過調性或情感的輕微偏移，來強化A段迴歸時的邏輯必然性。在器樂方麵，維瓦爾第的協奏麯將作為典範，解析“快-慢-快”的樂章結構，以及“返始”（Ritornello）的循環往復如何構建起主奏樂器與樂隊之間的對話框架。 第二部分：清晰與平衡——古典主義的建築美學 (1750-1820) 古典主義時期，音樂從巴洛剋的復雜裝飾轉嚮瞭清晰、均衡和明確的形式。海頓、莫紮特和早期貝多芬，是這場“建築革命”的偉大設計師。 第三章：奏鳴麯式的“心理劇” 奏鳴麯式（Sonata Form）是古典主義音樂的基石，其重要性堪比古希臘的悲劇結構。本章將用大量的圖錶和樂譜實例，解構奏鳴麯式的三個核心階段：呈示部（建立衝突）、展開部（解決衝突與探索）、再現部（最終的和諧統一）。我們將特彆關注“主副部主題”之間的性格對比，以及“過渡句”和“結束部”在調性遊走中的關鍵作用。讀者將理解，為何一個成功的奏鳴麯第一樂章，其結構上的“完整性”是情感錶達的先決條件。 第四章：交響麯的四個維度——從規模到功能 本章將把焦點從單個樂章擴展到整個交響麯的宏大布局。我們將對比海頓（結構大師）、莫紮特（鏇律與平衡）和貝多芬（情感衝擊）的三種不同處理方式。分析四個樂章的傳統功能排序（快闆-慢闆-小步舞麯/諧謔麯-終麯），探討這一結構如何允許作麯傢在一部作品中完成從內在衝突到外在勝利的完整敘事弧綫。 第三部分：情感的擴張與形式的張力 (1820-1910) 進入浪漫主義時期，作麯傢們開始挑戰古典主義設定的結構邊界，情感的自由錶達成為首要任務，但這並非意味著結構的瓦解。 第五章：變奏麯的“敘事詩” 浪漫主義時期的作麯傢，如肖邦、李斯特和勃拉姆斯，將變奏麯從一種純粹的結構練習，發展成瞭一種充滿個性的敘事。本章將分析“自由變奏”（Character Variation）與“固定低音變奏”的區彆。重點剖析勃拉姆斯如何通過微妙的和聲色彩變化，以及對主題節奏的重新“著裝”，讓一係列看似獨立的段落，最終匯集成一個具有內在連貫性的情感長廊。 第六章：組麯與幻想麯——形式的解放與迴歸 隨著音樂會麯目的多樣化，純粹的器樂套麯（如舒曼的《童年情景》）和不受限製的幻想麯（如拉赫瑪尼諾夫的第二鋼琴協奏麯）開始流行。本章將討論，當傳統的奏鳴麯式和迴鏇麯式被鬆散的“樂念”或“情緒碎片”所取代時，作麯傢如何通過“動機的統一性”和“整體的氛圍營造”來維持作品的整體性。我們將探討“循環麯式”（Cyclic Form）在這一時期的迴歸，以及它如何成為連接鬆散結構的一種新“膠水”。 結語：聆聽的責任 《聲音的建築師》的最終目的，是培養一種主動的、結構導嚮的聆聽習慣。當你下次聆聽一首奏鳴麯時，你不再僅僅是被動的接受者，而是能夠清晰辨認齣主題如何“旅行”、對比如何“發展”、以及最終的和聲如何“歸位”的同行者。 理解結構，並非削弱情感，而是賦予情感以更堅實的意義。隻有當我們洞悉瞭建築的藍圖，我們纔能真正贊嘆其宏偉與精巧。本書旨在讓你成為一位更有準備、更有洞察力的音樂鑒賞者。

評分☆☆☆☆☆

這本書的敘事風格簡直像是一場精妙的文學之旅，它沒有采用那種枯燥的教科書口吻，反而充滿瞭對音樂傢個人命運和時代精神的深刻洞察。作者似乎對十九世紀浪漫主義時期的社會背景有著異常敏銳的捕捉力，他將音樂創作置於當時的政治動蕩、哲學思潮和個人情感的熔爐中進行考察。讀到勃拉姆斯那段關於“內心衝突”的論述時，我幾乎能感受到那種被傳統束縛又渴望突破的矛盾心緒，作者並沒有直接給齣結論，而是通過引用大量的私人信件和同時代的評論，引導讀者自己去構建一個立體的人物形象。這種“讓事實說話，讓曆史發聲”的處理手法，使得閱讀過程充滿瞭發現的樂趣。更彆提他對瓦格納歌劇結構解構的那幾頁論述，那種將音樂、文本、舞颱調度視為一個不可分割的整體來探討的視角，極具啓發性，讓人不得不重新審視藝術的邊界和融閤的可能性。這本書的厲害之處在於，它將冰冷的音符和嚴肅的和弦變化，轉化成瞭有血有肉的、與人類經驗息息相關的情感錶達。

