合唱指挥及中外合唱作品精选(增订版)/21世纪音乐教育丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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文思隆 编

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出版社： 西南师大

ISBN：9787562117407

商品编码：29626785338

开本：16

出版时间：2009-05-01

基本信息

• 商品名称：合唱指挥及中外合唱作品精选(增订版)/21世纪音乐教育丛书
• 作者：编者:文思隆
• 定价：45
• 出版社：西南师大
• ISBN号：9787562117407

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2009-05-01
• 印刷时间：2017-10-01
• 版次：3
• 印次：12
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：286

内容提要

文思隆编的《合唱指挥及中外合唱作品精选（第 3版）》的目的在于给合唱爱好者、学习者、组织以 及有条件开设合唱课的教学单位提供一本较详实的参 考书。本书能给他们带来便利与帮助，也希望本书能 对群众合唱事业的发展、音乐素质教育起一定的作用 。
    

目录

修订前言
合唱与合唱指挥知识
合唱简介
一、合唱的魅力
二、合唱队
三、合唱的技术要求
合唱训练
一、呼吸训练
二、起句和收句练习
三、独立性的训练
四、协调性的训练
合唱指挥法简介
一、合唱指挥应具备的条件
二、合唱指挥的层次
合唱指挥基本技术训练
一、姿势
二、击拍法
三、起拍与收拍
四、合唱指挥图式
五、延长与休止的指挥法
六、附点音符与切分音的指挥法
七、力度
八、合唱指挥的动作设计
合唱曲目
1.春游（同声合唱）
2.可爱的家（混声合唱）
3.半个月亮爬上来（无伴奏混声合唱）
4.故乡的亲人（无伴奏混声合唱）
5.在银色的月光下（无伴奏混声合唱）
6.在森林的那一边（无伴奏混声合唱）
7.牧羊少女（无伴奏混声合唱）
8.草原夜色美（无伴奏混声合唱）
9.金黄色的云朵过夜了（无伴奏混声合唱）
10.牧歌（无伴奏混声合唱）
11.黄昏（无伴奏混声合唱）
12.小南海渔歌（无伴奏混声合唱）
13.小夜莺（无伴奏混声合唱）
14.美丽的村庄（童声合唱）
15.花非花（同声合唱）
16.弯弯的月亮（混声合唱）
17.阿拉木汗（混声合唱）
18.康定情歌（混声合唱）
19.等你到天明（男声无伴奏合唱）
20.飞来的花瓣（混声合唱）
21.祖国，慈祥的母亲（混声合唱）
22.黄水谣（混声合唱）
23.在太行山上（混声合唱）
24.祝酒歌（混声合唱）
25.大江东去（混声合唱）
26.阳关三叠（混声合唱）

