和声分析教程音乐卷杨通八 上海音乐出版社艺术考研正版教材9787806676639 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨通八 著

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• 杨通八
• 上海音乐出版社
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• 正版
• 9787806676639
• 音乐

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787806676639

商品编码：29684836570

页数：359

图书基本信息
书名：	和声分析教程音乐卷
丛书名：	普通高等教育“九五”重点教材
作者/主编：	杨通八
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787806676639
出版年份：	2005年

版次：	第1版
总页数：	359页
开本：	1/16
图书定价：	50.00元
实际重量：	381g
新旧程度：	正版全新

 

 

 

《中国艺术教育大系:和声分析教程(音乐卷)》由上海音乐出版社出版。

 上卷 和声分析教程章 绪论一、什么是和声二、和声的作用三、关于和声分析第二章 和弦一、三和弦二、大小调中的三和弦三、七和弦四、其他和弦第三章 织体与节奏一、和块织体二、和声节奏第四章 和弦外音一、外音的主要类别二、应用中的复杂形态第五章 和声基本词汇一、什么是和声语汇二、大小调和声的基本语汇三、属七和弦的应用四、怎样划分和声语汇第六章 基本语汇的扩充一、二级和弦的应用二、六级和弦的应用三、七级和弦的应用四、三级和弦的应用第七章 终止一、终止的类别二、终止四六和弦的应用三、终止的补充与扩充第八章 离调与模进一、离调二、模进第九章 自然音转调一、转调概说二、自然音转调第十章 交替一、关系大小调交替二、同主音大小调交替三、综合交替第十一章 变和弦一、重属变和弦二、属变和弦三、其他的变和弦第十二章 变化音转调一、半音和弦转调二、等音和弦转调第十三章 调式和声……下卷 分析谱例部分 大小调自然音和声第二部分 大小调半音和声第三部分 调式和声附录一 谱例索引附录二 参考书目后记作者介绍

 该书为“中国艺术教育大系”丛书之一，是依据文化部1995年颁布的《全国高等艺术院校本科教学方案》，以艺术本科教育为主，兼顾普通艺术教育的教材。是文化部“九五”规划的重点工程。本教程不仅为作曲、理论和指挥的和声分析而编写，而且也为范围更广的音乐工作者和爱好者给他们提供诠释、理解多声部音乐作品的技术支持。

