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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 上海教育出版社

ISBN：9787548524429

商品编码：29525861043

出版时间：2010-07-01

商品详情

• 是否是套装: 否
• 书名: 小奏鸣曲
• 定价: 32.00
• 出版社名称: 上海教育出版社
• 出版时间: 2010-7
• 作者: 江晨
• 作者地区: 中国大陆
• 开本: 16开
• 书名: 小奏鸣曲
• ISBN编号: 9787544429085

 

内容

《小奏鸣曲集》内容简介：关注视力健康一般琴谱的符头偏小，排列过密，纸张较薄、过白、易透。低龄儿童的视力尚未发育健全，成年人也有颇多、老花、眼疲劳的情况。这次特将符头适度放大、拉宽，挑选更为合适的纸张，印得更为清晰，对保护儿童视力，减轻成-人特别是老人的用眼负担很有好处。其实，让人看谱轻松点，增加舒适度，对提高兴趣、增率也有裨益。适应手的条件中国人的手相对较小，中国儿童学琴起始年龄一般比欧美早2-3岁，学琴者又以女性居多，所以新版本将跨度较大的指法做了些调整。这样，可以让中国的大部分学琴者弹得顺手，而手大者的训练要求仍用括号保留。

目录

Allegro  Op.20 No.1

Allegro  Op.20 No.2

Allegro com spirito  Op.20 No.3

Allegro  Op.55 No.1

Allegretto  Op.55 No.2

Allegro con spirito  Op.55 No.3

Spiritoso  Op.36 No.1

Allegretto  Op.36 No.2

Spiritoso  Op.36 No.3

Con spirito  Op.36 No.4

Presto  Op.36 No.5

Allegro con spirito  Op.36 No.6

Allegro con brio  Hob.XVI/35

Allegro  KV545

Allegro ma non troppo  Op.49 No.2

Allegro non tanto  Op.20 No.1

探索未知的音乐世界：精品音乐教程与理论著作精选 本期推荐的书目汇集了音乐学习的多个重要领域，旨在为不同阶段的音乐学习者和爱好者提供系统、深入的知识支持与实践指导。这些书籍涵盖了从基础乐理、和声学到特定乐器演奏技巧，以及音乐史与分析的广阔范围，其深度和广度足以满足进阶学习者的需求。 --- 一、 严谨系统的基础乐理与和声学进阶 1. 《十八世纪欧洲复调音乐的结构分析》 本书深入剖析了巴赫、亨德尔等大师作品中复调写作的核心技法。它不仅仅停留在对位法的表面介绍，而是着重探讨了卡农（Canon）、赋格（Fugue）在结构层次上的构建逻辑、主题的变形与发展，以及不同声部间互动产生的张力与平衡。书中配有大量乐谱示例，并采用现代音乐分析工具辅助读者理解复杂的织体密度和声进行规律。对于试图掌握古典主义时期对位技巧的学生而言，这是一部不可或缺的工具书。它强调的是“为什么”这样写，而非仅仅“如何”写，引导读者建立起深厚的结构意识。 2. 《浪漫主义晚期调性扩张与和声语言的演变》 本书聚焦于19世纪中后期，瓦格纳、李斯特乃至早期德彪西等作曲家如何挑战并最终拓展了传统调性体系的边界。内容详尽考察了增三和弦、半音和声、复杂的导音关系以及“模糊和弦”的使用，分析了这些和声创新对音乐情感表达的直接影响。书中通过详细的乐谱标注，清晰地展示了从C大调到色彩和声的渐进过程，帮助读者理解从功能和声向自由和声过渡的关键节点。对于高级和声学研究者，本书提供了从历史语境理解和声发展的全新视角。 3. 《二十世纪音乐节奏体系的革新：从斯特拉文斯基到简约主义》 这是一部关于节奏理论的里程碑式著作。它系统梳理了自20世纪初以来，作曲家们如何打破传统对称节拍的束缚。书中详细分析了不对称拍号、多重节拍（Polyrhythm）、非周期性节奏以及通过计算而非听觉感知的“机械节奏”（如米勒和赖利的作品）。本书特别关注了对非洲、亚洲音乐节奏的借鉴与融合，并提供了大量的节奏练习材料，旨在训练学习者对复杂时间结构的敏感度和控制力。 --- 二、 专注特定乐器演奏与技巧深化 4. 《室内乐演奏的心理学与合作技巧：弦乐四重奏实战指南》 本书超越了纯粹的技巧层面，深入探讨了室内乐，特别是弦乐四重奏中人与人之间的合作艺术。内容包括：如何建立统一的音色概念、如何通过眼神和呼吸进行“无声指挥”、如何处理不同声部的主导权转换、以及如何在排练中高效地解决技术与艺术分歧。书中收录了多位顶尖四重奏团体的访谈记录，分享了他们处理贝多芬、肖斯塔科维奇作品时的独到经验。它强调的是“共性”的建立，而非个人英雄主义的展现。 5. 《管风琴演奏中的踏板技巧与空间适应性》 这是一本针对管风琴演奏者的高级指南。它系统地分类和解析了从布克斯特胡德到弗雷格等不同时期管风琴的踏板使用技术，包括“脚尖-脚跟交替法”、“连续脚跟法”等。更重要的是，本书探讨了如何根据不同教堂或音乐厅的混响特性（如残响时间、音栓布局）来调整演奏力度和清晰度，确保音乐在特定空间中达到最佳效果。内容详实，附有针对性的脚位图解。 6. 《吉他指板的拓扑学：跨越音域的无缝连接》 本书从几何和空间角度重新审视了吉他指板。