车尔尼钢琴初级练习曲李依桐西南师范大学出版社9787562165590 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李依桐，张又驰 编

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• 初级钢琴
• 车尔尼
• 李依桐
• 西南师范大学出版社
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出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562165590

商品编码：29684806630

页数：151

图书基本信息
书名：	车尔尼钢琴初级练习曲
丛书名：	21世纪钢琴教学丛书
作者/主编：	李依桐, 张又驰
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562165590
出版年份：	2014年1月

版次：	第1 版
总页数：	151页
开本：	16
图书定价：	36元
实际重量：	0.34 kg
新旧程度：	正版全新

　李依桐，辽宁省音乐家协会会员，沈阳音乐学院副教授，担任钢琴教学工作。第三届德国威斯巴登钢琴比赛特派观察员。

识别音符的初步练习
固定位置的五指练习
大指移位练习
音域超过一个八度的练习
带有低音谱表的练习
带有升、降记号的练习
其他简易调的练习
休止符
训练快速的练习
带装饰音及不带装饰音的旋律练习
切分
附：本书涉及的音乐术语

　　《车尔尼钢琴初级练习曲（作品599 教学版）/21世纪钢琴教学丛书》内容循序渐进，适合儿童与弹奏。全书共有100条练习曲，根据识谱难度和技术难度分为“从识别音符的初步练习”“固定位置的五指练习”“大指移位练习”“音域超过一个八度的练习”“带有低音谱表的练习”“带有升、降记号的练习”“其他简易调的练习”“带休止符的乐曲练习”“训练快速的练习”“带装饰音及不带装饰音的旋律练习”等十个版块教材中每一条练习曲都有一段教学和演奏提示与之相附，把每条练习的技术要点和难点都做出提示和解释，有助于教师有针对性的教学和学生快速提高钢琴演奏技巧。

