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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 吉林出版集团有限责任公司

ISBN：9787562179122

商品编码：29535843493

出版时间：2011-06-01

商品详情

正版 流行好歌大家唱 合唱歌谱集简谱 流行歌曲合唱歌词篇曲篇 演唱 大合唱歌曲 歌谱吉他钢琴电子琴乐器伴奏书简谱  同心出版社

 

音乐之径：探索西方古典音乐的宏伟世界 一部深入浅出的指南，带领您领略从巴洛克到现代的音乐瑰宝 本书旨在为所有对西方古典音乐抱有好奇心或希望加深理解的读者，提供一张详尽而引人入胜的地图。我们聚焦于音乐史上的关键时期、里程碑式的作曲家及其不朽作品，旨在揭示古典音乐背后蕴含的文化、历史与情感深度。本书摒弃了晦涩难懂的专业术语，采用清晰流畅的叙事方式，让即便是初涉音乐殿堂的听众，也能轻松把握其脉络。 第一部分：奠基与辉煌——巴洛克时代的织体与激情（约 1600-1750 年） 巴洛克时期是西方音乐史上一个至关重要的转折点，它标志着对情感表达的重视，以及复调音乐技巧的成熟。 1. 歌剧的诞生与发展： 我们将详述歌剧这一全新艺术形式是如何在意大利佛罗伦萨兴起的，它如何融合了戏剧、音乐和舞台设计，并探讨早期大师如蒙特威尔第（Monteverdi）在其作品中对“人声情感”的刻画。我们会分析“宣叙调”（Recitative）与“咏叹调”（Aria）在推动戏剧进展和表达人物内心世界中的作用。 2. 赋格曲的结构艺术： 本章将深入解析对位法的巅峰——赋格曲（Fugue）。我们将以巴赫（J.S. Bach）的《平均律键盘曲集》为例，剖析“主题”、“应答”、“间插”等复杂结构如何被巧妙地编织在一起，创造出逻辑严密而又极富张力的音乐画面。我们不会止步于理论，而是通过描述性的语言，让读者“听见”主题如何在不同声部间穿梭、追逐与交织。 3. 协奏曲的崛起： 协奏曲（Concerto）的成熟是巴洛克晚期的另一大成就。我们将区分“大协奏曲”（Concerto Grosso）与“独奏协奏曲”（Solo Concerto）的特点。维瓦尔第（Vivaldi）的《四季》将作为核心案例，分析其如何通过音乐语言描绘自然景象，开创了程序音乐的先河。此外，韩德尔（Handel）的管弦乐作品，特别是其庄严的合唱精神，也将得到充分阐述。 第二部分：平衡与清晰——古典主义的理性之光（约 1730-1820 年） 古典主义时期追求的是清晰、平衡、匀称的结构和普世的情感表达，这与巴洛克时期的繁复形成了鲜明对比。 1. 奏鸣曲式的构建： 奏鸣曲式（Sonata Form）被誉为古典主义音乐的基石。本章将细致拆解其“呈示部”、“发展部”和“再现部”的内在逻辑，解释主题如何通过对比、冲突与最终解决来实现音乐的戏剧性。我们将观察海顿（Haydn）如何系统化这一形式，将其应用于交响曲、室内乐乃至钢琴独奏曲中。 2. 莫扎特的完美与人性： 莫扎特（Mozart）的作品代表了古典主义风格的最高成就。我们将侧重分析其歌剧的创新之处，例如《费加罗的婚礼》中群像刻画的精妙，以及其协奏曲中钢琴与乐队之间对话的灵动。探究其音乐中那种看似轻盈却蕴含深刻人性洞察的特质。 3. 贝多芬的桥梁作用： 贝多芬（Beethoven）被视为连接古典与浪漫的巨人。我们将重点分析他的九部交响曲，特别是如何通过对传统形式的拓展与突破，注入了前所未有的英雄主义、抗争精神和个人意志。例如，第五交响曲开头的“命运动机”如何贯穿全曲，构建起宏大的叙事结构。 第三部分：情感的狂潮——浪漫主义的无限疆域（约 1800-1910 年） 浪漫主义时期，作曲家将焦点转向个体的主观情感、对自然的崇拜、对异域的向往以及对超自然事物的探索。 