它不再按照传统的把位来划分练习，而是将指板视为一个连续的拓扑平面，教授如何通过特定的指型（Patterns）实现跨越多个把位的音阶、琶音和和弦的无缝转换，尤其是在速奏或复杂和声织体中。它重点介绍了“移位音型”和“垂直思维”，帮助学习者摆脱横向思维的局限，极大地提高了演奏效率和指板认知速度。 --- 三、 音乐史、美学与分析专题研究 7. 《中世纪至文艺复兴的“神圣”与“世俗”音乐主题对比研究》 本书专注于西方音乐史中一个关键的过渡时期。它对比分析了格里高利圣咏（Gregorian Chant）与早期世俗歌曲（如游吟诗人歌曲）在旋律线、调式基础、文本处理方式上的根本差异。通过对具体手稿（如克莱门蒂努斯手稿）的深入解读，作者揭示了音乐如何反映当时的宗教权威与民间文化之间的张力，以及复调的萌芽是如何在两个领域相互渗透的。 8. 《德彪西印象主义音乐的音色美学与色彩和声》 这本书将德彪西的音乐置于法国象征主义文学和视觉艺术的背景下进行考察。重点分析了其作品中对全音阶、五声音阶的运用，以及如何通过对和弦的“悬置”处理来营造色彩感而非传统的功能性。书中详细解析了《前奏曲》中“雨滴的敲打”、“月光”等篇章的配器手法，解释了作曲家如何将听觉体验转化为流动的、非线性的画面感，是研究印象派音乐色彩理论的权威参考。 9. 《贝多芬后期奏鸣曲的叙事结构与心理深度》 本研究深入剖析了贝多芬晚期钢琴奏鸣曲（如Op. 109, 110, 111）的复杂结构。它认为这些作品不再遵循古典奏鸣曲式的外壳，而是发展出一种更为自由、高度个人化的“叙事结构”。分析聚焦于变奏曲的内涵深化、赋格段落的象征意义，以及如何通过极端的力度对比和节奏处理来表达哲学层面的挣扎与超越。本书为演奏者提供了理解这些“精神遗产”的钥匙，强调了技术服务于深刻思想表达的原则。 --- 四、 民族音乐学与当代应用研究 10. 《全球化背景下的中国传统戏曲音乐的数字化保护与创新》 本书探讨了在当代信息技术飞速发展的背景下，如何对昆曲、京剧等复杂声腔体系的音乐进行准确的采集、建模和数字化呈现。内容涉及对传统板式结构、腔体韵味（如“行腔”）的声学分析，以及如何利用多媒体技术创造出既尊重原作又具备现代传播力的交互式学习资源。它强调了文化传承中“活态保护”的重要性，避免技术对艺术本体的削弱。 11. 《即兴演奏中的听觉训练与模式识别：爵士乐与布鲁斯基础》 这是一本面向初学者的实践性教材。它以“听”为核心驱动力，教授如何识别和模仿基础布鲁斯音阶的典型动机（Licks）。书中通过大量的听力练习，训练学习者在不看谱的情况下即时识别和弦进行（如I-IV-V的循环），并指导如何将这些听觉信息快速转化为指尖的即兴旋律。它强调的是“模仿—内化—创造”的学习路径，而非纯理论推导。 12. 《音乐心理学前沿：听众情绪反应与音乐结构的关系模型》 本书汇集了近年来音乐心理学在情绪识别方面的最新研究成果。它使用脑电图（EEG）和皮电反应（GSR）数据，探讨了特定的音乐元素（如不协和音程、突然的速度变化）如何精确地触发听众的恐惧、愉悦或怀旧情绪。书中提出了几种预测听众情绪反应的量化模型，为作曲家在创作特定情感氛围时提供了科学依据。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前给孩子试过好几本所谓的“热门”少儿钢琴教材，但效果都不尽如人意，要么是乐曲选择太过于现代化，缺乏传统基础的打磨；要么就是编排过于陈旧，完全提不起孩子的学习热情。直到我发现了这本，才算是找到了“真爱”。它的选曲眼光极其独到，尤其是在“小奏鸣曲”这个板块的处理上，简直是教科书级别的示范。它没有直接堆砌那些高难度的奏鸣曲片段，而是精心地挑选和改编了许多结构清晰、旋律优美的早期奏鸣曲选段，确保了学生在学习复杂结构之前，能够牢固掌握奏鸣曲式的基础要素。这些选段的指法设计也极其人性化，充分考虑到了初学者的手型特点，避免了不必要的僵硬和别扭。每学完一个小乐章，教材都会附带一个“演奏提示”，指导学生如何处理力度变化和表情记号，这对于培养音乐的“内涵”至关重要。我孩子以前弹琴总是“直来直去”，自从开始注意教材里关于“柔和地”、“带有歌唱性地”这些提示后，音乐听起来明显有了生命力。这种对音乐表现力的早期培养，在很多教材中都是被忽略的重点，但在这本书里却被提升到了核心地位，这一点我必须给予最高的评价。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调这套教材在“小奏鸣曲”部分对技巧的铺垫是极其科学和审慎的。许多教材急于求成，过早地引入大量跨指、和弦和快速音阶，导致孩子的手指肌肉发展不均衡，甚至产生抵触情绪。而这本教材的编排逻辑仿佛遵循着人体工学原理。它不是简单地堆砌音符，而是根据不同阶段孩子的手指力量和灵活性特点，精心设计了每一个练习片段。比如，在引入八度音程之前，会用大量的分解和弦琶音练习来建立手腕的稳定性和手指的独立性；在要求快速的柱式和弦时，会先通过慢速的、不同指型组合的和弦练习来确保按键的准确性。这种“搭积木”式的教学法，确保了每一个新技能的习得都是建立在扎实的基础之上的。我的孩子用了几个月后，最大的变化就是手指的“控制力”明显增强了，不再是僵硬地敲击琴键，而是能够游刃有余地应对复杂的指法变化。这套教材真正做到了“慢工出细活”，它培养的不是昙花一现的速成者，而是能够长期、健康地享受钢琴艺术的未来音乐人。

