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[美] 特德焦亚 著

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出版社： 北京联合出版有限责任公司

ISBN：9787550287327

商品编码：28449457115

出版时间：2018-05-01

作  者:(美)特德·焦亚(Ted Gioia) 著；孙新恺 译 定  价:45 出 版 社:北京联合出版公司 出版日期:2018年05月01日 页  数:248 装  帧:平装 ISBN:9787550287327 ●引言
● 节奏之谜
●第二章 走进音乐
●第三章 爵士乐的结构
●第四章 爵士乐的起源
●第五章 爵士乐风格的演变
●第六章 走近爵士乐革新家
●第七章 在当代聆听爵士乐
●附录 150位爵士名家：处于事业早期或中期的爵士大师
●致谢

内容简介

爵士乐的精髓何在？我们该如何品鉴大师级的演奏？即兴演奏就是随意发挥吗？为什么听、如何听、听什么、听谁的，有关爵士乐的种种疑问，你都将在这里找到答案。
美国杰出音乐史学家、资历爵士乐评论家特德·焦亚在《如何听爵士》中与我们分享了自己的赏乐之道，他从爵士乐的核心谈起，扩展至爵士乐的结构、历史、流派、名家赏析，以深入浅出的语言向我们讲述了“如何听爵士”，只要用心聆听，定能深入爵士乐纷繁复杂的世界中，揭示其魅力所在。 (美)特德·焦亚(Ted Gioia) 著；孙新恺 译 特德·焦亚，钢琴演奏家、爵士乐资历评论家、音乐史学家，著有《爵士的历史》（The History of Jazz）以及《爵士乐标准曲》 （The Jazz Standards）等相关音乐书籍10种，作品屡获殊荣。他被《达拉斯晨报》誉为“美国杰出的音乐史学家之一”，并于2017年获得了由“爵士乐新闻记者出版协会”授予的“爵士乐终身成就奖”。 序言什么是爵士乐？也许每个人都有自己的答案。然而你可能不曾意识到，你听到的爵士乐并不是真正的爵士乐。你心中的爵士乐，也许是跟爱人晚餐时餐厅里时隐时现的背景音乐，也许是挑选唱片时店里播放的爵士乐，或者是来自一段电波，或者是源于某一个现场。没错，这些都是爵士乐，但是这些都不能代表真正的爵士乐。爵士乐从诞生之初就在不断吸收各种类型的音乐元素与文化特征，100多年过去了，现在的爵士乐已然是一个丰富而多样的广阔世界，早已不是只言片语、几首乐曲所能概括。爵士乐中有抗争的历史、文化的冲撞、情感的宣泄，乃至对人性的拷问。也许你能够体会切特·贝克的忧郁，也能感受到戴安娜·克瑞儿的欢快，然而，如果你无法理解约翰·科尔特兰对于人性的探索，那么你就不能算是真正理解爵士乐。想理解爵士乐，就一定要深入它的精神核心，要回到当时的历史背景里，在那个时刻、那个环境中，去感受爵士乐手以无词的纯音乐所表达出的更深层次的人性体验等