1. 艺术歌曲（Lied）的兴盛： 艺术歌曲将诗歌的文学性与钢琴伴奏的音乐性完美结合。舒伯特（Schubert）和舒曼（Schumann）的作品将是本章的主角。我们将分析钢琴如何在伴奏中不仅是“伴奏”，而是成为叙事和烘托气氛的重要角色，例如通过特定的节奏型来模仿水流或心跳。 2. 标题音乐与交响诗： 为摆脱纯音乐形式的束缚，作曲家们开始创作具有明确情节或意境的音乐作品。李斯特（Liszt）的交响诗是这一领域的代表。我们将探讨这些作品如何通过“主导动机”（Motive Transformation）等技巧，在不使用歌词的情况下，讲述完整的故事。 3. 民族主义的觉醒： 在欧洲各国，作曲家开始从本土民间音乐和历史传说中汲取灵感，形成了独特的民族风格。从德彪西（Debussy）对印象派光影的捕捉，到德沃夏克（Dvořák）对斯拉夫旋律的运用，再到柴可夫斯基（Tchaikovsky）的俄国式抒情，我们将考察这种文化回归如何丰富了古典音乐的色彩。 第四部分：革新与探索——二十世纪的音乐新貌（约 1900 年至今） 二十世纪的音乐舞台是前所未有的多元化和实验性的，作曲家们挑战了所有既有的音乐规范。 1. 印象派与印象主义： 德彪西和拉威尔（Ravel）如何运用模糊的和声、全音阶和五声音阶，创造出如同印象派绘画般朦胧、色彩斑斓的音乐氛围，将听众带入一个梦幻般的听觉空间。 2. 自由无调性与十二音体系： 勋伯格（Schoenberg）对传统调性体系的颠覆，是现代音乐史上最具争议的事件之一。我们将简要介绍“无调性”的出现，以及他为寻求新的组织原则而创立的“十二音体系”（Dodecaphony），解释其基本规则和带来的听觉冲击。 3. 节奏的革命与极简主义： 斯特拉文斯基（Stravinsky）的《春之祭》如何以其多重节奏和原始的能量震撼了巴黎乐坛。随后，我们将目光投向二战后的极简主义（Minimalism），通过对重复、细微变化和过程的强调，分析菲利普·格拉斯（Philip Glass）等作曲家如何创造出一种冥想式的、与时间流逝紧密相关的音乐体验。 结语：面向未来的聆听 本书最后一部分将鼓励读者走出音乐厅，将所学知识应用于实际的聆听实践中。我们提供了一份精选的、跨越时代的曲目清单，并教授如何培养“主动聆听”的能力——不再只是被动地接受声音，而是去识别结构、追踪动机、体会作曲家的意图。 通过理解这些音乐背后的历史语境、技术革新和情感驱动力，听众将发现，古典音乐并非是遥远而冰冷的艺术品，而是人类情感与智慧持续燃烧的火焰。本书将是您通往这一宏伟音乐世界的可靠向导。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计真是让人眼前一亮，色彩搭配既鲜明又带着一种复古的韵味，让人忍不住想翻开看看里面到底收录了哪些让人心动的旋律。虽然我还没来得及仔细研究每一首歌曲的编排，但光是看着目录里那些耳熟能详的名字，就仿佛已经能听到万人合唱的恢弘气势。尤其是它强调“大家唱”这个概念，让我对其中选曲的普适性和传唱度充满了期待。我猜想，编者一定在选歌时费了不少心思，既要照顾到资深歌迷的怀旧情怀，也要兼顾当下年轻人的音乐口味，力求达到一个完美的平衡点。我很期待看到它如何将那些曾经红极一时的金曲，用最易于上手的方式呈现给吉他或电子琴的演奏者。如果编配既能保持原曲的精髓，又能在和弦进行上做出巧妙的简化或提升，那就太棒了。我设想，这本谱集或许能成为家庭聚会、KTV前奏练习，乃至小型户外演出的必备“武器”，让每一个热爱音乐的人都能轻松成为舞台上的焦点，那份参与感和成就感，是单纯听歌无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