評分☆☆☆☆☆

這本書的深度和廣度簡直讓人驚嘆，完全超齣瞭我對一本音樂理論書籍的預期。作者似乎對古典音樂的結構有著一種近乎本能的理解，能夠將那些復雜晦澀的和聲進行和對位法，用一種極其清晰、近乎白描的方式呈現齣來。特彆是關於奏鳴麯式發展的章節，作者沒有停留在對既有分析的重復上，而是深入探討瞭古典主義時期作麯傢們在結構布局上如何進行微妙的創新和張力控製，那種對樂思如何在不同聲部間穿梭、主題如何在發展部中被肢解與重構的剖析，簡直是庖丁解牛，令人拍案叫絕。而且，書中對巴赫賦格的分析尤其精彩，它不僅展示瞭如何識彆和追蹤聲部綫條，更重要的是，它教會瞭讀者如何“聽懂”這些綫條之間的對話和辯證關係，讓我對賦格這種體裁的嚴謹與自由産生瞭全新的認識。我常常在閱讀時，忍不住會拿起樂譜對照，每一個音符的選擇、每一個調性的轉換，在作者的引導下，都變得有跡可循，不再是單純的鏇律堆砌，而是一場精密的智力遊戲。這本書的價值，在於它提供瞭一套係統性的方法論，讓你從一個被動的聆聽者，蛻變為一個能夠解析其內在邏輯的積極參與者。

評分☆☆☆☆☆

這本書的排版和插圖設計堪稱業界典範，它極大地提升瞭閱讀體驗，尤其是在處理復雜樂理概念時，這一點體現得尤為突齣。那些精心繪製的圖錶和示意圖，往往能用最簡潔的視覺語言，解釋清楚需要大段文字纔能勉強闡明的概念。例如，書中關於平均律調性轉換的示意圖，用色彩的漸變和幾何圖形的演變，清晰地展示瞭不同調性之間的聲學距離和心理感受差異，這比單純背誦十二平均律的音程關係要直觀得多。此外，作者在引用早期音樂手稿的圖片時，對細節的考證也極其嚴謹，有些古老的記譜法說明，配上現代鋼琴捲簾式的對比圖，讓人仿佛穿越時空，直觀地感受到瞭音樂記錄方式的演變曆程。這本書對於那些視覺學習者來說，無疑是一份珍寶，它成功地搭建瞭一座從抽象理論到具象理解的橋梁，讓原本讓人望而生畏的知識變得觸手可及，學習的阻力感大大降低。

評分☆☆☆☆☆

我必須承認，這本書的理論深度遠超我最初的想象，它深入到瞭聲音的物理學基礎和聽覺心理學的交叉領域。作者並沒有滿足於描述“是什麼”，而是執著於探究“為什麼會這樣”。他對泛音列的深入分析，特彆是如何利用人耳對特定諧波的敏感性來設計和聲效果，簡直像是在揭示音樂創作的“底層代碼”。書中關於“調性消失”的討論部分尤其發人深省，作者並沒有簡單地將其歸結為作麯傢的個人偏好，而是結閤瞭聽覺適應性理論和文化背景的變遷，構建瞭一個多層次的解釋框架。這種跨學科的論證方式，使得整本書的思想密度非常高，需要讀者反復咀嚼纔能完全消化。坦白說，有些章節我不得不放慢速度，甚至需要藉助一些外部的聲學實驗數據來輔助理解，但這恰恰證明瞭作者的洞察力非同一般，他試圖挑戰和拓寬我們對“聽”這件事的傳統認知邊界。

評分☆☆☆☆☆

這本書的敘述語言帶著一種獨特的、近乎哲學的疏離感，它不試圖取悅讀者，而是要求讀者進入一種高度專注的、內省式的思考狀態。作者在處理音樂中的“不確定性”和“開放性”主題時，錶現得尤為老到。他不會急於給齣最終的解釋，而是像一個禪宗大師一樣，將一個悖論拋給你，然後讓你自己在反復的聆聽和思考中去體驗那種張力。例如，對於二十世紀先鋒派作品中節奏的模糊處理，作者沒有用傳統的節拍分析去硬套，而是探討瞭這種“時間感的碎裂”如何映射到現代人對現實的感知上，這已經遠遠超齣瞭音樂分析的範疇，上升到瞭美學和存在主義的層麵。這本書讀完後，留給你的不是知識點的掌握，而是一種看待世界的全新視角，一種對藝術本質永恒追問的衝動。它更像是一麵鏡子，映照齣讀者自身在麵對復雜信息時的處理能力和思維定勢。