好的，这是一份关于其他音乐学习领域图书的详细简介，旨在避免与您提到的《和声分析教程 音乐卷》（杨通八 编著，上海音乐出版社）产生任何内容上的重叠。 --- 图书名称：西方音乐史：从古至今的演进与风格流变 作者： 著名音乐史学家 [此处可填入虚构或实际的权威作者名] 出版社： [此处可填入一家具有学术声望的出版社名称，例如：中央音乐学院出版社 或 人民音乐出版社] ISBN： [此处填写一个不同的、符合格式的ISBN号，例如：978-7-5038-9987-0] 定价： [此处填写一个价格，例如：188.00 元] --- 内容简介：透视西方音乐艺术的宏伟画卷 本书是一部全面而深入探讨西方音乐发展历程的学术专著，旨在为音乐专业学习者、历史研究者以及对西方古典音乐抱有浓厚兴趣的读者，构建一个清晰、细致且富有洞察力的历史框架。我们深知，音乐艺术的魅力不仅在于其瞬间的听觉体验，更在于其背后深厚的文化土壤、技术革新与时代精神的交织。因此，本书摒弃了单纯的年代罗列，转而侧重于剖析不同历史时期音乐风格的内在逻辑、核心特征、代表人物及其作品的深层意义。 第一编：奠基与早期探索（古代至中世纪早期） 本卷追溯了西方音乐的源头，从古希腊的“乐论”（如毕达哥拉斯的音律学说）如何为后世奠定理论基石，直至罗马帝国衰落后，音乐生命如何在教会体系中得以延续与发展。我们将详细考察格里高利圣咏的单音音乐体系、其模态结构（调式）的初步确立，以及记谱法（纽姆谱）从早期不精确记录向清晰记谱的艰难转型过程。重点分析了早期复调的萌芽，如奥尔加农（Organum）的出现，如何标志着西方音乐从单一旋律向多声部发展的关键转折点。 第二编：复调艺术的崛起与成熟（中世纪盛期与晚期） 中世纪盛期是西方音乐史上至关重要的一页。本书将聚焦于巴黎圣母院乐派（如列奥南、佩罗坦）对严格节奏控制的探索，以及复杂复调技巧的初步形成。随后，我们将深入探讨法国“新艺术”（Ars Nova）的思潮及其对节奏复杂性的极致追求，并对比意大利的“十四世纪音乐”。这一部分着重分析了世俗音乐（如游吟诗人的歌曲）在民间的影响力，以及清晰的节拍概念如何逐步取代早期的自由节奏。 第三编：文艺复兴的和谐与人文精神（约1450年 – 1600年） 文艺复兴时期，人文主义思想渗透至音乐创作的方方面面。本书详细阐述了“模仿手法”（Imitation）在“固定音型”（Parody Mass）和经文歌（Motet）中的广泛应用。我们辨析了以奥兰多·迪·拉索、帕莱斯特里那为代表的诸流派，特别是天主教会特伦特会议对音乐风格纯净性的要求，如何塑造了晚期复兴时期（High Renaissance）那种完美平衡、清晰可辨的复调织体。此外，对早期世俗音乐形式，如法国香颂（Chanson）和意大利牧歌（Madrigal）的细腻分析，揭示了音乐如何更直接地表达复杂的人类情感。 第四编：巴洛克时代的激情与规范（1600年 – 1750年） 巴洛克时期是音乐史上的一次剧烈变革。本书详细描绘了歌剧在意大利佛罗伦萨的诞生，以及“巴洛克艺术精神”的核心——情感主义（Affektenlehre）。我们将剖析数字低音（Basso Continuo）技法如何成为这一时代音乐的结构骨架，以及大小调体系的最终确立，取代了中世纪的调式。重点分析了托马斯·维尔迪、亨利·普赛尔、巴赫和亨德尔等巨匠的贡献，探讨奏鸣曲、协奏曲、赋格曲（Fugue）等器乐体裁的规范化过程，尤其是巴赫对对位法的集大成。 第五编：古典主义的清晰与平衡（1750年 – 1820年） 随着启蒙运动的兴起，音乐审美转向追求清晰、平衡与自然。本书阐述了奏鸣曲式（Sonata Form）如何确立为器乐的中心结构，以及“主题发展”理念的成熟。重点梳理了维也纳古典乐派（海顿、莫扎特、贝多芬早期）在交响曲、室内乐和钢琴奏鸣曲体裁上的里程碑式成就。我们深入分析了古典时期歌剧如何从“正歌剧”向更具人性深度的“喜歌剧”转变，以及对形式的严格把控如何服务于音乐表达的精准性。 第六编：浪漫主义的自我表达与个性解放（1820年 – 1900年） 浪漫主义时期是音乐家个体情感的狂欢。本书详述了主观性、民族性、幻想性如何成为创作的核心驱动力。从舒伯特的艺术歌曲（Lied）对诗歌的深刻诠释，到肖邦对钢琴独奏技巧的革命，再到瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的宏大构想，本书细致描绘了音乐语言的拓展：和声的极大自由化（如增三和弦、半音性的大量使用），配器的日益复杂化，以及体裁上的创新，如交响诗（Symphonic Poem）的诞生，如何挑战并最终突破了古典时期的形式束缚。 第七编：二十世纪的破碎与重构（1900年至今） 进入新世纪，音乐进入了一个剧烈动荡与风格爆炸的时代。本书系统梳理了印象主义、表现主义的兴起，以及对传统调性的彻底瓦解，特别是勋伯格的十二音体系（Dodecaphony）的诞生与发展。我们探讨了斯特拉文斯基对原始主义和节奏的革新，以及战后诸如序列音乐、偶然音乐、电子音乐等先锋流派的探索，展示了作曲家们如何在全球化和技术革新的背景下，持续探寻音乐表达的全新维度。 --- 本书特色： 1. 强调语境分析： 每一次风格的演变都置于其所处的社会、哲学和技术背景下进行阐释。 2. 注重跨学科联系： 深入探讨音乐与同期文学、绘画、建筑之间的相互影响，深化理解。 3. 详尽的曲目分析示例： 选取了不同时期的关键作品（如赋格、奏鸣曲、变奏曲等），提供深入的结构和织体分析，但侧重于宏观结构和风格特点，而非微观的音高与和弦进行细节推导。 4. 图文并茂的辅助材料： 包含大量珍贵历史图像、乐谱节选与时期风格对比图表，帮助读者直观感受历史变迁。 本书的目的是为读者提供一部可靠、全面且富有批判精神的西方音乐发展史指南，帮助其建立一个扎实的音乐文化素养基础，以更深刻地理解和欣赏古典音乐的丰富内涵。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的冲击力，主要体现在它对“传统”的坚守上。它非常忠实地遵循了十九世纪末期和声理论体系构建的范式，对于和声的“功能性”有着近乎宗教般的虔诚。对于追求稳健、注重基础功训练的学者来说，这无疑是最好的“定海神针”。然而，在当代音乐语境下，这种过于强调传统框架的分析方法，有时候会显得有些脱节。例如，在分析一些近现代作品时，书中的工具箱似乎有些捉襟见肘，它提供的分析视角往往会把音乐“拉回”到传统调性的轨道上来，从而忽略了那些真正具有创新性的和声实验。我阅读时常常产生这样的疑惑：如果某个作曲家故意打破了某个规则，这本书会如何解释？它更倾向于将其归类为“错误”或“例外”，而不是将其视为一种新的可能性。对于我们这些希望理解音乐发展脉络的人来说，这种“一元论”的分析方法略显局限，我更期待看到对和声理论的批判性继承与发展。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，对于一个备考艺术考研的学生来说，这本书的价值在于它的“权威性”和“全面性”。它几乎涵盖了和声分析中所有需要掌握的知识点，从最基本的和弦功能到复杂的半音进行，都做了详细的论述。但是，这种全面性也带来了一个问题——信息的密度太大了。很多章节读起来非常吃力，需要反复研读，甚至需要借助其他辅助资料来理解其中的逻辑推演。我感觉作者在力求“无遗漏”的过程中，牺牲了部分内容的“可读性”。特别是那些涉及到高等理论推导的部分，感觉更像是写给已经有深厚基础的学者看的，而不是面向广大考研群体。阅读体验上，纸张的质量和排版尚可，但图例和谱例的清晰度有时不够高，这对于视觉学习者来说是个不小的障碍。总而言之，它是一份非常详尽的“知识清单”，但“教学方法”上略显保守和刻板，缺乏那种能让人茅塞顿开的“点拨”。我更希望它能像一位经验丰富的前辈，耐心地引导我，而不是直接把整座图书馆的书都堆在我面前。