从“流行歌曲”这个定位来看，曲目的时效性和情怀深度是衡量一本歌集成功与否的关键。我非常好奇，这本合唱歌谱集在选材上是如何拿捏“流行”的尺度的。是偏向于近几年席卷榜单的“新鲜血液”，还是更侧重于那些跨越了十年、二十年依然能在KTV点播榜上名列前茅的“常青树”？更重要的是，作为一本“合唱歌谱集”，它在歌词的排布上是否考虑到了多人对唱或齐唱时的视觉体验？通常情况下，歌词会一行接一行地印下来，但合唱歌曲的歌词常常有不同的段落划分和演唱人声的切换。如果编者能够巧妙地用不同字体、颜色或者分栏的方式，清晰地标注出不同人声部分的衔接点，那将极大地提升合唱时的默契度。想象一下，在一次大型聚会中，大家不用互相提醒“你唱哪句我唱哪句”，而是能流畅地跟上谱子，这才是真正成功的合唱体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的名称中突出了“演唱”和“伴奏”的结合，这让我联想到它在目标用户定位上的清晰思路——既服务于主唱者，也服务于乐手。对于我这样的非专业演唱者来说，有时候最大的障碍不是音准，而是找不到一个舒服的演唱调性。我非常期待这本书在简谱的调性标注上能更人性化一些。比如，它是否针对一些高音区对普通大众友好的歌曲，提供了降半音或升半音的版本？或者，它是否在某些歌曲旁边注明了“适合男声演唱”或“适合女高音”的建议调性？如果能提供这样的辅助信息，这本书的实用价值将翻倍。它将不再仅仅是一本“记谱工具”，而是一本“音乐指导手册”，帮助每一个想要开嗓的人，找到最自信、最舒服的那个音域。这种对普通用户体验的深度挖掘和照顾，往往是决定一本音乐书籍能否真正“流行”起来的关键所在。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本乐谱后，最让我感到惊喜的是它对乐谱呈现细节的考究程度。通常市面上很多合唱歌谱集，为了追求大容量，常常会将字体印得过小或者行距过于拥挤，使得在实际弹奏时需要频繁翻页，严重影响了演唱的流畅性。然而，翻阅这本《流行好歌大家唱》，我发现它的版式设计显然经过了专业人士的把关。每一个音符的清晰度，每一个和弦标记的准确度，都达到了相当高的水准。特别是针对合唱部分，我好奇它是否对主旋律和和声声部做了清晰的区分标识，这样即便是临时凑成的“大合唱团”，也能迅速找到自己的演唱位置，避免了互相干扰的窘境。如果它能像一本精心制作的教材那样，对一些高难度或容易唱错的转调部分，附加一些简短的演奏或演唱提示，那就更具指导价值了。我希望它不仅仅是一堆符号的堆砌，而是能真正成为引导大众开口歌唱的“通关秘籍”。

评分☆☆☆☆☆

作为一个业余的电子琴爱好者，我对于乐器伴奏部分的编排有着近乎苛刻的要求。很多流行的“简谱+和弦”合集，往往只是给出了基础的和弦名称，而没有提供具体的分解和弦或扫弦节奏型。这对于刚接触乐器的新手来说，无疑是一个巨大的门槛。我非常关注这本书里，对于吉他或电子琴的伴奏部分，是否提供了足够详尽的指引。例如，对于一首慢歌，它是否给出了琶音或分解和弦的指法图？对于快歌，是否有明确的节奏型标记，比如“上上下上”这样的通用节奏模板？如果它能针对流行音乐的特点，设计一些兼顾演奏难度和音效丰满度的伴奏方案，那就绝对是物超所值了。我设想中的理想状态是，即便是只有一位乐手，也能通过这本谱子，弹奏出接近原曲的、充满层次感的伴奏，完美烘托出“大家唱”的氛围，而不是干巴巴地只有单调的和弦声响。