中国美术史教程娄宇华中师范大学出版社艺术考研正版教材9787562266600 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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娄宇，肖屏 著

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• 中国美术史
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出版社： 华中师范大学出版社

ISBN：9787562266600

商品编码：29684823177

页数：316

图书基本信息
书名：	中国美术史教程
丛书名：	高等院校美术学教材
作者/主编：	娄宇  肖屏
出版社：	华中师范大学出版社
ISBN号：	9787562266600
出版年份：	2015年

版次：	第1版
总页数：	316页
开本：	1/16
图书定价：	45.00元
实际重量：	721g
新旧程度：	正版全新

《华大博雅高校教材·高等院校美术学(教师教育)教材:中国美术史教程》由华中师范大学出版社出版。

 第*章造型艺术的萌芽——史前彩陶 概述 第*节中国美术的起源 第二节彩陶的纹饰演化 第三节合目的与规律的彩陶雕塑 第二章灿烂辉煌的商周青铜艺术 概述 第*节神秘庄严的滥觞期青铜器 第二节合韵律与秩序的勃古期青铜器 第三节从庙堂走向人间的开放期青铜器 第四节繁缛华丽的新式期青铜器 第五节青铜雕塑艺术 第三章走向独立的战国绘画与雕塑 概述 第*节文献记载中的绘画活动 第二节引魂升天的旌幡帛画 第三节俑代人殉的墓葬雕塑 第四章大气磅礴的陵墓雕刻艺术 概述 第*节深沉雄大的秦汉陵墓雕刻 第二节南朝及唐代陵墓雕刻 第五章事死如生的汉代墓葬绘画艺术 概述 第*节问天卜地的汉代帛画 第二节题材多样的汉代墓室壁画 第三节内容广泛的汉代画像石（砖） 第六章折射现世苦难和虚幻幸福的石窟艺术 概述 第*节慈悲为怀的石窟壁画 第二节人神统一的石窟造像 第七章交融并汇的魏晋绘画及理论贡献 概述 第*节绘画的新生 第二节空前繁荣的魏晋墓室绘画 第三节绘画理论的勃兴 第八章画种齐备的唐代绘画及理论贡献 概述 第*节走向的隋唐人物画 第二节山水画之变 第三节花鸟杂画 第四节墓室壁画 第五节继续深化的唐代画论 第九章承前启后的五代绘画 概述 第*节世俗与阴柔兼糅的周、顾人物画 第二节峻厚与天真同行的荆、关、董、巨山水画 第三节富贵与野逸对峙的黄、徐花鸟画 第十章宋代“文人画”与“院体画”的交锋 概述 第*节白描人物画与简笔人物画 第二节风俗画和历史故事画 第三节典雅婉丽的院体山水画 第四节吟咏性情的文人山水画 第五节富丽工谨的花鸟画与崔白革新 第六节高度发展的两宋绘画理论 第十一章饱游沃览的元代文人画 概述 第*节崇尚古意的赵孟頫 第二节隐逸淡静的“元四家” 第三节确立士大夫审美的元代绘画理论 第十二章流派纷呈斗争复杂的明代绘画 概述 第*节紧随院体画的“浙派” 第二节“吴门画派”与“吴门四家” 第三节怪诞新变的人物画 第四节水墨淋漓的“青藤白阳” 第五节分宗立派的明代绘画理论 第十三章清代文人画保守派与革新派的纷争 概述 第*节清初六家 第二节独抒性灵的“四僧”、“八家”和“八怪” 第三节借古开今的清代绘画理论 第十四章推陈出新的近现代绘画 概述 第*节始于教士活动——营垒分明的西学东渐 第二节广借他山之石的新美术 第三节油画、版画、连环画、漫画及年画 作品图录

《中国美术史教程/高等院校美术学教师教育教材》试图突破惯用的编年史和门类史的撰写体例，分十四章以美术史专题为载体，结合历史进程、文明传播、风格演变、民族融合，以审视者的角度对中国美术史进行性的总结，并力图融入美术现象学、美术形态学、美术考古学、美术风格学、美术文化学等研究方法以凸显教学内容的文化内涵。 

