音乐作品分析教程音乐卷钱仁康上海音乐出版社艺术考研正版9787805539546 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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钱仁康 著

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• 音乐作品分析
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• 钱仁康
• 上海音乐出版社
• 高等教育
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• 音乐学
• 考研参考书
• 9787805539546

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805539546

商品编码：29684836319

页数：590

图书基本信息
书名：	音乐作品分析教程  音乐卷
丛书名：	普通高等教育“九五”重点教材
作者/主编：	钱仁康
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787805539546
出版年份：	2003年

版次：	第2版
总页数：	590页
开本：	1/16
图书定价：	85.00元
实际重量：	1.1kg
新旧程度：	正版全新

《中国艺术教育大系·音乐卷:音乐作品分析教程》由上海音乐出版社出版。

《中国艺术教育大系》序前言篇 绪论章 音乐语言的表现作用节 总论第二节 旋律线第三节 音调第四节 奏第五节 拍第六节 速度、力度第七节 音区、音色第八节 和声第九节 调性、调式第十节 织体第二章 乐思的发展和音乐的结构功能节 乐思的发展第二节 乐思的陈述和音乐的结构功能 第二篇 主调音乐分析章 乐段节 概述第二节 单乐段第三节 复乐段及多重乐段第四节 展开型乐段第五节 一气呵成的乐段第六节 “无终旋律”式的乐段第七节 乐段的补充、扩充和约缩第八节 乐段的应用范围第二章 单二部曲式节 概论第二节 单主题二部曲式第三节 对比主题二部曲式第四节 再现部第五节 单二部曲式的分节歌第六节 单二部曲式的应用范围作品实例分析分析曲目第三章 单三部曲式节 概论第二节 部分第三节 单主题的中部第四节 对比主题的中部第五节 混合的中部和性的中部第六节 连接部第七节 再现部第八节 单三部——五部趋势及介于二部和三部之间的曲式第九节 各部分的反复第十节 单三部曲式的起源和应用范围作品实例分析分析曲目第四章 复三部曲式和复二部曲式节 复三部曲式概述第二节 复三部曲式的部分第三节 复三部曲式的三声中部第四节 复三部曲式的插部第五节 复三部曲式的性中部第六节 复三部曲式的再现部第七节 复三部曲式的复杂化第八节 复二部曲式第九节 复三部和复二部曲式的应用范围作品实例分析分析曲目第五章 回旋曲式……第六章 变奏曲式第七章 奏鸣曲式第八章 奏鸣回旋曲式第九章 混合曲式第十章 自由曲式 第三编 复调音乐分析章 复调音乐概论第二章 卡农第三章 赋格 第四编 器乐套曲章 古组曲第二章 近现代组曲第三章 奏鸣——交响套曲 第五编 声乐——器乐套曲章 组歌第二章 巴罗克康塔塔第三章 巴罗克以后的康塔塔第四章 现代康塔塔第五章 巴罗克清唱剧第六章 巴罗克以后的清唱剧第七章 现代清唱剧 第六编 戏剧音乐分析章 歌剧第二章 舞剧附谱目录乐段单二部曲式单三部曲式复三部曲式回旋曲式变奏曲式奏鸣曲式奏鸣回旋曲式附录一 名词解释附录二 分析作品索引

音乐作品分析的着眼点包括音乐语言的各种要素——旋律、节拍、节奏、调式、调性、和声、复调、织体、配器等等；本教程分为六编：一、绪论；二、主调音乐分析；三、复调音乐分析；四、器乐套曲；五、声乐—器乐套曲；六、戏剧音乐分析。重点放在第二编主调音乐分析。分析的方法借鉴传统曲式学，加以调整充实，并采用结构图式（主调音乐）和图表（复调音乐），加强直观教学。分析的对象以西方巴罗克—古典—浪漫时期和中国现代作品为主，旁及西方现代作曲家的声乐—器乐套曲和戏剧音乐。音乐作品分析是一门新兴的学科，从中华人民共和国成立以后开设这门学科，到现在只有不到五十年的历史。本书作者虽曾先后参与了这门学科的教学工作。《普通高等教育土建学科"十五"规划教材?高校建筑学指导委员会规划教材:外国近现代建筑史(第2版)》反映了国外自18世纪中叶工业至今两百余年来的建筑文化发展概况，《普通高等教育土建学科"十五"规划教材?高校建筑学指导委员会规划教材:外国近现代建筑史(第2版)》适合建筑学、城市规划使用，也可供土建及相关人员学习与工作参考。 

