电视音响创作技巧 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

顾肖联 著

图书标签:

• 电视音响
• 音响制作
• 音频工程
• 声音设计
• 影视配音
• 后期制作
• 音效
• 混音
• 录音技巧
• 音频处理

店铺： 博学精华图书专营店

出版社： 中国广播影视出版社

ISBN：9787504341884

商品编码：29729520839

包装：平装

出版时间：2004-01-01

基本信息

书名:电视音响创作技巧

：19.00元

售价：12.9元,便宜6.1元,折扣67

作者:顾肖联

出版社：中国广播影视出版社

出版日期：2004-01-01

ISBN：9787504341884

字数：230000

页码：316

版次：1

装帧：平装

开本：

商品重量：0.300kg

编辑推荐

内容提要

本书着重于从声音艺术的角度去描述电视中声音的作用及电视节目的创作方法。
全书分为五个部分共十五章，部分讲述声音在传媒中的作用。第二部分讲述声音的基本原理和声音制作设备的使用。第三部分讲述电视声音与画面的关系及声音的构成。第四部分讲述电视节目的声音创作方法。后，根据电视数字化的发展趋势对电视立体声的制作谈了自己的体会。
本书可对电视创作人员有借鉴价值和参考意义。对高等院校影视专业的教师、学生也有一定的帮助；也可以作为教材戒教学参考书。