《声音的建筑师：古典音乐中的结构与情感》 一部深度剖析古典音乐宏伟殿堂的导览手册，带你穿越时空，领略巴洛克、古典主义与浪漫主义的精髓与技艺。 导言：聆听，是重新观看 我们常常在音乐厅中被旋律的流动和和声的丰满所打动，但古典音乐的真正魅力，远不止于此。它是一门严谨的“声音的建筑学”，每一个音符、每一个乐章的展开，都遵循着深思熟虑的结构逻辑。 本书《声音的建筑师：古典音乐中的结构与情感》，并非着眼于快速入门或肤浅的背景介绍。它是一次深入骨髓的探访，旨在揭示隐藏在宏大交响诗、精巧奏鸣曲和复杂赋格背后的“骨架”与“蓝图”。我们将带领读者，从全新的视角审视贝多芬的力度对比、巴赫的对位织体以及莫扎特的清晰形态，理解这些看似抽象的音乐元素，如何精确地构建起人类情感的最复杂形态。 第一部分：根基的搭建——巴洛克时期的逻辑严谨 (1600-1750) 巴洛克时期是西方音乐史上结构逻辑最为清晰、织体最为密集的阶段。这里的音乐，如同精密的钟表，每一个齿轮都必须咬合完美。 第一章：复调的迷宫——赋格与卡农的深度解析 本章将聚焦于约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的贡献。我们不会简单介绍赋格的定义，而是通过解析《平均律键盘曲集》中的数首典范作品，细致剖析“主题”、“对题”、“呈示部”、“中插部”和“再现部”的严格流程。重点将放在“声部交织的艺术”：如何通过模仿、转位、增值与减值等手法，让多条独立的旋律线在不冲突的情况下达到最高的对话张力。我们还将对比卡农与赋格在结构控制力上的异同，阐释巴赫如何将严密的数学逻辑融入到神圣的听觉体验之中。 第二章：咏叹调与协奏曲的“公式化”美学 巴洛克音乐的结构往往是可预测的，而这种可预测性恰恰是其力量之源。我们将深入研究“番唱咏叹调”（Da Capo Aria）的A-B-A三段式结构，分析B段（对比段）如何通过调性或情感的轻微偏移，来强化A段回归时的逻辑必然性。在器乐方面，维瓦尔第的协奏曲将作为典范，解析“快-慢-快”的乐章结构，以及“返始”（Ritornello）的循环往复如何构建起主奏乐器与乐队之间的对话框架。 第二部分：清晰与平衡——古典主义的建筑美学 (1750-1820) 古典主义时期，音乐从巴洛克的复杂装饰转向了清晰、均衡和明确的形式。海顿、莫扎特和早期贝多芬，是这场“建筑革命”的伟大设计师。 第三章：奏鸣曲式的“心理剧” 奏鸣曲式（Sonata Form）是古典主义音乐的基石，其重要性堪比古希腊的悲剧结构。本章将用大量的图表和乐谱实例，解构奏鸣曲式的三个核心阶段：呈示部（建立冲突）、展开部（解决冲突与探索）、再现部（最终的和谐统一）。我们将特别关注“主副部主题”之间的性格对比，以及“过渡句”和“结束部”在调性游走中的关键作用。读者将理解，为何一个成功的奏鸣曲第一乐章，其结构上的“完整性”是情感表达的先决条件。 第四章：交响曲的四个维度——从规模到功能 本章将把焦点从单个乐章扩展到整个交响曲的宏大布局。我们将对比海顿（结构大师）、莫扎特（旋律与平衡）和贝多芬（情感冲击）的三种不同处理方式。分析四个乐章的传统功能排序（快板-慢板-小步舞曲/谐谑曲-终曲），探讨这一结构如何允许作曲家在一部作品中完成从内在冲突到外在胜利的完整叙事弧线。 第三部分：情感的扩张与形式的张力 (1820-1910) 进入浪漫主义时期，作曲家们开始挑战古典主义设定的结构边界，情感的自由表达成为首要任务，但这并非意味着结构的瓦解。 第五章：变奏曲的“叙事诗” 浪漫主义时期的作曲家，如肖邦、李斯特和勃拉姆斯，将变奏曲从一种纯粹的结构练习，发展成了一种充满个性的叙事。本章将分析“自由变奏”（Character Variation）与“固定低音变奏”的区别。重点剖析勃拉姆斯如何通过微妙的和声色彩变化，以及对主题节奏的重新“着装”，让一系列看似独立的段落，最终汇集成一个具有内在连贯性的情感长廊。 第六章：组曲与幻想曲——形式的解放与回归 随着音乐会曲目的多样化，纯粹的器乐套曲（如舒曼的《童年情景》）和不受限制的幻想曲（如拉赫玛尼诺夫的第二钢琴协奏曲）开始流行。本章将讨论，当传统的奏鸣曲式和回旋曲式被松散的“乐念”或“情绪碎片”所取代时，作曲家如何通过“动机的统一性”和“整体的氛围营造”来维持作品的整体性。我们将探讨“循环曲式”（Cyclic Form）在这一时期的回归，以及它如何成为连接松散结构的一种新“胶水”。 结语：聆听的责任 《声音的建筑师》的最终目的，是培养一种主动的、结构导向的聆听习惯。当你下次聆听一首奏鸣曲时，你不再仅仅是被动的接受者，而是能够清晰辨认出主题如何“旅行”、对比如何“发展”、以及最终的和声如何“归位”的同行者。 理解结构，并非削弱情感，而是赋予情感以更坚实的意义。只有当我们洞悉了建筑的蓝图，我们才能真正赞叹其宏伟与精巧。