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王晓威 著

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• 服装史
• 艺术

店铺： 满苑逞娇图书专营店

出版社： 中国轻工业出版社

ISBN：9787501982592

商品编码：29736283469

包装：平装

出版时间：2011-08-01

基本信息

书名：国际时装大师与作品

定价：45.00元

作者：王晓威

出版社：中国轻工业出版社

出版日期：2011-08-01

ISBN：9787501982592

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.381kg

编辑推荐

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本书集合了十四位国际*时装大师，讲述他们各自的成长经历、设计和品牌的发展历程，剖析他们的设计思想，分析他们的设计作品，使你对时装设计有更深层次的认识和领悟。同时，以流畅的文风、众多的彩图、使其兼具可读性和实用参考价值。

内容提要

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本书集合了十四位国际*时装大师，讲述他们各自的成长经历、设计和品牌的发展历程，剖析他们的设计思想，分析他们的设计作品，使你对时装设计有更深层次的认识和领悟。同时，以流畅的文风、众多的彩图、使其兼具可读性和实用参考价值。

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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跨越光影的叙事：当代艺术与社会变迁中的视觉探索 书籍名称： 《视界重构：当代艺术中的符号、空间与权力》 书籍简介： 本书旨在深入剖析二十世纪末至今，全球艺术图景如何被社会结构、技术革新与意识形态冲突所塑造与重塑。我们聚焦于那些挑战既有美学范式，并将艺术实践延伸至公共领域、技术介面与身份政治核心的创作群像。这不是一部关于特定媒介或地域的编年史，而是一场对“何为艺术”、“艺术如何介入现实”的深度对话。 第一部分：符号的坍塌与重塑——图像权力的新场域 在信息爆炸的时代，图像的生产与流通速度前所未有。本部分将首先探讨后现代主义语境下，传统符号学理论所遭遇的挑战，以及当代艺术家如何利用解构、挪用和再语境化等策略，揭示主流叙事背后的意识形态滤镜。 一、数字殖民与屏幕政治： 我们考察了网络文化、虚拟现实（VR/AR）技术如何成为艺术家新的画布与媒介。重点分析了以曹斐、哈拉尔·施塔赫尔为代表的艺术家，如何通过构建数字孪生世界或利用算法生成图像，探讨身份在赛博空间中的流动性与异化。他们不再仅仅是描绘技术，而是利用技术本身作为批判的工具，揭示数据控制与监控资本主义下的个体经验。探讨的议题包括：身份的碎片化、后人类主义的伦理困境，以及虚拟劳动与真实剥削的隐秘联系。 二、身体作为政治场域： 本章深入研究了身体在当代艺术中的多重功能：它既是审查的客体，也是反抗的载体。我们细致梳理了表演艺术（Performance Art）中对性别、种族和性向身份的激进探索。从玛丽娜·阿布拉莫维奇对耐力的极限挑战，到更专注于微观层面的身体干预与生物艺术（BioArt），艺术家的行动不再是审美展示，而是直接介入社会肌理的政治声明。讨论的核心在于，在医疗化和技术增强的社会中，我们如何重新定义“自然”的身体，以及身体的自主权如何被结构性权力所侵蚀。 三、记忆的物质性与去中心化叙事： 面对主流历史叙事的霸权，当代艺术家转向挖掘被压抑的、边缘化的集体记忆。本部分分析了装置艺术与纪录片实践如何构建“非官方历史”。例如，研究那些利用档案碎片、日常物件或口述历史进行创作的艺术家，他们如何挑战历史的单向性。这不仅是对历史真相的追溯，更是对“谁有权力讲述”这一问题的深刻反思。我们关注考古学实践与艺术创作的交叉点，探讨物质遗存（Artifacts）在当代语境下如何被赋予新的象征意义。 