辉煌的交响：西方音乐史的宏伟画卷 （一本全面梳理西方古典音乐发展脉络的权威著作） 本书旨在为读者呈现一幅波澜壮阔的西方音乐发展史画卷，从古希腊的神秘吟唱，到巴洛克时期的精雕细琢，再到浪漫主义的激情澎湃，直至二十世纪及当代的多元探索。我们摒弃了枯燥的年代罗列，转而以深入的文化背景、鲜明的风格特征以及对关键作曲家及其作品的细致剖析为核心，引导读者领略西方音乐艺术的演进与魅力。 第一部分：序曲——音乐的起源与古典的奠基（中世纪至文艺复兴早期） 本部分将追溯西方音乐的源头。我们首先探讨了古希腊音乐理论对后世的深远影响，特别是毕达哥拉斯音程体系的构建。随后，我们将步入中世纪的殿堂，细致解析格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音音乐特征及其在教会生活中的核心地位。重点章节将阐述复调音乐的萌芽与发展——从早期奥尔加农（Organum）的并行与自由，到巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）如列奥南和佩罗坦的精妙对位，标志着西方音乐从神圣单一走向复杂交织的重大转折。 文艺复兴时期的到来，带来了“以人为本”的思想变革，音乐也随之解放。本部分将深入分析佛兰德斯乐派（如雅各布·凡·奥克海姆）如何完善了模仿对位技巧，以及弥撒曲与经文歌在这一时期的结构完善。此外，世俗音乐的蓬勃发展，特别是法国香颂和意大利牧歌（Madrigal）如何以更丰富的情感和更贴近文字的表达方式，预示着未来音乐戏剧的可能。我们还将考察早期乐器发展，如鲁特琴和维奥尔琴在宫廷中的作用。 第二部分：巴洛克的高光时刻——情感的张力与结构的辉煌（约1600-1750年） 巴洛克时期是西方音乐史上最具戏剧性和结构复杂性的阶段之一。本书用大量篇幅解析了“歌剧”（Opera）这一全新体裁的诞生及其早期发展，从蒙特威尔第《奥尔费奥》对情感的史诗般描绘，到普赛尔在英国的探索。 核心内容聚焦于巴洛克音乐的两大基石：数字低音体系（Basso Continuo）的运作原理，以及主调音乐（Tonality）的最终确立。我们详细阐述了巴赫（J.S. Bach）的伟大成就，不仅限于他的赋格曲（Fugue）如何将对位艺术推向顶峰（以《平均律钢琴曲集》为例），还分析了他在清唱剧和受难曲中对神学思想的音乐化表达。 同时，本书对器乐的发展给予了同等重视。协奏曲（Concerto）的“快-慢-快”结构如何通过维瓦尔第得到标准化，奏鸣曲和组曲的规范化，以及大键琴技巧的精进，共同构筑了巴洛克音乐的宏伟殿堂。亨德尔的清唱剧（如《弥赛亚》）中合唱的恢弘气势，也作为该时期社会音乐生活的缩影被详细解读。 第三部分：古典主义的典雅与平衡——秩序之美与清晰的结构（约1750-1820年） 随着启蒙运动的兴起，音乐风格转向追求清晰、平衡与普世性。本部分着重分析了奏鸣曲式（Sonata Form）如何成为古典主义器乐创作的骨架，以及其内部“呈示-发展-再现”的戏剧性张力。 维也纳古典乐派三巨头——海顿、莫扎特和贝多芬——是本部分的灵魂人物。我们通过海顿被誉为“交响曲之父”的地位，审视了交响曲（Symphony）和弦乐四重奏（String Quartet）作为室内乐典范是如何确立其标准范式的。莫扎特的音乐则以其无与伦比的旋律天赋和歌剧（如《费加罗的婚礼》）中对人物心理的细腻刻画而著称。 贝多芬的出现标志着古典主义向浪漫主义过渡的关键节点。本书细致分析了他是如何突破既有形式的桎梏，赋予交响曲更宏大的叙事性（如他的九部交响曲），并为后世作曲家拓展了音乐表达的边界。此外，钢琴的崛起及其在奏鸣曲和变奏曲中的主导地位，也是本章的重要议题。 第四部分：浪漫的激情与民族的呼唤——情感的无限扩展（19世纪） 十九世纪是音乐家充分释放个人情感和探索民族身份认同的时代。