本书旨在让你成为一位更有准备、更有洞察力的音乐鉴赏者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和插图设计堪称业界典范，它极大地提升了阅读体验，尤其是在处理复杂乐理概念时，这一点体现得尤为突出。那些精心绘制的图表和示意图，往往能用最简洁的视觉语言，解释清楚需要大段文字才能勉强阐明的概念。例如，书中关于平均律调性转换的示意图，用色彩的渐变和几何图形的演变，清晰地展示了不同调性之间的声学距离和心理感受差异，这比单纯背诵十二平均律的音程关系要直观得多。此外，作者在引用早期音乐手稿的图片时，对细节的考证也极其严谨，有些古老的记谱法说明，配上现代钢琴卷帘式的对比图，让人仿佛穿越时空，直观地感受到了音乐记录方式的演变历程。这本书对于那些视觉学习者来说，无疑是一份珍宝，它成功地搭建了一座从抽象理论到具象理解的桥梁，让原本让人望而生畏的知识变得触手可及，学习的阻力感大大降低。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度简直让人惊叹，完全超出了我对一本音乐理论书籍的预期。作者似乎对古典音乐的结构有着一种近乎本能的理解，能够将那些复杂晦涩的和声进行和对位法，用一种极其清晰、近乎白描的方式呈现出来。特别是关于奏鸣曲式发展的章节，作者没有停留在对既有分析的重复上，而是深入探讨了古典主义时期作曲家们在结构布局上如何进行微妙的创新和张力控制，那种对乐思如何在不同声部间穿梭、主题如何在发展部中被肢解与重构的剖析，简直是庖丁解牛，令人拍案叫绝。而且，书中对巴赫赋格的分析尤其精彩，它不仅展示了如何识别和追踪声部线条，更重要的是，它教会了读者如何“听懂”这些线条之间的对话和辩证关系，让我对赋格这种体裁的严谨与自由产生了全新的认识。我常常在阅读时，忍不住会拿起乐谱对照，每一个音符的选择、每一个调性的转换，在作者的引导下，都变得有迹可循，不再是单纯的旋律堆砌，而是一场精密的智力游戏。这本书的价值，在于它提供了一套系统性的方法论，让你从一个被动的聆听者，蜕变为一个能够解析其内在逻辑的积极参与者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格简直像是一场精妙的文学之旅，它没有采用那种枯燥的教科书口吻，反而充满了对音乐家个人命运和时代精神的深刻洞察。作者似乎对十九世纪浪漫主义时期的社会背景有着异常敏锐的捕捉力，他将音乐创作置于当时的政治动荡、哲学思潮和个人情感的熔炉中进行考察。读到勃拉姆斯那段关于“内心冲突”的论述时，我几乎能感受到那种被传统束缚又渴望突破的矛盾心绪，作者并没有直接给出结论，而是通过引用大量的私人信件和同时代的评论，引导读者自己去构建一个立体的人物形象。这种“让事实说话，让历史发声”的处理手法，使得阅读过程充满了发现的乐趣。更别提他对瓦格纳歌剧结构解构的那几页论述，那种将音乐、文本、舞台调度视为一个不可分割的整体来探讨的视角，极具启发性，让人不得不重新审视艺术的边界和融合的可能性。这本书的厉害之处在于，它将冰冷的音符和严肃的和弦变化，转化成了有血有肉的、与人类经验息息相关的情感表达。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙述语言带着一种独特的、近乎哲学的疏离感，它不试图取悦读者，而是要求读者进入一种高度专注的、内省式的思考状态。作者在处理音乐中的“不确定性”和“开放性”主题时，表现得尤为老到。他不会急于给出最终的解释，而是像一个禅宗大师一样，将一个悖论抛给你，然后让你自己在反复的聆听和思考中去体验那种张力。例如，对于二十世纪先锋派作品中节奏的模糊处理，作者没有用传统的节拍分析去硬套，而是探讨了这种“时间感的碎裂”如何映射到现代人对现实的感知上，这已经远远超出了音乐分析的范畴，上升到了美学和存在主义的层面。这本书读完后，留给你的不是知识点的掌握，而是一种看待世界的全新视角，一种对艺术本质永恒追问的冲动。它更像是一面镜子，映照出读者自身在面对复杂信息时的处理能力和思维定势。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的理论深度远超我最初的想象，它深入到了声音的物理学基础和听觉心理学的交叉领域。作者并没有满足于描述“是什么”，而是执着于探究“为什么会这样”。他对泛音列的深入分析，特别是如何利用人耳对特定谐波的敏感性来设计和声效果，简直像是在揭示音乐创作的“底层代码”。书中关于“调性消失”的讨论部分尤其发人深省，作者并没有简单地将其归结为作曲家的个人偏好，而是结合了听觉适应性理论和文化背景的变迁，构建了一个多层次的解释框架。这种跨学科的论证方式，使得整本书的思想密度非常高，需要读者反复咀嚼才能完全消化。坦白说，有些章节我不得不放慢速度，甚至需要借助一些外部的声学实验数据来辅助理解，但这恰恰证明了作者的洞察力非同一般，他试图挑战和拓宽我们对“听”这件事的传统认知边界。