目录

作者介绍

文摘

序言

《声画之间：沉浸式音频的艺术与实践》 引言：听觉的魔术师，构建情感的通道 在数字内容的浪潮中，我们早已习惯了视觉的冲击，但往往忽略了声音的深邃力量。电视作为一种强大的媒介，其魅力远不止于画面。真正让观众沉浸其中、情感共鸣的，是那精心雕琢的听觉体验。从宏大的史诗场景到细腻的人物对话，再到令人心悸的音效设计，声音如同无形的画笔，勾勒出画面的灵魂，触动着观者的内心最柔软的角落。 《声画之间：沉浸式音频的艺术与实践》并非一本简单的技术手册，而是一次关于声音艺术的深度探索。它邀请你走进一个由声音构筑的奇妙世界，在那里，你将学会如何用听觉的语言讲述故事，如何用音波传递情感，如何创造出既真实又富有想象力的听觉景观。这本书将带你超越单纯的“听到”，去“感受”，去“体验”，去理解声音如何在视觉的框架内，赋予内容更深邃的生命力和感染力。 第一章：声音的语汇——解析电视音频的构成要素 声音并非单一的个体，它是由多种元素交织而成的复杂织体。在本章中，我们将深入剖析电视音频的基石，让你理解每一种声音背后的意义和作用。 对白（Dialogue）的生命力： 对白是故事的核心载体，但其表现力远不止于清晰的语言传递。我们将探讨： 演员表演与声音的契合： 如何通过声音的节奏、语调、呼吸来捕捉和放大演员的情绪？声音表演的细微之处，如何传达角色的内心世界？ 空间感与临场感： 如何通过混响、回声、衰减等技术，让对白听起来仿佛就发生在观众的耳边？不同场景下（如空旷大厅、狭窄房间、户外环境），对白的录制与处理有何不同？ 层次与清晰度： 如何在复杂的音景中，确保对白始终清晰可辨，成为信息的焦点？多角色对白的处理技巧，如何避免混淆，突出重点？ 声音的质感与角色塑造： 如何通过声音的细节（如嘶哑、颤抖、低沉）来刻画角色的性格、年龄、情绪状态？ 音乐（Music）的情感指挥棒： 音乐是调动观众情绪最直接的工具。本章将深入解析音乐在电视叙事中的关键作用： 主题曲与配乐的艺术： 如何创作或选择能够代表故事核心、引发观众共鸣的主题音乐？配乐如何烘托气氛，引导情绪，加深观众对情节的理解？ 音乐的节奏与画面节奏的同步： 如何让音乐的律动与画面剪辑、动作相结合，创造出流畅而富有冲击力的视听体验？ 情绪的递进与渲染： 如何利用音乐的旋律、和声、配器来表现角色的内心活动、情节的转折，以及营造紧张、喜悦、悲伤等不同情绪？ 音效与音乐的融合： 如何让背景音乐与特有的音效和谐共存，相互衬托，而非相互干扰？ 音效（Sound Effects）的真实与想象： 音效是构建世界真实感和想象力的关键。我们将揭示音效设计的奥秘： 环境音（Ambiance/Background Sound）： 如何捕捉和创造自然的环境声音（风声、雨声、人群喧哗声），为场景注入生命力，使其更具真实感？ 事件音（Event Sound）： 枪声、脚步声、门铃声、汽车鸣笛声等，这些具体的事件声音如何增加画面的冲击力和叙事性？ 转场音（Transition Sound）： 过渡性的音效如何平滑地连接不同场景，保持叙事的连贯性？ 特殊音效（Special Effects/Foley）： 模拟现实中不存在的声音，或对现有声音进行夸张、变形处理，创造出奇幻、科幻或恐怖的听觉效果。 Foley（拟音）的魔力： 细致入微的拟音，如何为日常动作（如脚步、衣物摩擦、道具互动）赋予真实的质感，让观众“听”见细节？ 第二章：声音的语言——叙事与情感的构建 声音不仅仅是画面的附属，它本身就是一种强大的叙事语言，能够独立传达信息，塑造情感，甚至引导观众的认知。 声音的叙事功能： 信息传递： 除了对白，环境音、特殊音效也能传递重要的叙事信息，例如远处传来的警笛声暗示危险即将到来。 时间与空间指示： 特定声音（如教堂钟声、海浪声）可以明确场景的时间和地点。声音的远近、强弱变化也能暗示空间的距离。 情绪烘托与引导： 音乐和音效是调动观众情绪的利器。紧张的音乐预示着冲突，舒缓的旋律则带来平静。 角色心理的刻画： 角色的内心独白、梦境音效、甚至呼吸声的细微变化，都能反映角色的心理状态。 制造悬念与惊喜： 突然的静默，或意想不到的声音出现，都能有效地制造悬念，抓住观众的注意力。 情感共鸣的调动： 声音的“触感”： 某些声音（如细语、叹息）能触动观众内心深处的柔软；而某些声音（如尖叫、金属碰撞）则能引发本能的恐惧或不安。 记忆与联想： 特定的声音往往与观众的个人经历或集体记忆相关联，唤起深层的情感反应。 节奏与情感的对应： 慢节奏的声音营造沉思、悲伤氛围；快节奏的声音则带来兴奋、紧张感。 声音的空间感与亲密感： 近距离的对话声能增强亲密感，而遥远的回声则可能带来疏离或孤独感。 超越视觉的表达： “听”见的想象： 某些情节，仅凭声音的提示，便能让观众自行脑补画面，激发其想象力。例如，听到雨滴打在窗户上的声音，观众便能想象出窗外的景象。 主观视角与内心世界： 通过声音的处理，可以将观众带入角色的主观感受，体验其内心的混乱、恐惧或喜悦。 抽象概念的具象化： 如何通过声音来表现抽象的情感，如“希望”、“绝望”、“迷茫”？ 第三章：声音的魔法——录制、处理与混音的实践 理论的根基在于实践。本章将带领你了解声音从录制到最终呈现的整个流程，掌握关键的技术手段。 录制的基础： 麦克风的选择与运用： 不同类型的麦克风（动圈、电容）在录制对白、环境音、特殊音效上的特点和适用场景。 录音环境的控制： 如何减少不必要的噪音干扰，创造洁净的录音空间？ 拾音技巧： 距离、角度、收音范围的调整，如何捕捉最理想的声音信号？ 同期声与后期音效： 现场录制的对白和音效，与后期制作的声音素材有什么区别和联系？ 声音的后期处理： 降噪与修复： 如何去除录音中的杂音、嘶嘶声、爆破音？ 均衡（EQ）的应用： 调整声音的频率，使对白更清晰，音乐更饱满，音效更具冲击力。 动态处理（Compression/Limiting）： 控制声音的响度范围，使不同音源的音量趋于一致，避免声音过大或过小。 混响（Reverb）与延迟（Delay）： 模拟不同空间的回声效果，增强声音的真实感和空间感。 