本书探讨了浪漫主义的核心特征：对个人主观体验的推崇、对异国情调和超自然事物的迷恋，以及对“绝对音乐”与“标题音乐”之间辩论的兴起。 李斯特（Liszt）的“交响诗”（Symphonic Poem）作为标题音乐的集大成者，如何利用自由的结构来描绘文学或绘画主题，被详细解析。肖邦（Chopin）的钢琴独奏作品，特别是夜曲、叙事曲和波兰舞曲，展现了键盘音乐的极致抒情性。 此外，民族主义音乐的兴起是本时期的一大特色。本书专门辟章介绍“俄国五人组”、“捷克民族乐派”（如德沃夏克）以及北欧作曲家（如格里格），分析他们如何从本国民歌、民间传说中汲取灵感，构建具有独特文化标识的音乐语言。在声乐领域，舒曼和舒伯特的艺术歌曲（Lied）如何将诗歌与钢琴伴奏完美融合，达到“歌中有画，画中有诗”的境界，也是重点分析对象。 第五部分：变革与解构——二十世纪的多元探索（1900年至今） 进入二十世纪，西方音乐经历了剧烈的“去中心化”和风格的爆炸性发展。本书清晰梳理了从瓦格纳晚期对调性（Tonality）的瓦解开始，直至现代主义的全面爆发。 印象主义（如德彪西）如何通过色彩和模糊的音响效果，捕捉瞬间的感官印象；表现主义（如勋伯格的无调性、十二音体系）如何以极端的内心焦虑描绘现代人的精神困境，构成了对古典传统最激烈的反叛。 我们随后探讨了“新古典主义”试图回归清晰结构的反向运动，以及斯特拉文斯基等作曲家对原始节奏和异域色彩的运用。二战后，电子音乐、偶然音乐（如约翰·凯奇）以及极简主义（Minimalism）的出现，彻底拓宽了“什么是音乐”的定义。本书试图提供一个框架，帮助读者理解后现代音乐的复杂性和多样性，包括对过去风格的引用与戏仿，以及当代音乐在科技驱动下的新方向。 通过对这些关键阶段的详尽梳理，本书旨在培养读者一种历史的眼光，使其能够欣赏到西方音乐从神圣礼仪到个体心声，从严谨对位到自由探索的完整发展轨迹，从而更深刻地理解每一部音乐作品背后的时代精神与艺术追求。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张质量也让我感到惊喜。在如今很多教材都追求快速、低成本印刷的时代，这本教材的用纸厚实，印刷清晰，即便是反复翻阅和在上面做大量笔记也不会轻易损坏。这对于我们这些需要长期和教材打交道的学习者来说，是非常重要的细节体验。更值得称赞的是，它对复杂织体的分析简直是教科书级别的范本。我之前在分析管弦乐配器时，经常会忽略掉一些微妙的声部进行，导致对整体音响效果的理解出现偏差。这本书里，针对复杂的复调作品，它会细致到每一个声部的走向，如何与主旋律形成张力与和谐，甚至会提及一些特定乐器音色在整体中的作用。这让我意识到，作品分析不仅仅是结构和和声的拼图，更是对作曲家“听觉想象”的还原过程。通过这本书的引导，我开始学会更专注地聆听音乐的每一个层次，而不是只被表面的旋律所吸引。这种对细节的执着，体现了出版社和作者对音乐教育的严谨态度。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我一开始是冲着这本书的“考研”名头买的，以为会是那种枯燥乏味的应试材料。但读完前几章后，我发现自己完全被吸引住了。它打破了我对传统理论教材的刻板印象，它的文字风格非常富有感染力，读起来一点都不费劲。特别是对于一些跨学科的联系处理得非常巧妙。比如，在分析印象派音乐时，作者会自然地引入当时绘画和哲学的思潮，帮助我们理解音响色彩是如何对应到视觉和精神层面的。这种宏观视野的构建，让我明白了音乐分析的最终目的，是为了更全面地理解人类艺术的表达。书中提供的许多练习题和案例分析，都非常贴近实际的演奏和欣赏需求，它教会我的不是如何应付考试的技巧，而是如何真正去“品味”一部作品。这种由内而外的提升，远比单纯记住几个知识点要宝贵得多。