探寻古典音乐的瑰宝：一本关于钢琴艺术的深度指南 这部专著，以其深厚的学术底蕴和详实的实践指导，为致力于钢琴艺术探索的读者们开启了一扇通往经典与创新的大门。全书的结构严谨，内容涵盖了从音乐理论基础到高级演奏技巧的多个维度，旨在培养读者全面而深刻的音乐素养。 第一部分：音乐的基石——理论与视唱练耳的精深解析 本书的开篇，没有直接陷入技巧的泥沼，而是着重于构建坚实的音乐理论框架。作者深知，缺乏理论支撑的演奏如同空中楼阁。因此，第一章详尽阐述了西方音乐体系的基本元素：音高、节奏、调性与和声的演变。特别值得称道的是，书中对“功能和声学”的阐述，不仅停留在和弦的识别层面，更深入探讨了不同和声进行在巴洛克、古典主义以及浪漫主义时期所承载的情感与结构意义。作者通过大量的实例分析，将抽象的理论概念具象化，使读者能够清晰地把握音乐的内在逻辑。 第二章聚焦于视唱练耳技能的系统化训练。这部分内容并非简单的音阶模唱，而是融合了现代认知心理学在音乐学习中的应用。书中设计了一套循序渐进的听觉训练体系，从辨识单音程扩展到复杂的七和弦与非功能性和声的听辨。视唱部分则强调“整体把握”与“细节精确”的统一，引入了视奏时对乐句呼吸点的预判训练，这对于提升演奏者的舞台表现力和对乐谱的即时反应能力至关重要。书中提供的听觉材料，严格遵循西方音乐史的脉络，确保了训练的科学性和艺术性。 第二部分：从巴赫到德彪西——风格演变的深度剖析 本书的第二部分，是其最具学术价值的核心章节，它以时间为轴，细致勾勒了钢琴音乐风格的流变，并提供了针对性的演奏指导。 第三章：巴洛克的结构之美与对位法的奥秘。本章深入探讨了巴赫及其同时代作曲家的创作特点。作者不仅仅分析了《平均律键盘曲集》的结构，更着重讲解了对位法的核心原则——如何通过线条的独立性来构建宏大的音乐织体。书中对赋格曲的“主题呈示”、“扩展”与“再现”的分析，辅以手绘的线条走向图示，极大地帮助了读者理解复调音乐的“建筑感”。演奏技法上，强调了“触键的清晰度”和“持续的音色控制”，这是巴洛克音乐演奏的生命线。 第四章：古典主义的清晰与平衡——奏鸣曲式与海顿、莫扎特。古典主义时期的核心在于形式的完美与情感的适度表达。本章详细解析了奏鸣曲式的呈示部、展开部和再现部的功能，并结合海顿的幽默感和莫扎特的歌唱性，探讨了如何通过力度变化和指法安排来体现“清晰的轮廓”。书中特别指出，古典主义钢琴演奏中“装饰音的准确性”远比“快速炫技”更为重要。 第五章：浪漫主义的激情与个人表达——肖邦与李斯特。进入浪漫主义，音乐语言变得更为个人化和情感化。本章着重分析了肖邦夜曲和玛祖卡中的“鲁巴托（Rubato）”技巧的运用，强调其并非随意的速度波动，而是基于乐句内在呼吸的“有节制的自由”。对于李斯特的炫技作品，作者引导读者超越技巧本身，关注其背后宏大的叙事性，并提供了针对性的指尖力量训练方法，旨在实现“力量中的优雅”。 第六章：印象主义与现代音乐的色彩探索。本章视野开阔，探讨了德彪西、拉威尔等作曲家如何打破传统调性束缚，运用全音阶、五声音阶以及复杂的和声色彩来描绘画面。书中详细讲解了“踏板的色彩运用”——如何使用踏板来混合和模糊音色，创造出“朦胧”的听感，这要求演奏者具备极高的听觉敏感度，以避免声音的浑浊。 第三部分：演奏的实践与身心整合 全书的后半部分，转向了钢琴演奏者日常训练的优化与身心状态的管理，这部分内容极具实用价值。 第七章：科学的指法设计与肌肉记忆的构建。本章摒弃了僵化的指法规则，转而倡导根据乐曲风格和个人手型来设计“最有效率”的指法。作者引入了运动学原理，分析了快速跑动中手指的轨迹和腕部的协调性，并详细介绍了如何通过“分解练习”与“片段组合”来高效建立肌肉记忆，避免因过度疲劳导致的习惯性错误。书中特别强调了“放松状态下的力量运用”。 第八章：舞台心理调适与高效排练策略。对于任何一位追求进步的钢琴学习者而言，如何管理演奏焦虑是至关重要的课题。本章提供了基于正念（Mindfulness）的演奏准备方法，教导读者如何在临场紧张时迅速将注意力重新聚焦于音乐本身，而非对失误的恐惧。排练策略方面，书中提倡“主动聆听式排练”，即每一次练习都应带着明确的听觉目标，而不是机械地重复。 第九章：乐曲诠释中的个人声音塑造。这是全书旨在提升演奏者“艺术成熟度”的一章。作者认为，优秀的演奏者是作曲家意图的忠实传达者，但更是思想的再创造者。本章鼓励读者通过深入研究作曲家的生平、时代背景以及文本分析，形成自己对作品的独特见解。讨论了如何通过速度的微调、重音的强调以及乐句的处理来体现“个性化的声音”，从而避免千篇一律的“学院派”演奏。 结语：持续的探索与艺术的永恒追求 全书最后强调，钢琴学习是一个没有终点的旅程。它不仅是对技巧的磨练，更是对人类情感、历史与哲学的深刻体验。本书提供了一个全面的工具箱，旨在激发读者内在的驱动力，让他们能够带着深厚的理论基础、广博的风格认知和科学的训练方法，在钢琴艺术的道路上不断前行，最终找到属于自己的独特声音。这部著作，是献给所有严肃对待钢琴艺术的学习者和演奏者的一份珍贵指南。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对音乐教育有一定了解的家长，我为我的孩子选择了这套教材，主要看重它的系统性和趣味性。市面上很多面向低龄儿童的教材，往往为了迎合孩子的好奇心而牺牲了技术体系的严谨性，导致孩子后期转入更专业教材时需要大量“纠错”时间。但这本李依桐老师的练习曲集，完美平衡了两者。它的节奏型变化丰富，涵盖了从最简单的二分音符到复杂的附点节奏，但每一个新的节奏挑战都被精心设计成一首能听下去的小曲子，而不是生硬的节拍器练习。例如，书中对三连音和复节奏的处理，不是简单地把它们罗列出来，而是融入到富有旋律性的练习中，让孩子在“玩”的过程中就掌握了这些难点。更难得的是，它对双手协调性的训练非常注重平衡，很多练习要求双手做完全不同的动作，比如一只手保持连贯的长音，另一只手进行快速的跳跃，这对于建立大脑的交叉控制能力非常有益，是钢琴学习中非常关键的一环。

