正版全新声乐基础理论彭晓玲西南师范大学出版社考研大中专教材9787562125709 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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彭晓玲 著

图书标签:

• 声乐
• 基础理论
• 彭晓玲
• 西南师范大学出版社
• 考研
• 大中专
• 教材
• 音乐理论
• 9787562125709
• 声乐教学

店铺： 一碧万顷图书专营店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562125709

商品编码：29539231154

页数：172

图书基本信息
书名：	声乐基础理论
丛书名：
作者/主编：	彭晓玲
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562125709
出版年份：	2011年8月

版次：	第2 版
总页数：	172页
开本：	16
图书定价：	21元
实际重量：	0.322kg
新旧程度：	正版全新

序 言
第一章 歌唱的思维
第一节 歌唱思维的重要意义
第二节 歌唱思维的特点
第三节 歌唱创造性思维的培养

第二章 歌唱的审美特征
第一节 个性独特的人声魅力
第二节 声乐艺术的语言魅力
第三节 声乐艺术的情感特征

第三章 歌唱的生理基础
第一节 歌唱的呼吸器官与运用
第二节 歌唱的发声器官与运用
第三节 歌唱的共鸣器官与运用
第四节 声音的高位置
第五节 歌唱的平衡

第四章 声音的分类
第一节 声部划分的重要性
第二节 声部划分的综合测定
第三节 声音的分类
第四节 声区

第五章 歌唱的语言基础
第一节 汉语言的基本结构与特点
第二节 语言的规范与音韵学
第三节 歌唱语言的特征

第六章 歌唱的心理基础
第一节 歌唱的心理特征概述
第二节 歌唱的感知觉
第三节 歌唱的想象
第四节 歌唱的思维
第五节 歌唱的意志与情感
第六节 歌唱的性格与气质

第七章 歌唱的二度创作
第一节 歌唱二度创作的意义
第二节 歌唱再创造的基本原则

第八章 歌唱与钢琴伴奏
第一节 培养音乐的听觉和感受力
第二节 分析作品、把握立体化的音乐形象
第三节 和谐统一的二度创作

第九章 歌唱的卫生与健康
第一节 歌唱发声器官疾病简述
第二节 嗓音病变原因及其防治方法
第三节 嗓音保健与卫生

第十章 影响深远的西欧美声唱法
第一节 西欧美声唱法的定义
第二节 美声唱法的三个重要时期 
第三节 美声唱法的声乐教育
第四节 欧洲歌剧的发展历程
第五节 歌剧咏叹调的意义和演唱特点
第六节 艺术歌曲的风格与流派
第七节 美声唱法的重要论著及其意义

第十一章 美声唱法在中国的引进与发展
第一节 美声唱法与中国现代声乐教育
第二节 中国艺术歌曲的悠久传统
第三节 现代及建国17年艺术歌曲探论
第四节 我国女中音审美观念的更新与发展
第五节 当代歌曲和歌剧创作的繁荣

第十二章 源远流长的中国民族声乐
第一节 民族声乐（民歌、戏曲、曲艺）的悠久历史
第二节 现代民族声乐专业的建立与民族声乐的蓬勃发展
第三节 当代民族声乐对戏曲传统的继承与发扬
第四节 当代民族歌剧的创作成就
附录：《声乐基础理论》教学大纲
参考文献

《声乐基础理论》的问世，丰富了声乐理论，拓宽了声乐研究的领域，为声乐教育事业作出了贡献。以往对有关声乐的理论知识，多是以专题讲座的形式进行讲解，而华中师范大学音乐系现将其列为学生必修的一门基础理论课程，并制定了教学大纲，保证课程严格有续地进行，此举据我所知，还是声乐教育界的首创。
此书有12章，内容全面、系统，其中诸多问题虽古今中外早有很多论著，但作者根据本人教学实践和研究，不少问题都有个人独特的见解，很有新意。更难能可贵的是，以往很多著作多是侧重某一个或几个问题来论述的，而此书将有关声乐的理论集中于一书，而且涉及的学术领域十分广泛，有美学、史学、心理学、生理学和物理学等，指导学习者去认识并运用声乐艺术的科学规律，既有广度又有深度。