好的，这里为您提供一个关于其他音乐教育类书籍的详细介绍，内容将侧重于音乐理论、视唱练耳、音乐史以及不同乐器演奏技巧等方面，以确保不包含您提到的《合唱指挥及中外合唱作品精选(增订版)/21世纪音乐教育丛书》中的内容。 --- 音乐理论与实践的基石：深入解析西方音乐体系的经典著作 本书系《西方音乐基础理论与实践教程》，是一部全面、系统地梳理西方音乐理论精髓，并结合实际演奏训练的权威教材。它旨在为音乐专业学生、教师以及对西方音乐有深入学习需求的爱好者提供一个坚实的基础框架。全书结构严谨，内容涵盖了从最基础的音高、节奏概念到复杂的和声进行与曲式分析等多个维度。 第一部分：音乐基础理论的构建 本部分着重于构建扎实的音乐语言基础。我们将从乐理学的核心概念入手，详细讲解音程、调式（大小调、五声调式、中古调式等）的构成原理及其在不同历史时期的应用。对于节奏与节拍的剖析，超越了简单的时值划分，深入探讨了复节奏、附点节奏以及非对称性节拍（如5/4、7/8拍）在古典与现代音乐中的表现手法。 书中对记谱法的阐述详尽无遗，不仅包括五线谱的精准读写，还特别辟章讲解了通奏低音记号的解读、现代作曲技法中常用的非传统记谱符号，以及电子音乐中常见的图形化指示。 第二部分：和声学的精深探索 和声学是本书的重点和难点所在。我们以功能和声学为核心脉络，追溯其在巴洛克、古典主义直至浪漫主义时期的演变轨迹。 和弦的构建与连接： 基础的三和弦、七和弦的转位、功能（主、属、下属）的确定是首要内容。随后，我们将进入到副属和弦体系的深入学习，剖析其色彩变化与解决倾向。对于和声连接的原则，书中提供了大量经过精心挑选的范例，强调了声部进行（Voice Leading）的流畅性与逻辑性，特别关注平行五八度的避免和声色彩的过渡。 转调与模写： 如何在保持音乐连贯性的前提下，实现大小调之间的转调，是本章的实践核心。我们详细讲解了转调的常用手段，如共同和弦转调、半音阶进行转调等。对于半音性与增植和弦（如减七和弦、增三和弦）的运用，书中提供了详尽的分析，展示了它们在增强和声张力方面的独特作用。 近现代和声的展望： 鉴于音乐发展的多元化趋势，本教程并未止步于传统功能和声。一个专门的章节探讨了印象主义和声（如九和弦、十一和弦的自由使用）、十二音体系的初步概念，以及如何运用和弦外音（如经过音、倚留音、装饰音）来丰富音乐织体。 第三部分：视唱练耳与音乐感知训练 视唱练耳部分旨在培养学习者“听觉想象力”与“即时反应能力”。 视唱技巧： 训练从简单的级进、跳进旋律开始，逐步过渡到包含复杂调性外音、不规则节拍、以及大跨度音程的段落。书中特别注重固定音高法（Do Re Mi）和首调法的灵活切换训练，强调在不熟悉调性环境下的快速识别能力。 听觉辨识（练耳）： 本部分涵盖了旋律听写、节奏模写、和弦辨识三个主要方面。和弦辨识部分细致区分了各类三和弦、七和弦的转位与性质，并进一步扩展到九和弦的听辨。旋律听写训练采用了多声部背景下的单声部听写，以模拟真实的乐队或室内乐环境。 曲式分析与结构： 了解音乐的“骨架”是理解作品的关键。本章系统梳理了复调音乐（如卡农、赋格的基本结构）、奏鸣曲式（呈示部、展开部、再现部的逻辑）、回旋曲式与三部曲式的变体。分析范例均选取自海顿、莫扎特、贝多芬等大师的代表作，确保了分析的经典性和准确性。 第四部分：音乐史纲要与风格演变 本章提供了一部精炼而详实的西方音乐史概述，重点聚焦于风格的转折点与关键人物。 中世纪至文艺复兴： 探讨了格里高利圣咏的形成，复调音乐的早期发展，以及人文主义对音乐的影响。 巴洛克时期（1600-1750）： 重点解析了歌剧的诞生、协奏曲的成熟（维瓦尔第、巴赫的贡献）、对位法的巅峰（巴赫的赋格）。风格特点侧重于固定节奏、清晰的巴洛克织体。 古典主义时期（1750-1820）： 强调奏鸣曲式的确立、交响乐与室内乐体裁的规范化。海顿、莫扎特、贝多芬是本阶段的分析核心，关注旋律的平衡感与结构清晰度。 浪漫主义时期（1820-1900）： 分析了音乐如何服务于文学与情感表达，民族乐派的兴起，以及和声语言的极大扩张（如瓦格纳的半音化倾向）。 20世纪至今： 概述了印象主义、表现主义、新古典主义以及序列音乐等多元化的发展方向，帮助学习者理解现代音乐语言的复杂性与多样性。 总结与展望 本书的编写理念在于“理论指导实践，实践反哺理论”。我们力求在提供严谨的学术框架的同时，通过大量的习题和分析实例，确保学习者能够将抽象的理论知识转化为实际的演奏与创作能力。它不仅仅是一本知识的罗列，更是一套引导思维、提升音乐素养的综合训练体系。

评分☆☆☆☆☆

我一直对音乐史料的解读抱有一种审慎的态度，因为很多史书常常会因为时代的局限性而产生偏差。这本关于十九世纪浪漫主义音乐思潮演变的书籍，其论证过程让我印象深刻。作者非常注重对一手文献的引用，比如大量的作曲家私人信件、当时的乐评以及首演的节目单信息都被整合进来，构建了一个多维度的历史场景。 它没有简单地把浪漫主义定义为“情感的爆发”，而是细致地梳理了民族主义思潮、哲学思辨（如黑格尔辩证法）如何潜移默化地影响了肖邦、李斯特等人的创作动机和结构选择。在分析《德彪西的色彩和声》时，作者甚至追溯到了印象派画家对光影捕捉的理论，将听觉艺术与视觉艺术的关联性进行了精妙的探讨。这种跨学科的整合能力，让整本书的厚度与深度都得到了极大的提升，阅读体验非常充实。

