影视动画造型基础(普通高等教育十一五规划教材) 9787040317008 高等教育出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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丁海祥，姚桂萍 著

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店铺： 晚秋画月图书专营店

出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040317008

商品编码：29423892653

包装：平装

出版时间：2011-05-01

基本信息

书名：影视动画造型基础(普通高等教育十一五规划教材)

定价：21.60元

作者：丁海祥, 姚桂萍

出版社：高等教育出版社

出版日期：2011-05-01

ISBN：9787040317008

字数：130000

页码：

版次：5

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.241kg

编辑推荐

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　　本书系统地讲解了动画角色设计过程中可能遇到的方方面面的问题和可以采用的工作方法，读者可以通过它了解角色设计的全貌——虽然我们在屏幕上看到的动画片非常有趣，但动画角色设计工作本身纷繁复杂，需要将艺术与技术相结合，需要具备信心与耐心。本书是一本动画角色设计的入门读物，它不仅适合动画前期创作人员阅读，更是一本介绍动画设计常识的普及读物。

内容提要

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　　本书是普通高等教育“十一五”*规划教材。本书详述影视动画角色设计过程，介绍动画角色设计人员应该具备的能力和素养，通过典型实例解析设计过程中角色、场景、剧本、策划方面的基本常识和方法。主要内容包括：角色设计的常识和基本理论、角色设计的各种风格和这些风格各自的特征、角色设计的流程、人物形象设计的要素、基础造型、角色设计的标准格式和绘制方法。本书结合了大量实例，能帮助读者形象地了解影视动画角色设计过程，对实际操作具有很强的指导意义。《影视动画造型基础》可作为应用性、技能型人才培养的各类教育“影视动画造型”课程的教学用书，也可供影视动画造型设计从业人员和爱好者参考使用。

目录

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章 概论 1.1 动画的人物与人物的动画 1.2 角色定位与产业运作 1.3 设计依据 1.4 角色构成 思考与练习第2章 艺术风格 2.1 各类动画片的艺术风格 2.2 拟人化造型 2.3 写意类造型 思考与练习第3章 角色设计流程 3.1 收集素材 3.2 角色头部设计 3.3 角色身体设计 3.4 角色手脚设计 3.5 动植物角色设计 思考与练习第4章 角色设定 4.1 服装 4.2 色彩 4.3 性格 4.4 道具 4.5 角色互动 4.6 角色与环境的搭配 思考与练习第5章 基础造型 5.1 剪影 5.2 以线条为主 5.3 夸张变形 思考与练习第6章 标准图纸 6.1 三视图 6.2 转面 6.3 表情 6.4 动作 6.5 道具 6.6 比例图 6.7 气氛图 思考与练习参考文献后记