声像（Pan）的运用： 将声音放置在立体声场中的不同位置，营造空间感和方向感。 声音变形与创意效果： 变声、失真、滤波等，如何用于创造特殊音效，或表现角色的非正常状态？ 混音的艺术： 声音的平衡： 如何将对白、音乐、音效等多种音源按比例混合，达到最佳的听觉效果？ 层次感的构建： 如何让不同的声音元素有机地结合，形成丰富而富有层次的音景？ 主次分明： 在复杂的音景中，如何突出重要信息，例如确保观众始终能听清对白？ 情绪的引导与渲染： 通过混音的技巧，进一步放大音乐和音效的情感感染力。 立体声与环绕声（Surround Sound）的考量： 不同播放格式下，混音的策略和技巧差异。 第四章：场景的沉浸——空间、氛围与叙事融合 声音是构建虚拟空间的“砖瓦”。本章将探讨如何利用声音，将观众带入到电视节目的每一个场景之中。 环境音的真实再现： 写实主义的声音设计： 如何精确地模仿现实世界的声音，例如城市街道的喧嚣、森林中的鸟鸣虫叫。 声音的“地理定位”： 不同地域、不同文化背景的声音特征。 季节与天气的声音： 雪花飘落的寂静、夏日雷雨的轰鸣，如何通过声音展现时间流逝和天气变化？ 氛围营造的心理学： 营造紧张与悬念： 滴答作响的时钟、远处微弱的脚步声、压抑的低频音，如何通过这些声音让观众感到不安？ 营造浪漫与温馨： 柔和的背景音乐、温馨的炉火噼啪声、轻柔的低语，如何创造出亲密舒适的氛围？ 营造神秘与奇幻： 未知的嗡鸣声、缥缈的回响、非现实的音效，如何激发观众的好奇心？ 声音与色彩的联觉： 声音如何影响观众对色彩的感知？冷色调的声音与暖色调的声音有什么不同？ 叙事与声音的联动： “未见其影，先闻其声”： 如何通过声音的提示，提前告知观众即将发生的事情，或引入即将出现的角色？ 反衬与对比： 在宁静的画面中加入突兀的声音，或在喧嚣的场景中保留一处寂静，如何利用声音的反差增强叙事效果？ 主观视角的听觉化： 当角色陷入沉思、痛苦或狂喜时，如何通过声音的变化来表现其内心世界的波动？ 叙事节奏的控制： 声音的快慢、强弱、密疏，如何与画面剪辑配合，掌控叙事的整体节奏？ 第五章：未来的声景——技术革新与创作趋势 声音技术在不断发展，新的创作可能性也在不断涌现。本章将展望电视音频的未来。 沉浸式音频技术（Immersive Audio）： 杜比全景声（Dolby Atmos）等技术简介： 如何在传统立体声基础上，增加高度维度，创造出更具空间感的听觉体验？ 声音对象的概念： 如何将声音视为独立的“对象”，在三维空间中精确地定位和移动？ 观众的参与感： 沉浸式音频如何让观众感觉自己“置身于”故事之中？ 人工智能（AI）在音频创作中的应用： AI辅助的降噪与修复： AI在处理嘈杂录音方面的潜力。 AI生成的背景音乐与音效： AI是否能成为创作者的灵感伙伴，甚至直接生成部分音频内容？ AI驱动的语音合成与处理： 更自然、更具表现力的AI语音。 跨平台的声音体验： 移动设备、智能音箱等不同播放终端的声音优化： 如何确保声音在各种设备上都能呈现最佳效果？ 互动式音频的可能性： 在未来的内容中，观众是否能通过声音与内容进行互动？ 新的叙事模式与声音美学： 更具实验性的声音运用： 声音在独立电影、纪录片、短视频等不同内容形式中的创新应用。 声音在非虚构内容中的力量： 如何利用声音增强新闻报道、纪录片的可信度和感染力？ 声音作为独立艺术形式的探索： 声音艺术本身的发展及其与电视内容的结合。 结语：倾听，感受，创造 《声画之间：沉浸式音频的艺术与实践》希望成为你探索声音世界的向导。通过深入了解声音的构成、叙事功能、实践技巧以及未来趋势，你将能够更加敏锐地捕捉和理解电视内容中的声音信息，并最终掌握用声音创造出更具感染力、更动人心魄的视听体验。 本书并非终点，而是激发你无限创意的起点。当你下次观看一部精彩的电视节目时，请尝试闭上眼睛，用心去“听”。你会发现，声音的世界同样广阔而奇妙，等待着你去发现、去感受，去用你的双手，为世界创造出更加动人的声画乐章。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格异常的严谨和学院派，每一个技术术语都配有非常正式的定义，几乎没有留给读者太多自由想象的空间。我在阅读过程中，总感觉自己像是在参加一场冗长的技术研讨会，而不是在学习一种充满活力的艺术创作。书中对“音乐在影视中的作用”的部分尤其让我感到困惑。它强调了音乐与画面同步的重要性，提到了许多关于BPM匹配和调性选择的原则，但对于如何打破常规、如何利用不和谐音来表达角色内心的冲突，或是如何运用极简的音景来放大某一瞬间的情感张力，这些艺术层面的探讨几乎被完全省略了。它像是一个完美主义的工程师，恪守着每一个既定的规则，却忘记了创作的魅力往往诞生于对规则的巧妙颠覆。如果我是一个刚接触音乐制作的新手，或许会被这些详尽的规范所束缚，反而失去了探索声音边界的勇气。这本书更适合那些需要严格遵循行业标准和规范的商业后期制作团队，对于追求个人风格和实验性表达的创作者来说，参考价值有限。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值似乎更多地体现在对“硬件和软件系统兼容性”的知识普及上，而非声音的艺术性表达。对于那些正在为工作室采购设备、或者需要理解不同音频接口之间延迟差异的专业人士来说，其中的数据和图表无疑是极具参考价值的。它详细比较了AVID Pro Tools与Logic Pro X在处理大型交响乐项目时的性能差异，分析了光纤与平衡XLR连接在抗干扰能力上的具体表现。但从一个听众和创作者的角度来看，我渴望的“技巧”是一种关于如何调动观众情绪的“魔法”，一种关于如何用声音讲述故事的叙事策略。这本书提供的，更像是制造魔杖的材料学和物理学知识，而不是施放咒语的具体口诀。它教会了我如何确保系统稳定运行，如何避免爆音和失真，但没有真正教会我如何让一个简单的雨声听起来像“救赎的开始”或者“绝望的序曲”。所以，如果你的目标是成为一个优秀的系统工程师，这本书或许能帮你走得很远，但若想成为一个能用声音打动人心的艺术家，你可能需要寻找其他更侧重于审美和叙事的著作。