音乐的殿堂：一部探索古典声乐艺术的深度著作 书名：《声乐艺术的奥秘：从发声科学到风格演绎的全面指南》 作者：[虚构作者名] 教授 音乐学院院长 出版社：[虚构出版社名] 音乐教育专著系列 ISBN：[虚构ISBN] --- 内容概述：宏大叙事下的精微剖析 本书并非仅仅是对现有声乐教学体系的简单整理或重复，而是一部旨在为严肃的音乐学习者、专业的声乐教师以及热衷于探究人声艺术潜能的研究者提供全新视角的深度指南。它立足于跨学科的视角，将声乐艺术置于人类生理学、心理学、音乐美学乃至文化历史的广阔背景之下进行考察，力求构建一个既科学严谨又富有艺术感染力的知识体系。全书共分六大部分，由浅入深，层层递进，旨在揭示“好声音”背后的复杂机制与高阶表达。 第一部分：人声的科学基础——生物力学与共振的重建 本部分彻底摒弃了传统教学中诸如“气息如水流”等过于模糊的比喻，转而深入探讨发声器官的精确生物力学模型。 呼吸动力学的高级解析： 详述了胸腹腔在不同声区、不同音高和力度变化中压力调控的精细机制。重点分析了膈肌、肋间肌群与腹部肌肉群在“恒定气流”生成过程中的协同作用，特别是对于快速乐句（Coloratura）中气流精确截断与释放的生理学基础进行了详尽的图解和数据模型支持。 喉部与声带的微观结构与功能重塑： 引入了高分辨率的声带振动模型（如Massa-Spring模型的高级变体），探讨声带黏膜波（Mucosal Wave）的形成、传播及其对音色纯净度的决定性影响。着重分析了声带闭合模式（Covering, Shaping, Thinning）在不同语言（如意大利语、德语、法语）中的声学差异与适应性调整。 共鸣腔体的声学优化： 详细阐述了口腔、咽腔、鼻腔等次级共鸣腔体如何充当滤波器的角色。通过分析傅里叶变换（Fourier Transform）在声乐中的应用，指导学习者如何通过调整口腔形状（即“元音塑形”）来最大化特定谐波的辐射，从而实现音色的穿透力（Proiezione）与温暖度（Squillo）的平衡。 第二部分：音高的精准控制与调性平衡 本部分超越了简单的“唱准”，探讨了人耳听觉生理学与声带肌肉控制之间的复杂反馈回路。 内耳与外耳的听觉反馈机制： 探讨了听觉中枢如何实时处理和修正发声信号，以及“耳听为虚，口唱为实”的误区。提出了“双向听觉映射法”，即通过对高保真录音的持续分析来训练听觉皮层，以校准肌肉记忆。 跨音域的无缝衔接（Passaggio）： 深入解析了胸声、混声与头声转换区域的生理障碍根源，并非简单的肌肉“切换”，而是声带质量（Mass Adduction）与张力（Tension）的动态重组。提供了一套基于声带“厚度调节”而非单纯“音高拉伸”的系统训练方案，旨在实现真正的统一声线（Uniformity of Timbre）。 颤音（Vibrato）的节奏学与神经控制： 将颤音视为一种生理节律的自然表达，而非机械的上下波动。分析了不同乐派对颤音速度与宽度的要求，并指导学习者如何通过调节呼吸的细微波动来自然地引导出富有音乐性的颤音，而非僵硬的、受控制的抖动。 第三部分：风格学的深度挖掘与历史语境 本部分聚焦于将技术转化为艺术表达，强调理解音乐作品诞生的文化土壤。 巴洛克声乐的“情感修辞学”（Affektenlehre）： 不仅学习装饰音的正确演奏，更深入探讨巴赫、亨德尔作品中每个音符背后所承载的特定情感符号。通过对古乐器音色的研究，反思现代声乐如何在不失历史真实感的前提下，适应现代音乐厅的声学环境。 古典与浪漫主义的戏剧张力： 分析莫扎特、贝多芬时期对清晰度（Clarity）和线条感（Line）的极致追求，以及威尔第、瓦格纳时期对情感冲击力（Dramatic Force）和音色厚度的需求。探讨了“美声”（Bel Canto）在不同时代语境下的内涵演变。 二十世纪现代声乐技术的挑战： 详细探讨了施特劳斯、德彪西乃至当代作曲家对人声极限的探索，包括非传统发声法（如喉音、气声）的科学性与艺术性边界，指导学习者如何安全且有效地拓宽人声的音域与色彩范围。 第四部分：语言的音乐化与诠释的深度 声乐的特殊性在于其载体是人类语言，本部分着重解决“歌唱德语”与“说话德语”的本质区别。 元音的聚焦与辅音的穿透： 针对德语、法语、俄语等不同语种，系统梳理了其元音的“歌唱位”（Singing Position）调整方案，确保在保持清晰度的同时，元音的共振峰不会被破坏。重点分析了辅音（如德语的送气音、俄语的硬腭音）在连贯旋律中的“最小干预”原则。 文本的意图与音乐的融合： 强调歌唱者必须是文本的阐释者而非仅仅是“朗读者”。通过文本分析（Textual Analysis），指导学习者如何将文本中的情感高潮点与音乐中的技术难点精准对应，实现“情景一致性”。 第五部分：舞台呈现与心理韧性 本部分关注声乐表演的外部因素，旨在将技术转化为具有说服力的舞台艺术。 舞台表演的身体语言学： 探讨如何通过姿态、面部表情与眼神接触来增强音乐的感染力，避免“僵硬的演唱姿态”。分析了不同歌剧角色（如抒情男高音 vs. 戏剧男中音）在舞台动作上的必要差异。 舞台焦虑的认知行为调适： 引入了运动心理学中的“心流理论”（Flow State），提供了一套系统的、基于任务导向而非结果导向的压力管理技术，帮助学习者在关键演出中维持最佳生理与心理状态。 第六部分：研究方法的革新与未来展望 本书的最后一部分，面向未来的声乐研究者。 声学测量与教学反馈的整合： 介绍了如何使用声谱图（Spectrogram）、基频分析（F0 Analysis）等工具，将客观的声学数据引入日常训练，实现“数据驱动的艺术决策”。 跨文化声乐体系的比较研究： 对比了意大利美声、德奥艺术歌曲、俄罗斯学派以及东方声乐传统的异同，旨在培养学习者广阔的音乐视野。 --- 结语： 本书的最终目标，是引导读者超越对基础技巧的机械模仿，进入到对声乐艺术“为什么这样有效”的深层哲学思考之中，从而真正掌握驾驭复杂人声的钥匙，为构建个人独特的、具备高度专业水准的演唱风格奠定坚实的理论基石。它是一部工具书，更是一部艺术思想的启示录。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书的时候，那种纸张的触感就非常棒，不是那种廉价的、一翻就起毛的纸张，而是带着一点点哑光质感的铜版纸，印刷的清晰度也无可挑剔，即便是那些复杂的乐理图示或者声学术语的拉丁文标注，也看得一清二楚，这对于长时间阅读和学习来说，无疑是一种极大的友好。我特别欣赏它在理论阐述上的那种“落地性”。很多声乐理论书读起来总是云里雾里，感觉和实际演唱脱节，但这本书的讲解方式似乎更注重理论与实践的结合点，总能找到一个恰当的例子来解释一个抽象的概念，让人豁然开朗。比如，当它谈到气息支撑的微妙控制时，文字描述得极为细致，仿佛能让人在脑海中勾勒出肌肉群如何协同工作的画面，这种具象化的表达能力，是很多理论书籍所欠缺的。我期待着能够跟随书中的指引，一步步解开那些困扰我已久的演唱难题。