作者介绍

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文摘

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序言

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光影之舞，塑形万象：当代影视动画造型艺术探索 本书并非关于《影视动画造型基础（普通高等教育“十一五”规划教材）》的介绍。相反，它将带领读者踏上一段深入探索当代影视动画造型艺术独特魅力与创作实践的旅程。我们聚焦于动画造型在视觉叙事、情感表达以及世界构建中的关键作用，力求揭示其背后深邃的理论支撑与生动的实践方法。 第一章：造型的语言——从概念到视觉的桥梁 动画造型绝非简单的线与面的堆砌，而是承载信息、传达情感、塑造个性的视觉语言。本章将深入剖析构成动画造型的基础元素，包括点、线、面、体、色彩、肌理等，并探讨这些基础元素如何相互作用，共同构建出具有辨识度和生命力的角色、场景与道具。我们将追溯造型艺术在不同历史时期、不同文化背景下的演变轨迹，分析其与时代审美、技术发展以及社会思潮的关联。 形状与轮廓的张力： 探讨不同几何形状（如圆形、方形、三角形）所蕴含的心理暗示与象征意义，以及它们在塑造角色性格、暗示环境氛围方面的作用。例如，圆润的曲线常带来柔和、友善的感觉，而尖锐的棱角则可能暗示危险、冲突或力量。我们将分析艺术家如何巧妙运用轮廓线来增强角色的动感、体积感和材质感。 色彩的叙事： 深入研究色彩在动画造型中的功能性与表现力。从色调、饱和度、明度等基础属性出发，探讨如何运用色彩的冷暖、对比、和谐等关系来烘托情绪、营造氛围、引导观众视线，甚至暗示角色的内心状态。例如，暖色调常用于营造温暖、活力或危险的氛围，而冷色调则可能传达宁静、忧郁或疏离感。我们将分析不同文化中色彩的象征意义及其在动画中的应用。 肌理与质感的触感： 探讨如何通过造型设计来赋予物体“触感”，使其在视觉上呈现出不同的材质特性，如光滑、粗糙、柔软、坚硬等。这将涉及对不同材质（金属、布料、木材、皮肤等）表面纹理、光泽度、反光等细微之处的观察与表现。真实的肌理感不仅能增强画面的质感，更能丰富观众的感知体验。 体积与空间的呼吸： 强调造型艺术并非平面创作，而是对三维空间的模拟与构建。我们将探讨如何通过明暗、透视、虚实等手法来表现物体的体积感、空间感以及物体之间的相互关系。一个饱满的造型意味着其内在的生命力，而恰当的空间关系则能让画面“呼吸”，引导观众的目光在场景中自由游走。 第二章：角色设计的灵魂——赋予生命与情感的塑造 角色是动画作品的灵魂，其造型设计直接决定了角色能否被观众接受、喜爱并产生共鸣。本章将聚焦于动画角色造型的设计原理与创作流程，从概念发想到细节雕琢，层层深入。 原型与原型寓言： 探讨动画角色设计中的原型理论，分析经典原型（如英雄、反派、导师、调皮鬼等）在角色塑造中的价值。理解原型可以帮助我们更有效地为角色赋予超越表面特征的深层含义和心理动机。我们将研究艺术家如何巧妙地颠覆或融合原型，创造出独特而富有魅力的角色。 形体与动作的联动： 深入分析角色形体比例、骨骼结构、肌肉走向等生理学基础如何影响角色的视觉表现力和动作潜力。一个好的角色造型，其自身就蕴含着丰富的动作可能性。我们将研究如何通过体态、姿势来传递角色的性格、情绪状态以及职业特征。 服饰与道具的叙事： 探讨服装、配饰、武器等道具在角色造型设计中的重要作用。这些元素不仅是角色的“外衣”，更是其身份、地位、经历、甚至内心世界的 visual clue。我们将分析如何通过服饰的材质、款式、色彩以及道具的细节来丰富角色的背景故事和个性特征。 表情与情绪的传递： 深入研究面部表情、肢体语言等如何被设计和夸张，以精准地传达角色的喜怒哀乐、恐惧、惊讶等复杂情感。我们将探讨不同文化背景下对表情的理解差异，以及如何在动画造型中实现普遍的情感共鸣。 独特性与辨识度的构建： 强调在大量角色涌现的动画世界中，如何通过独特的造型元素、标志性的特征，让角色脱颖而出，给观众留下深刻印象。这可能涉及对动物、植物、机械、甚至抽象概念的借鉴与变形。 第三章：世界观的搭建——场景与道具的营造 动画的世界，无论是奇幻瑰丽还是写实细腻，都需要通过场景与道具的造型设计来得以具象化，从而构建出令观众信服并沉浸其中的视觉环境。 环境造型的叙事性： 探讨场景造型如何反映故事发生的时间、地点、文化背景、社会阶层，甚至预示着故事的发展走向。我们将分析如何通过建筑风格、自然景观、室内陈设等元素的造型设计来营造独特的氛围，并为角色提供行为发生的舞台。 