探寻艺术之源：世界艺术通史精览 一部穿越时空，勾勒人类文明发展脉络的恢弘巨著 本书旨在为广大学习者、艺术爱好者以及所有对人类文明史抱有好奇心的人们，提供一部全面、深入且兼具人文关怀的《世界艺术通史精览》。我们摒弃了传统艺术史著作中常见的僵硬的断代叙事，力求构建一个动态的、相互关联的艺术图景，展现不同地域、不同时代艺术形式之间的对话与演变。 核心理念：艺术与文明的共生关系 我们坚信，艺术并非孤立存在的美学创造，而是特定社会、政治、宗教、哲学思想的物质载体与精神投射。因此，本书的叙事主线紧密围绕“艺术如何反映和塑造人类文明”这一核心命题展开。我们不仅关注“风格”和“技法”，更深入剖析艺术作品背后的“语境”——它在当时社会扮演了何种角色？它服务于何种权力结构或精神诉求？ 第一编：史前与古代文明的起源（约10万年前 - 公元500年） 本篇聚焦于人类最早的审美表达与文明的摇篮。 史前艺术的神秘回响： 从拉斯科洞窟壁画到巨石阵，探讨早期人类对生存、死亡和宇宙秩序的原始想象。我们将分析这些作品在巫术仪式、氏族传承中的功能性，而非仅仅将其视为原始的“装饰”。 美索不达米亚与埃及的永恒秩序： 深度解析两河流域楔形文字浮雕中体现的王权神授思想，以及古埃及艺术中对“永恒”和“来世”的极致追求。重点剖析金字塔、神庙建筑以及壁葬艺术中严格的“正面律”和象征体系的构建逻辑。 爱琴海文明的浪漫与力量： 介绍米诺斯文明的自由奔放（如克里特岛的壁画）与迈锡尼文明的军事化风格，揭示地中海早期贸易与文化交流对艺术风格的影响。 古典世界的辉煌与理性： 希腊艺术的演变——从几何风格到古风、古典盛期（以帕特农神庙和黄金时代的雕塑群为代表），再到希腊化时期的情感爆发。重点分析“人”在艺术中的中心地位的确立，以及“理想美”的哲学基础。罗马艺术则侧重于其工程技术、写实肖像和对希腊形式的继承与改造，特别是公共建筑和凯旋纪念碑所承载的帝国意识形态。 第二编：中世纪的信仰与超越（约500年 - 1400年） 此阶段艺术的重心转向精神领域，探讨西方和东方在宗教影响下的艺术转型。 拜占庭与早期基督教艺术： 分析君士坦丁堡圣索菲亚大教堂的穹顶技术及其内部马赛克的精神性表达。探讨圣像画（Icon）的严格教义规定，以及其作为“通往神性的窗口”的功能。 西欧的权力与信仰交织： 考察加洛林文艺复兴、奥托王朝的复兴努力。重点深入分析罗马式（Romanesque）建筑的厚重防御性，以及其雕塑如何承担“教化文盲”的使命。 哥特式的向上精神： 详述哥特式大教堂（如沙特尔、亚眠）的结构革命（飞扶壁、肋拱、尖拱），光线被引入的哲学意义（“光即是神”）。分析彩色玻璃窗如何构建一个完整的“天堂镜像”。 东方宗教艺术的深度探索： 简要对比此时期印度佛教艺术（如阿旃陀石窟）对人体和叙事的处理，以及中国隋唐时期佛塔、石窟艺术（如云冈、龙门）在民族融合背景下的造像特点。 第三编：文艺复兴与古典的再生（约1400年 - 1600年） 本篇详述人类中心主义的觉醒如何重塑艺术的面貌。 意大利文艺复兴的突破： 从乔托的早期探索，到佛罗伦萨三杰（达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔）对透视法、解剖学和“人性的光辉”的系统研究。分析美第奇家族等赞助人在文化发展中的关键作用。 北方文艺复兴的细致入微： 比较佛兰德斯画派（如凡·艾克兄弟）如何运用油画颜料创造出无与伦比的写实质感和象征细节，体现出市民阶层对世俗生活的关注。 