评分☆☆☆☆☆

这本书拿到手的时候，我其实是冲着那个“创作技巧”去的，想象中应该会有很多关于如何用声音来烘托画面气氛、如何进行音效设计与音乐编排的深度剖析。然而，读完之后，我发现它更像是一本侧重于“技术实现”和“设备选型”的工具手册，而非我期待的那种充满创意思维指导的著作。比如，书中花了大量的篇幅去讲解不同类型功放的参数对比、数字信号处理（DSP）的原理，甚至还细致地列举了市面上主流环绕声解码芯片的优缺点。这些内容对于一个想搭建家庭影院或者刚入行的录音师来说，或许是宝贵的参考资料，但对于我这种主要关注叙事结构与听觉美学的创作者而言，信息密度似乎偏离了航向。我更希望看到的是，当导演需要一个“压抑的末日感”时，音效设计师是如何从零开始构建这个听觉世界，而不是单纯地告诉你阻抗匹配的重要性。那种关于如何通过声音的层次感、动态范围的巧妙处理来推动情节发展的具体案例，几乎是寥寥无几，这让我感到略微的失落。书本的排版倒是清晰明了，图表也很多，但这些详尽的电路图和频率响应曲线，并不能直接转化为我创作灵感的火花。

评分☆☆☆☆☆

我注意到书中对“后期制作流程管理”有着非常详尽的描述，从素材的导入、时间线的组织，到混音台的自动化设置，甚至是文件命名和备份策略，都有模板化的流程指导。这一点无疑展现了作者在行业内的丰富经验，它提供了一个非常稳固、可靠的工作框架，保证了大型项目的可控性和高效性。然而，作为一名侧重于“创作”的读者，我最关心的，那些关于如何通过细微的调整来提升作品“灵魂”的部分，却常常被淹没在这些流程性的细节之中。例如，书中详细介绍了混音时推子（fader）的精确移动范围，但并未深入探讨在某个特定场景中，是应该让环境音略微盖过对白以营造压迫感，还是应该让对白清晰到令人不安。这种艺术判断层面的权衡与取舍，才是创作技巧的核心，但这本书的笔墨似乎主要集中在了“如何把这些推子移动到位”的技术操作上，而非“为什么要这样移动”的艺术动机上。这让我感觉这本书更像是操作手册的增补，而非创作哲学的阐述。

评分☆☆☆☆☆

我花了整整一个周末来研读这本书，尤其是在关于“空间音频”和“沉浸式体验”的那几个章节，我本以为能从中窥见未来影音领域的一些前沿趋势和实践心得。毕竟，随着杜比全景声和Auro-3D的普及，如何让观众真正“置身”于声音场景中，是每一个声音设计师绕不开的课题。但是，这本书对这些高阶概念的处理，显得有些隔靴搔痒，像是在做教科书式的名词解释。它描述了多声道布局的标准角度和高度，清晰地罗列了不同格式的声道数量，但对于“声音的意图性移动”和“听众心理声学效应”的探讨，却是蜻蜓点水。比如，如何用声像的精准定位来误导观众，制造悬念，书中并未给出任何具体的创作脚本分析或案例拆解。它似乎更热衷于讨论如何通过调整均衡器（EQ）来修正某一特定房间的声学缺陷，而不是教我们如何“创造”一个不存在的、但听起来无比真实的声场。整体来看，它更像是一本优秀的“音响系统调试指南”，而非一本“声音艺术创作指南”，两者之间的界限划分得非常模糊，这让阅读体验变得有些错位。