第二部分：空间、环境与社会结构——场域的转变 当代艺术的边界早已超越了白色的画廊墙壁。第二部分将目光投向艺术与物理/社会环境的复杂互动，探讨艺术如何成为一种介入、协商和重构社会空间的行动。 四、从景观到环境：生态批判的转向： 面对全球气候危机，艺术实践对“自然”的理解发生了根本性变化。我们不再仅仅描绘风景，而是深入探讨人类活动对生态系统的侵蚀。本章分析了土地艺术（Land Art）的后继者们，他们如何利用科学数据、生态修复项目与社区参与，创作出具有干预性和时间性的作品。讨论涵盖了拟人化（Anthropomorphism）的终结、非人类主体性（Non-human Agency）的承认，以及艺术在推动环境正义（Environmental Justice）中的角色。 五、公共空间的权力博弈与介入： 城市化进程与新自由主义政策极大地改变了公共领域的性质。本章着重研究了公共艺术的转型：从纪念碑式的叙事转向临时性、流动性和对话性的实践。我们分析了“干预式艺术”（Interventional Art）的案例，这些作品往往依赖于观众的即时互动和对特定场所（Site-Specificity）的深刻理解。例如，艺术家如何利用“游击式”的干预来挑战商业地产的扩张，或在失效的基础设施中植入新的社会意义。 六、组织即作品：合作与社群艺术的实践： 组织结构本身被视为一种艺术形态。本部分考察了那些拒绝个人英雄主义的创作模式——集体、合作社和临时性联盟。这些实践模糊了艺术家、策展人、活动家与普通公民之间的界限。重点关注艺术项目如何成为社会资本的催化剂，如何在缺乏传统机构支持的地区建立起可持续的文化网络，以及这种“关系美学”在面对市场化压力时的韧性与脆弱性。 第三部分：物质的终结与新的形而上学 最后一部分探讨了当代艺术在面对技术高度发达与存在主义危机时，对“真实”与“意义”的追问。 七、物质的消融：光、数据流与“非物质”的美学： 随着媒介的去实体化，声音艺术、光影装置以及纯粹的数据可视化成为重要的表达形式。本章探讨了这种“非物质性”创作背后的哲学意涵：当作品不再依赖于永恒的物质载体时，其存在的定义是什么？我们分析了艺术家如何利用感官超载和潜意识的映射，去挑战我们对空间和时间的线性感知，探索一种更接近于“流”与“瞬时体验”的本体论。 八、对未来主义的反思与反乌托邦的想象： 本书以对“未来”的艺术化想象收尾。当代艺术对“进步”叙事的怀疑，催生了大量精致的反乌托邦图景。这些作品并非简单的预测，而是对当前社会轨迹的警示性寓言。通过研究那些描绘技术失控、文明衰退或异星景观的创作，我们试图理解，在不确定的时代，艺术为我们提供了何种认知工具来应对深层焦虑，并孕育出新的、即便微弱也必须存在的希望。 --- 总结： 《视界重构》是一部旨在激活批判性思考的指南，它要求读者放下对传统艺术范畴的执念，进入一个充满张力、相互渗透的当代创作场域。本书的核心在于揭示：在艺术与社会权力交织的复杂网络中，每一件作品都是一次对既定现实的重新校准尝试。它邀请我们共同参与到这场无休止的视觉与观念的重构之中。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是绝了，拿到手里沉甸甸的，那硬壳的质感和封面烫金的字体，一看就是下了大功夫的。光是看着书脊上那些优雅的法文和意大利文名字，就让人对接下来的阅读充满了期待。我特别欣赏作者在选择用图和文的比例上所下的心思，不是那种干巴巴的理论堆砌，而是大量的、高清的、令人屏息的T台照片和设计手稿的复刻。你几乎能透过那些泛黄的纸张，感受到几十年前高级定制工坊里紧张而又充满创造力的氛围。尤其是对那些标志性作品的解析部分，作者没有满足于简单地罗列面料和剪裁，而是深入挖掘了设计师们在特定历史背景下，如何通过服装来表达对社会、对女性角色的理解。比如，某位设计师如何用结构主义的解构手法挑战了传统的沙漏型轮廓，那种对美的颠覆与重塑，读起来让人觉得酣畅淋漓。每一章节的过渡都处理得非常自然流畅，仿佛你在跟随一位资深的时尚史学家进行一次精心策划的环球旅行，从巴黎的优雅到米兰的精湛工艺，再到伦敦的先锋实验，信息量大得惊人，但又被安排得井井有条，完全不会让人感到信息过载。我光是翻阅那些关于面料纹理的描述，就仿佛能闻到空气中残留的丝绸和羊绒的特殊气味。