风格的张力： 探讨盛期古典主义之后的“矫饰主义”（Mannerism），分析其如何通过拉伸的形体、非自然的色彩和复杂的构图，预示着即将到来的巴洛克革命。 第四编：巴洛克、洛可可与启蒙之光（约1600年 - 1800年） 艺术成为戏剧性表达和理性辩论的工具。 巴洛克的宏大叙事： 深入剖析卡拉瓦乔的光影戏剧性、贝尼尼雕塑中瞬间的捕捉能力，以及欧洲各国（西班牙、佛兰德斯、意大利）如何运用巴洛克风格服务于天主教会的反宗教改革和绝对君主制。 荷兰的市民艺术： 聚焦于伦勃朗、维米尔等画家如何将日常场景、静物和肖像提升到历史画的高度，体现新教伦理中对勤劳、财富和家庭的肯定。 洛可可的精致与享乐： 分析路易十五时期法国宫廷艺术中对轻盈、柔美、私人沙龙主题的偏爱，以及其与巴洛克沉重感的鲜明对比。 新古典主义的回潮： 考察启蒙运动对古希腊罗马的重新推崇，大卫等艺术家如何以清晰的线条、明确的道德主题来呼应法国大革命的精神诉求。 第五编：现代性的开端与冲突（约1800年 - 1900年） 工业革命、都市化和摄影术的诞生，彻底瓦解了传统艺术的根基。 浪漫主义的激情与反叛： 德拉克洛瓦、戈雅等如何挑战新古典主义的理性边界，转向对情感、自然伟力、异域风情和时代悲剧的关注。 写实主义的社会批判： 库尔贝对“丑陋”现实的直面，以及对学院派题材的彻底拒绝。 印象派的视觉革命： 重点分析光影和色彩科学在户外写生中的应用，莫奈如何捕捉短暂的瞬间，以及马奈作为承前启后的关键人物。 后印象派的结构与情感重构： 塞尚对几何形体的探索、梵高对主观情感的色彩表达、高更对原始与象征的追寻，这些为20世纪初的抽象艺术铺平了道路。 第六编：20世纪至今的多元宇宙 本篇概述艺术史最为快速、最多元的阶段，探讨“什么是艺术”的边界被不断拓宽。 现代主义的先声： 从野兽派的色彩解放，到立体主义对多视角的解构，再到康定斯基的纯粹抽象。分析艺术如何从“再现”转向“表现”和“建构”。 战争、梦境与反艺术： 达达主义的荒诞反讽，超现实主义对潜意识的挖掘（达利、马格里特），以及表现主义对社会焦虑的强烈表达。 战后美国的崛起： 抽象表现主义（波洛克、罗斯科）对欧洲中心的挑战，以及波普艺术（安迪·沃霍尔）对消费文化和日常图像的挪用与批判。 后现代的语境转向： 极简主义对艺术本体的追问，观念艺术（Conceptual Art）将思想置于物质之上的倾向，以及当代艺术如何在全球化、技术飞速发展背景下，持续反思身份、权力和媒介的本质。 本书特色： 1. 跨文化视野： 确保东方艺术（中国、日本、伊斯兰世界）在叙事中占据应有的比例，而非仅仅作为西方艺术的附庸或补充。 2. 技术与材料的解析： 每一章节都包含对关键材料（如蛋彩、油画、蚀刻、摄影）演变及其对艺术表达限制和可能性的专门探讨。 3. 图文精选： 精选的图版不仅展示了作品本身，更配有关键的结构分析图或局部放大图，帮助读者深入理解其技术细节。 通过阅读本书，读者将获得一个宏大而细致的艺术地图，能够自信地理解和欣赏人类历史上所有重要艺术运动的深层逻辑与永恒价值。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术前沿性也令人印象深刻，它并未停留在对经典论述的重复上，而是融入了最新的考古发现和当代学者的研究成果。在处理一些历史争议性较大的课题时，作者的态度是开放而审慎的，不会强行给出唯一的“标准答案”，而是会列举不同的主流观点，引导读者进行批判性思考。这对于我们进行更高层次的学术训练，尤其是考研复试和后续研究中至关重要。它教会的不是“记住什么”，而是“如何思考”。