道具的象征与功能： 深入研究道具造型的设计不仅要符合其功能性，更要具备一定的象征意义，能够烘托情节，强化角色，甚至成为推动故事发展的关键。我们将分析如何通过道具的材质、年代感、磨损程度等细节来赋予其生命力和故事性。 设计风格的统一与延展： 探讨在构建一个完整的动画世界时，如何确保场景、道具、角色造型在风格上的统一性与连贯性，从而形成一个 cohesive 的视觉体系。这将涉及对艺术风格（如写实、卡通、蒸汽朋克、赛博朋克等）的理解与应用。 视觉语言的构建： 分析场景与道具造型如何与其他视觉元素（如光影、色彩、构图）相互配合，共同构建出富有表现力的动画视觉语言，引导观众的视线，强化故事的情感基调。 第四章：技术与艺术的交融——数字时代的造型创新 随着数字技术的飞速发展，动画造型的创作手段日益丰富，艺术表现力也得到了前所未有的拓展。本章将探讨数字技术如何革新动画造型的创作流程，以及艺术家如何驾驭这些新技术来突破传统的边界。 三维建模与数字雕塑： 介绍三维建模软件（如Maya, Blender, ZBrush等）在角色、场景、道具造型设计中的应用。我们将探讨如何利用数字雕塑工具实现精细的表面纹理、复杂的结构以及高逼真度的造型。 纹理贴图与材质渲染： 深入研究纹理贴图和材质渲染技术如何赋予数字模型逼真的表面质感和光影效果。我们将分析如何通过PBR（Physically Based Rendering）等技术来模拟真实世界的光照原理，提升画面的真实感和表现力。 程序化生成与算法美学： 探讨程序化生成技术在大规模场景、复杂纹理、随机细节生成方面的潜力。我们将分析算法如何辅助造型设计，创造出令人惊叹的视觉效果，并引发对“算法美学”的思考。 实时渲染与交互式造型： 介绍实时渲染技术在游戏动画、虚拟现实等领域的应用。我们将探讨实时渲染如何改变造型设计的反馈机制，以及艺术家如何在这种高效的创作环境中进行探索与创新。 AI在造型创作中的探索： 审视人工智能在图像生成、风格迁移、细节完善等方面的初步应用，并探讨其对未来动画造型创作可能带来的影响与机遇。我们将强调 AI 作为工具，其价值的实现仍取决于艺术家的创意与驾驭能力。 第五章：风格化的极致——个性与创意的表达 在信息爆炸的时代，独特的风格化是动画造型脱颖而出的关键。本章将深入探讨如何通过对现实的提炼、抽象与变形，创造出具有强烈个人风格和艺术辨识度的动画造型。 风格的起源与演变： 回溯不同艺术流派（如野兽派、立体派、表现主义等）对动画造型风格的影响，以及当代动画中涌现出的各种风格化趋势。 夸张与变形的艺术： 深入分析动画造型中常用的夸张与变形手法，以及如何通过这些手法来强化角色的个性、情绪和动作的表现力，从而超越现实的束缚，达到独特的艺术效果。 抽象与具象的边界： 探讨在动画造型设计中，如何根据故事的需求，在抽象与具象之间找到恰当的平衡点，创造出既有表现力又不失叙事性的视觉形象。 文化基因与本土特色： 分析不同文化背景下的审美偏好和艺术传统如何在动画造型中得到体现，以及如何通过融合与创新，赋予动画造型独特的文化魅力。 创意无限的实践： 鼓励读者打破思维定势，勇于尝试新的造型理念和表现方式，在实践中不断探索和发展属于自己的艺术风格。 结语：永恒的创造力——为未来而设计 影视动画造型艺术是一个充满活力与无限可能的领域。从经典叙事到前沿探索，从传统手绘到数字革新，造型艺术家们始终在用他们的眼睛观察世界，用他们的双手创造奇迹。本书旨在提供一个广阔的视野和深入的思考，激发读者对动画造型艺术的热情，并鼓励他们在未来的创作道路上，不断学习、实践、创新，为观众带来更多令人惊叹的视觉体验。每一条线，每一个面，每一个色彩，都承载着创作者的智慧与情感，共同编织着数字时代的视觉神话。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种深邃的蓝色调，配上简洁的排版，立刻就给人一种专业、严谨的感觉。我是在图书馆偶然看到它的，当时只是随便翻了翻，就被里面那些精美的插图吸引住了。那些关于角色设计稿和场景概念图的展示，简直就是视觉盛宴。我尤其欣赏作者在细节处理上的用心，比如即便是最基础的几何体造型练习，他们也配上了非常清晰的步骤分解图，这对于初学者来说太友好了。感觉这本书不仅仅是一本教材，更像是一本精心策划的艺术画册，激发了我对学习的热情。翻阅过程中，我能感受到编辑团队在筛选和呈现这些视觉资料时所花费的心思，每一个案例都经过了精挑细选，力求展现不同风格和文化背景下的造型艺术魅力。而且，这本书的纸张质感也非常好，厚实又不反光，阅读起来非常舒适，长时间盯着看也不会觉得眼睛疲劳。