评分☆☆☆☆☆

我注意到这本书的装帧细节，比如页眉和页脚的设计，都非常符合教材的规范，有助于快速定位和检索。对于考研复习而言，这种便利性是至关重要的。但最让我印象深刻的，还是它对“基础”二字的深刻理解和回归。很多教材为了追求新颖和高深，往往会过早地跳到一些花哨的技巧上，而忽略了最根本的声乐基石。这本书却扎扎实实地从最核心的发声机制讲起，每一步都走得稳健而踏实。它没有急于炫耀多少深奥的知识点，而是确保读者对每一个基本概念都有牢固的掌握。这种对基础的尊重和强调，恰恰是专业领域内最稀缺的品质。我相信，只有将地基打得足够坚实，上层的建筑才能巍然屹立，而这本书，就是我构建我声乐知识大厦最可靠的那块基石。

评分☆☆☆☆☆

这本书的厚度本身就是一种承诺，它告诉我，这里面承载着沉甸甸的知识分量，绝非泛泛而谈的入门读物。我翻阅了一些关于音色塑造和情感表达的章节，发现作者在处理这些偏向主观感受的领域时，依然保持了高度的客观和系统性。她没有仅仅停留在“要唱得好听”这种模糊的描述上，而是深入挖掘了声带振动、共鸣腔体调节等生理学基础，然后巧妙地将这些科学原理与美学追求连接起来。这种跨学科的整合能力，体现了作者深厚的学术功底和广阔的视野。对于我这种既想在技术上精益求精，又渴望在艺术上有所突破的学习者来说，这本书无疑提供了双重的滋养。每读一页，都感觉自己对“歌唱”这个行为的理解又深入了一层，从生理到心理，从技术到情感，构成了一个完整的知识闭环。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，好的教材不仅要传授知识，更要培养学习者的批判性思维。这本书在这方面做得尤为出色。它在介绍主流理论的同时，似乎也暗含着对不同学派观点差异的探讨，虽然没有直接陷入无谓的争论，但通过对不同理论的并行介绍和分析，引导读者去思考和比较，最终形成自己的判断。例如，在处理某些高难度技巧的描述上，书中会呈现不止一种解决方案或侧重点，这避免了“一言堂”的僵化，让读者可以根据自身情况进行选择和调试。这种开放性的教学态度，极大地激发了我自主探索的欲望。这不像是一本“标准答案”，更像是一位经验丰富的大师，在耐心地为你铺陈出知识的地图，让你自己去探索那片知识的海洋，而不是直接把你扔到终点。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计着实吸引人，那种简洁又不失专业感的排版，让人一眼就能感受到它深厚的学术底蕴。光是看着这本厚实的教材，就能想象到里面内容的详实与全面。我一直听说彭晓玲老师在声乐理论界的地位举足轻重，所以当我看到西南师范大学出版社出版的这本教材时，几乎是毫不犹豫地入手了。虽然我还没来得及深入研读每一个章节，但从目录的编排就能看出，它对声乐学习的各个方面覆盖得非常到位，从最基础的发声原理到复杂的艺术处理，似乎都有独到的见解和深入的剖析。那种对知识体系的构建能力，让人觉得这不仅仅是一本工具书，更像是一份系统性的学习蓝图，指引着初学者和进阶者如何科学、有效地提升自己的演唱水平。尤其对于准备考研的学子来说，这种结构严谨、逻辑清晰的教材简直是救命稻草，它提供的不仅是理论知识，更是一种应试的策略和思维方式。