评分☆☆☆☆☆

我通常在选择音乐书籍时，更倾向于那些专门针对特定作曲家或特定时期作品的深度研究，而不是大而全的概览。这本书中关于二十世纪先锋音乐的章节，简直是为我这种追求新知的人准备的。作者对序列音乐、偶然音乐以及电子音乐的早期发展脉络梳理得非常清晰，这通常是许多教材中一带而过或者解释不清的部分。 书中对于“十二音体系”的阐释，尤其打破了我对这一理论的刻板印象。作者没有把勋伯格的体系神圣化，而是批判性地分析了它在实际创作中遭遇的限制，并详细介绍了后来的作曲家（如韦伯恩）是如何对其进行拓展和修正的。这种带着批判性思维的介绍，而不是盲目崇拜，才是一个真正优秀的学术读物应有的风范。读完这部分，我对理解那些看似“怪异”的现代作品，突然找到了一个清晰的逻辑入口。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧真是让人眼前一亮，内页纸张的质感也相当不错，看得出出版社在细节上是下了功夫的。我一直以来都很喜欢收集一些关于古典音乐理论和演奏技巧方面的书籍，这次入手这本，主要是冲着它在基础理论讲解上的深度。我记得翻开目录时，关于和声学和对位法的章节介绍就非常吸引我，作者似乎并没有满足于泛泛而谈，而是深入到了具体的技法分析和历史演变中去，这对于我这种想扎实打好基本功的学习者来说，简直是福音。 尤其值得称道的是，它在引用古典文献和乐谱示例时，做得相当严谨和清晰。很多同类的书籍为了篇幅常常会简化乐谱，但这本书里，无论是巴赫的赋格还是莫扎特的奏鸣曲片段，都标注得一丝不苟，甚至连指法和力度记号都考据得非常到位。我试着对照书中的解析去重新审视了几首我熟悉的曲目，发现很多以前没有注意到的层次感和结构美一下子就清晰起来了。这种精益求精的态度，让人感觉作者是一位真正热爱并敬畏音乐的学者，而不是一个单纯的知识搬运工。

评分☆☆☆☆☆

我最近在尝试跨界学习一些非西方音乐体系的理论知识，所以对任何一本涉及到世界音乐广度的书籍都抱有很高的期待。这本我先翻阅了其中关于民族音乐学（Ethnomusicology）的章节，虽然篇幅不是最长的，但其切入角度非常新颖。作者似乎并不满足于仅仅罗列不同地区的音阶和调式，而是着重探讨了音乐在不同社会文化背景下的功能性和仪式性。这对我理解“音乐是什么”这个宏大的命题很有启发。 特别是关于东方五声音阶在现代作曲中的应用那一段，作者给出的案例分析非常具有说服力。他没有停留在表面，而是结合了具体的和声进行和配器手法，展示了如何巧妙地将传统元素融入到当代语境中，而不显得生硬或猎奇。读完后，我立刻找到几部相关的当代交响乐作品去聆听，果然有了全新的体会。这本书的视野显然超越了传统的欧洲古典音乐范畴，体现出一种开放和包容的学术精神，这点非常难得。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的小提琴爱好者，我对乐器演奏技巧类的书籍有着近乎苛刻的要求——必须实用，不能空谈。这本书的其中一个部分是关于弓法和揉弦技巧的深入剖析，这正是我目前最需要突破的瓶颈。作者在讲解揉弦的频率、宽度以及不同乐句对揉弦力度的细微要求时，用了非常直观的物理学原理来辅助说明，这比单纯用“用心地揉”这种模糊的描述要有效得多。 更让我惊喜的是，书中还配有一些详细的图解和练习方案，这些方案并非那种枯燥的指板练习，而是将技巧融入到具体的练习曲或小品中去。我昨天晚上试着按照书中建议的“慢速渐强揉弦法”练习了一段帕格尼尼的练习曲，效果立竿见影，之前一直解决不了的音色不稳问题得到了显著改善。这本书的实用性已经超出了我最初的预期，它更像是一位经验丰富的大师在我身边进行一对一的私教。