例如，在讨论近现代艺术转型时，作者对中西文化交融的复杂性描述得极其细致，展现了极高的学术敏感度。总而言之，这本书的价值在于它不仅是一份详尽的知识地图，更是一把开启深度研究思维的钥匙，为我后续深入探索中国艺术的广阔世界打下了坚实而灵活的基础。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏这本书的地方在于其丰富的图文结合能力，这对于艺术史的学习来说至关重要。它不是那种只有文字描述的理论书，书中选取的插图既具有代表性，又往往是高清的、细节清晰的图像资料。更难得的是，对于每一幅重要的艺术作品的分析，作者都没有流于表面地赞美，而是会深入挖掘其背后的时代精神、技术创新以及关键的美学特征。例如，在解析宋代山水画的“气韵生动”时，书中会细致对比不同画派在笔墨运用上的细微差别，并辅以局部特写，让读者真正“看懂”了那些抽象的理论术语。这种“眼见为实”的教学方法，远比单纯背诵定义要有效得多。对我这个准备应试的考生来说，这种直接展示范例并进行深度解读的模式，是构建个人知识库和提升鉴赏力的最有效途径。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是一绝，拿在手里沉甸甸的，纸张的质感也特别好，那种微微泛黄的米白色调，让人一看就觉得是经过精心挑选的。封面设计简洁又不失底蕴，采用了非常经典的中国传统纹样作为点缀，那种淡雅的墨色与底色搭配起来，透露出一种历史的厚重感。我尤其喜欢那种书脊的字体排版，清晰有力，即便只是放在书架上，也像是一件艺术品。每次翻开书页，都能感受到那种印刷的精良，字迹清晰锐利，没有丝毫的油墨溢出或者模糊不清的现象。对于我这种长期与书籍打交道的学习者来说，阅读体验的舒适度直接影响学习的效率，而这本书无疑做到了极致。它不仅仅是一本教材，更像是一份值得珍藏的文化载体，看得出出版社在每一个细节上都投入了极大的心血和专业精神。这种对品质的坚持，让人在翻阅时就能感受到知识的庄重与价值。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容组织逻辑性强得令人赞叹，完全不是那种堆砌史料的枯燥读物。作者显然是花了大量时间去梳理和构建一个清晰的知识脉络，从史前艺术的萌芽状态，到周秦两汉的制度化确立，再到魏晋风度的超逸，直至唐宋的鼎盛与元明清的流变，每一步都衔接得天衣无缝，仿佛是看一部精心剪辑的历史纪录片。尤其是在关键转折点，比如从壁画到卷轴画的演变、文人画与院体画的张力等议题的处理上，作者的论述深入浅出，总能抓住核心矛盾进行剖析。我发现即便是初次接触这些复杂概念的读者，也能顺着作者的思路，逐步建立起完整的历史认知框架，而不是被各种复杂的流派名称绕晕。这种结构化的叙事方式，极大地降低了学习的门槛，同时又不牺牲学术的严谨性，实属难得的教学智慧的体现。

评分☆☆☆☆☆

与其他一些偏向于西方中心论的艺术史著作相比，这本书展现出一种极为自信和扎实的本土视角，这让人倍感亲切和踏实。它不仅仅是在讲述“发生了什么”，更是在探讨“为什么会这样发展”，充满了对中国传统文化精神的深刻洞察。作者在论述中，巧妙地将艺术发展置于当时的政治哲学、社会思潮乃至文人阶层的心态变化之中，使得艺术作品不再是孤立的物体，而是时代精神的载体。比如，对明代中晚期市民阶层兴起对工艺美术的影响分析，就非常到位，体现了宏大叙事与微观变化的完美结合。这种立足于本土文化语境的深度挖掘，使得学习过程变成了一次对民族文化认同的再确认，极大地激发了我的学习热情，让枯燥的知识点变得有血有肉，充满了人性和历史的张力。