评分☆☆☆☆☆

我是一个成年后才开始接触钢琴的“大龄”学生，深知基础不牢，地动山摇的道理。因此，我特别看重那些能真正帮助我建立正确演奏习惯的教材。这本书在这方面做得极其出色，它不只是教你“弹对音高和节奏”，更是深层次地引导你思考“如何弹奏”。书中关于触键深度的探讨，在初级阶段就有所体现，比如要求你在不同的乐句中使用不同的“重量感”来击打琴键，这对于建立饱满的音色至关重要。很多练习曲看似简单，实则暗藏玄机，例如，要求在极弱的力度下保持音的时值完整，这对控制力要求极高。我曾经在其他教材中受困于一些不自然的指位练习，导致手腕紧张，但在这本书里，每一个技术点都是服务于音乐表达的，所有的技术动作都显得水到渠成，不突兀。阅读附带的简短说明时，我能感受到编者对钢琴教学理念的深刻理解，那是一种将技术与艺术完美结合的教育哲学。

评分☆☆☆☆☆

这本钢琴练习曲集真是让人眼前一亮，它巧妙地将基础技巧训练与音乐性培养融为一体，完全摆脱了传统枯燥的练习模式。初学阶段，我们常常会遇到手指僵硬、节奏不稳的问题，而这套练习曲的编排恰到好处地解决了这些痛点。比如，有一组练习，看似简单，却对指尖的独立性和均匀性提出了很高的要求，它不急于展示高难度技巧，而是稳扎稳打地夯实基本功。我发现，在练习过程中，我不再是机械地重复音符，而是能更多地体会到音乐线条的流动和连贯性。李依桐老师对教材的理解非常深刻，她设计的每一首练习曲都像一个小小的音乐故事，引导学生去感受音乐的内在逻辑。即便是最基础的音阶和琶音练习，也被赋予了不同的情绪色彩和触键方式，这极大地激发了我学习的兴趣。我尤其欣赏它对踏板使用的初步引入，让初学者就能接触到更丰富的音乐表现力，而不是等到高阶阶段才被动学习。整体而言，这是一套兼具科学性与艺术性的优秀教材，为我开启了美好的钢琴学习之旅。

评分☆☆☆☆☆

这套练习曲最让我称道的一点，是它对音乐“呼吸感”的培养。很多初学者，包括我自己以前，弹出来的东西听起来就像一串没有感情的珠子，平铺直叙。这本书里对乐句划分和处理的细微要求，简直就是一本微型的音乐“语法书”。比如，在练习长音和短音交替时，它不仅仅是要求时值上的区别，更引导你去体会“停顿”和“延续”在音乐中的情绪作用。有一组专门练习换指和跨指的练习，它要求在换指的瞬间，声音的“重量感”不能有任何松懈，仿佛手指连接着一根无形的橡皮筋，时刻保持张力。这种精细入微的要求，使得在弹奏简单的旋律片段时，也能自然流露出一种连贯的歌唱性。它真的做到了让技术为音乐服务，而不是让音乐受制于技术。读完这些练习，我感觉自己对钢琴的理解上升到了一个新的维度，不再仅仅停留在“会弹”的层面，而是开始真正学着“会听”和“会表达”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，当我第一次翻开这本书时，并没有抱有太高的期待，因为市面上类似的基础练习曲实在太多了，大都只是换汤不换药。然而，这本教材却给我带来了不小的惊喜。它的排版设计非常人性化，清晰的指法标记和精准的力度记号，让初学者在面对新的技术难点时，能够有明确的指导方向，不至于感到迷茫。最让我印象深刻的是其中对手指灵活性训练的侧重点。书中有一段关于双音和弦的练习，处理得非常巧妙，它通过模仿某种特定的声部交织，让原本僵硬的双手在不知不觉中找到了更放松、更协调的发力点。这比那些单纯要求“快速跑动”的练习要有效得多，因为它要求的是“清晰地跑动”。而且，这些练习的难度递进非常自然流畅，不像有些教材，前几页还很温和，突然之间就出现一个几乎无法逾越的鸿沟。西南师范大学出版社的出版质量也值得称赞，纸张厚实，印刷清晰，即便是经常翻阅，也不会轻易损坏，这对于经常需要携带和使用的教材来说，是一个重要的加分项。