评分☆☆☆☆☆

这本乐理书的讲解方式真是太清晰了！我记得我以前学对位法的时候总是觉得云里雾里的，各种规则和例外绕得我头昏脑涨。但是这本书里，作者好像有一种魔力，能把最复杂的概念也拆解得井井有条。尤其是关于和声进行的部分，他不仅罗列了传统的规则，还结合了很多经典曲目的实例来阐述，让我一下子就明白了为什么某些和弦连接听起来“对”，而另一些则“错”。比如，书里对比分析了巴赫和声与德彪西和声的差异，这种跨越时代的比较让我对功能和声的理解提升了一个层次。而且，书中的图示和谱例都排版得非常精美，标注得一丝不苟，即便是初学者也能很快找到重点。我特别喜欢它对曲式结构分析的处理，不是那种干巴巴的套公式，而是真正引导你去感受音乐的呼吸和逻辑。总之，这是一本能让人从“知道”到“理解”的实用指南，对于准备专业考试或者希望深入研究作品的乐迷来说，绝对是案头必备的良器。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值远超出了其作为一本教材的定位。它更像是一部系统性的、对音乐思维进行深度训练的工具书。我尤其欣赏它在处理音乐史脉络上的连贯性。很多理论书会割裂地讲解不同时期的技术，让人感觉这些知识点是孤立的。而这本书却成功地构建了一条清晰的线索，展示了技术是如何随着时代精神而演进的，比如从功能和声向无功能和声过渡时的那些“过渡性”技巧是如何被发现和使用的。书中对某些标志性作品的深度剖析，简直可以拿来作为硕士论文的写作参考，其严谨的论证和清晰的逻辑结构令人印象深刻。我发现，自从开始系统地研读这本书，我在聆听任何一部复杂音乐作品时，都会不自觉地调动起书中学到的分析框架，这说明它已经内化成了我自己的思考方式。对于任何一位严肃对待音乐学习和研究的人来说，这本书都是一次投资回报率极高的阅读体验。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对国内出版的理论教材一直抱有一种复杂的感情，总觉得很多要么太学院派，要么过于浅尝辄止。然而，这本关于作品分析的书籍，给我的感觉是恰到好处的平衡。它的深度足够让科班出身的人觉得受用，广度也能覆盖到艺术院校考研所需的核心知识点。我印象最深的是它对不同时期作曲家创作手法的细微差别捕捉得极其精准。例如，在谈到奏鸣曲式的发展时，它没有停留在经典的“呈示部-展开部-再现部”的框架内，而是深入探讨了贝多芬晚期如何通过主题的片段化和调性的模糊来拓展结构，这才是真正有价值的分析。阅读过程中，我感觉自己像是在一位经验丰富的大师身边上课，他不仅告诉你“是什么”，更重要的是告诉你“为什么会这样”。这种启发式的教学方法，极大地激发了我主动思考的兴趣，不再满足于死记硬背乐理术语，而是开始尝试自己去“听懂”音乐的内在驱动力。对于那些想从“乐谱阅读者”蜕变为“音乐诠释者”的读者，这本书无疑是提供了坚实的阶梯。