评分☆☆☆☆☆

我个人对“大音符”这个概念非常看重，因为我自己的童年记忆里，很多教材的五线谱印刷得密密麻麻，一个音符和另一个音符之间仿佛都在打架，让人看得心烦意乱。而这本教材，从封面设计就能看出它的匠心独运——字体和符号的比例拿捏得恰到好处，即便是视力稍弱的成人，在阳光充足的下午或者使用柔和的台灯辅助下，也能够轻松阅读，更何况是正在发育视力的孩子们。更深层次的“大音符”体验，体现在其对节奏和时值的处理上。教材在引入复节奏或切分音时，会用加粗、加大字号的方式特殊标示出来，这种视觉上的强调，极大地帮助了孩子们在早期建立对复杂节奏的感知和准确把握。我观察到，我女儿在学习那些包含三连音和附点的乐曲时，明显比用旧教材时要自信得多，因为她“看见”了那些需要注意的地方。这不仅仅是印刷上的便利，更是一种教学思路上的突破——用最直观的方式解决最容易出错的问题。这种细致入微的关怀，体现了编写者对学习者体验的深度同理心。

评分☆☆☆☆☆

这本钢琴教材的编排真是令人耳目一新，简直就是为那些初学钢琴，尤其是对古典音乐抱有美好憧憬的孩子们量身定制的。它的难度递进设计得非常自然流畅，从最基础的指法练习开始，就巧妙地融入了一些耳熟能详的小旋律，让枯燥的练习变得像在玩游戏一样有趣。我尤其欣赏教材中对乐理知识的讲解方式，不是那种生硬的理论灌输，而是通过生动的图示和贴近生活的比喻，让孩子们能够轻松理解音符、拍号这些概念。比如说，它解释四分音符和八分音符时，会用“走路”和“跑步”来做比喻，这种方式非常直观有效。教材的排版设计也极为考究，大开本的印刷保证了在钢琴前阅读时眼睛不会感到疲劳，而且五线谱的印刷清晰度极高，即便是光线不佳的环境下也能准确辨认音高。更让人惊喜的是，教材中穿插了一些音乐小故事，讲述了巴赫、莫扎特等音乐大师的轶事，这极大地激发了孩子们对音乐历史和文化的兴趣，让他们明白自己弹奏的不仅仅是音符，更是流淌了几个世纪的艺术血液。这种全方位的熏陶，远胜过那些只注重技巧训练的教材。我敢断言，如果能坚持使用这本教材，孩子的音乐素养和对钢琴的热爱都会得到质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

作为一位对音乐教育抱有较高期望的家长，我关注的重点往往在于教材的“延展性”和“趣味性”是否能持久。很多教材前期很吸引人，但学到一半就陷入了“为了练习而练习”的怪圈。这本书的优势在于它巧妙地融入了“分享收藏商品”的理念，虽然这听起来像是商业用语，但在这里，它被转化成了一种鼓励孩子主动探索和保存优秀音乐作品的学习路径。教材中的每一首曲目后，都有一个“小小的挑战”或“探索角”，引导学生去寻找原作者的其他作品，或者与其他同级别曲目进行对比欣赏。这有效地避免了“学完就忘”的现象，而是让孩子主动将这些学习到的作品视为自己的“音乐收藏品”来珍视。例如，在弹奏完某个巴洛克风格的小品后，教材会引导学生去听听维瓦尔第的协奏曲，对比一下不同乐器如何表现相似的旋律动机。这种主动的“收藏”和“比较”过程，极大地提升了孩子的鉴赏力和主动学习能力，让钢琴学习不再是线性的时间消耗，而更像是一场不断扩充自己音乐宝库的精彩旅程。