评分☆☆☆☆☆

这本书的理论深度和广度是我之前读过的几本同类教材中少有的。它没有停留在教你“如何画得像”，而是深入探讨了“为什么这样设计会更有效”的内在逻辑。我特别喜欢其中关于“动态捕捉与夸张化处理”的那几个章节，作者用非常清晰的图示对比了写实与非写实的界限，并巧妙地引用了许多经典影视动画案例来佐证观点。这让我意识到，造型设计远不止是技巧的堆砌，它更关乎于情感的传达和叙事的需要。阅读这些分析，仿佛有位经验丰富的导师在我耳边细细讲解，拨开了许多我原本模糊不清的概念。尤其是关于如何平衡角色功能性和美学表达的那部分论述，让我对后续的创作有了更宏观的认识，不再局限于单一的模仿，而是学会了从更高层次去审视和构建一个视觉形象的整体性。

评分☆☆☆☆☆

作为一个自学成才的爱好者，我最大的痛点就是缺乏系统的反馈和明确的学习路径，而这本教材在结构编排上恰好解决了我的燃眉之急。它的章节递进非常自然，从最基础的透视和结构，逐步过渡到复杂的动态表现和材质分析，每学完一个单元，后面都有相应的练习题和自测项目。这些练习不是那种空泛的口号式要求，而是非常具体、可操作的实践任务。我按照书上的建议，尝试着去解构一些我喜欢的动画角色，结果在分析其骨架和体块关系时，豁然开朗。这本书就像一个耐心的向导，它知道我下一步应该往哪里走，每一步该迈多大步子。这使得学习过程不再是漫无目的的摸索，而变成了一种有计划、可量化的进步体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用价值体现在它对现代动画制作流程的紧密贴合。它介绍的许多造型方法论，都清晰地指向了三维软件操作中的实际应用，比如在角色概念设计阶段就必须考虑“拓扑结构友好性”的造型倾向。这对于我这种希望未来能无缝衔接到数字工作流程的学习者来说，简直是太关键了。它提供的范例和分析，很多都是基于当前主流影视制作的需求来构建的，而不是停留在过时的手绘理念中。这让我感觉自己学到的不仅仅是美术技巧，更是一种面向未来行业标准的工作思维。这本书真正做到了理论指导实践，让我确信，掌握了书中的知识体系，我在进入实际的动画制作领域时，会更有底气和竞争力。

评分☆☆☆☆☆

与其他市面上那些充斥着晦涩术语和过于学术化的教材相比，这本书的语言风格显得异常亲切和接地气。它没有刻意使用那些让人望而却步的专业名词，即便是引入了相关的艺术史概念，也总是能用生活化的比喻来解释清楚。我记得有段话是关于“视觉重心”的，作者把它比作是跷跷板，生动形象，一下子就抓住了核心要点。这种“去学术化”的处理，极大地降低了学习的门槛，让那些对传统艺术教育心存畏惧的人也能轻松上手。读起来感觉就像是和一位幽默风趣的前辈在咖啡馆里聊设计，轻松中又不失干货，非常适合作为入门或进阶的桥梁读物。