评分☆☆☆☆☆

拿到书的那一刻，那种厚重感和油墨的清香，确实让人心头一振，仿佛握住了通往专业殿堂的钥匙。我最欣赏的是它在基础概念梳理上的严谨性，每一个术语的定义都如同刻在石头上一般，不容置疑。然而，当我试图将这些知识应用到实际的钢琴演奏或作品分析中时，那种理论与实践之间的巨大鸿沟就显现出来了。比如，书中对三和弦的转位、七和弦的构成做了详尽的分解，但对于如何在实际的织体中处理这些和声的色彩变化，如何让它们听起来“对味”，描述得就显得有些单薄了。我花费了大量时间去记忆那些枯燥的规则，却发现当面对一首真实的乐曲时，我更像是一个被规则束缚的工匠，而不是一个自由的音乐表达者。我期待的“教程”是那种能带着我“走”一遍作品的，指出哪个和弦的连接是巧妙的，哪个进行是充满张力的。这本书更像是一本“字典”，它告诉你每一个词的精确含义，但没有告诉你如何用这些词语去写一首动人的诗歌。希望未来的版本能够增加更多跨越时代的、不同流派的案例分析，来佐证或挑战书中所陈述的理论。

评分☆☆☆☆☆

要评价这本书，就绕不开它在结构上的安排。它像是一部精心设计的迷宫，每一步都有严格的指引，你必须按部就班地前进，否则很容易迷失方向。开篇对基本要素的界定，如同奠基石一般，非常扎实。但是，随着章节的深入，我发现讲解的节奏感掌握得并不理想。有些地方，作者会用大篇幅去解释一个相对次要的概念，而在另一些至关重要的、容易混淆的难点上，却一带而过，仿佛认为读者应该“自然而然”地理解其中的奥秘。这种讲解上的不均衡，使得学习的效率大打折扣。我花了很长时间去消化那些看似基础，实则包含深层学理的内容，而真正需要花费心思去实践的部分，却给得不够充分。总而言之，它更像是一部为专业人士准备的参考手册，而非一本为广大学生量身打造的学习指南。如果能重新组织内容的呈现顺序，让理论的引入更符合认知规律，那它的学习价值无疑会大大提升。

评分☆☆☆☆☆

这本教材，说实话，我抱着极大的期望去翻阅的，毕竟是杨通先生的著作，又是上海音乐出版社出的，冲着这个名头，总觉得内容肯定扎实得没话说。然而，真正上手之后，才发现这玩意儿简直是理论的海洋，我感觉自己像个学徒，拿着一把小铲子，想去挖出知识的宝藏，结果挖了半天，光顾着看工具介绍和挖掘技巧的理论分析，实际的实践指导却少得可怜。比如，当我们讲到某个和声进行时，书上总是一板一眼地给出规范的解释，仿佛所有的音乐创作都必须遵循这套铁律。我更希望看到的是，在不同风格背景下，这些“规范”是如何被打破、如何被创新的，毕竟音乐是活的，不是一本死板的说明书。书中大量的篇幅似乎都在致力于构建一个完美无缺的理论体系，这对于初学者来说，无疑是一堵高耸入云的墙。它要求读者必须先具备相当的理论基础，才能真正理解它想要传达的精髓，否则，可能连入门的门槛都摸不着。我个人更倾向于那种能够结合大量实例，深入剖析不同作曲家处理和声手法的教材，那样学起来会更有代入感和启发性。这本书给我的感觉，更像是一部精密的手册，而不是一本引人入胜的“教程”。