评分☆☆☆☆☆

这本书的目录结构非常富有逻辑性，它似乎是按照“风格的诞生”、“风格的成熟与鼎盛”、“风格的解构与再生”这三个大的阶段来划分的，而不是简单地按时间线索平铺直叙。这种结构让阅读体验变得像是在攀登一座知识的高山，每完成一个阶段，都能获得一种阶段性的成就感。我尤其赞赏作者对那些“幕后英雄”的提及，比如那些了不起的版师、面料采购专家，甚至是对灯光和走台音乐的考量。这些细节的捕捉，让读者意识到，一件伟大的时装作品，绝不是某一个天才一拍脑袋就能完成的，它是一个复杂、精密的工业与艺术的协同过程。书中还穿插了一些设计师之间的“对话”与“竞争”，这些轶事不仅增添了趣味性，更重要的是揭示了时尚圈内部那种既合作又对抗的复杂生态。读完合上书本时，我有一种强烈的冲动去重新审视衣柜里自己的那些衣服，不再仅仅是实用性地看待它们，而是开始思考它们背后的设计意图、剪裁逻辑以及文化语境，这无疑是一次非常宝贵的思维升级。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事手法极其细腻，它没有采用那种流水账式的传记写法，而是像一位高明的策展人，将不同时代的大师们并置对比，从而凸显出时尚演变中的那些关键转折点。比如，当作者在描述战后新风貌的出现时，笔锋突然转向了对某种特定纽扣工艺的微观分析，这种宏大叙事与微观细节的交织，让整个阅读体验充满了惊喜。我尤其喜欢它对“灵感来源”的挖掘，它不是空泛地说“受自然启发”，而是会引述设计师的日记片段，或者对比当时流行的画作，甚至会提到某位大师童年时对某种色彩的痴迷，这种深度的挖掘，让冰冷的时尚作品瞬间有了人性和温度。对于那些非专业读者来说，书中对“高级定制”制作流程的描绘简直是打开了新世界的大门，那些关于衬里、衬垫和手工缝合的细节，充分体现了何为“穿在身上的艺术品”。读完关于某位大师职业生涯中最低谷的那一段，我甚至有些感伤，因为你能真切地感受到，即便是站在时尚顶端的人，其创作过程也充满了挣扎、自我怀疑与不被理解的痛苦。这种人性化的处理，使得这本书不仅仅是一本时尚图鉴，更是一部关于坚持与创造力的颂歌。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我印象深刻的是其独特的“声音”。它不像教科书那样板着脸孔，也不像八卦杂志那样轻浮，它拥有着一种恰到好处的、略带戏谑但又无比尊重的语调。作者在描述某位大师如何“不小心”创造出一个革命性的剪裁时，那种笔锋流露出的对偶然与必然之间微妙关系的把握，简直像是文学大师在叙事。阅读过程中，我经常会停下来，不是因为图片太美，而是因为某一句论述触动了我对“美”的固有认知。比如，书中对“丑陋美学”的讨论，作者没有直接下定论，而是通过展示一系列在当时被嘲笑，如今却被奉为经典的早期作品，让读者自己去体会时尚的循环往复和审美标准的易变性。它成功地将时装设计从一个“消费品”的范畴，提升到了一个需要被认真对待的“文化载体”的高度。这种潜移默化的引导，让我对那些我原本不熟悉的品牌和设计师产生了强烈的求知欲，恨不得立刻去翻阅更多相关的资料。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的学术严谨度远远超出了我的预期。我原本以为这会是一本偏向于咖啡桌读物、以精美图片为主的书籍，但事实是，作者对时尚史的梳理达到了相当高的研究水平。它不仅仅是罗列了“谁在什么时候做了什么”，更重要的是探讨了“为什么是这样”。书中引用了大量当时的时装评论家的观点，这些评论在今天看来，有些尖锐得令人咋舌，但却为我们理解作品的原始语境提供了极其宝贵的参照系。例如，在分析某位极简主义设计师的作品时，作者引入了当时哲学思潮中对“纯粹性”的探讨，将服装的简洁线条提升到了哲学层面去解读，这真的非常震撼。排版上的处理也极具巧思，文字和图片之间留白的处理非常到位，给予读者充分的思考空间，不会让人感觉被信息流淹没。不同文化背景下，同一设计元素（比如“蝴蝶结”或者“垫肩”）是如何被不同的大师以截然不同的方式进行转译和升华的，这种对比分析，让人对时尚的普适性与地域性有了更深的理解。