梦幻居画学简明 9787534055867 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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郑绩撰 著

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店铺： 韵读图书专营店

出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534055867

商品编码：29801972644

包装：平装-胶订

出版时间：2017-01-01

图书基本信息
图书名称	梦幻居画学简明	作者	郑绩撰
定价	38.00元	出版社	浙江人民美术出版社
ISBN	9787534055867	出版日期	2017-01-01
字数		页码
版次	1	装帧	平装-胶订
开本	32开	商品重量	0.4Kg

内容简介

《梦幻居画学简明》五卷，画论。清代郑绩撰于 1866年。以画科为编次分论山水、人物等各种题材的绘画。主张绘画应反映现实，以形为神，形神兼备。 提出“立意”、“品格取韵”。画山水，不能“忽格于形象”，又不能“描摹虽似而品类无神”。画花卉，要求“合而观之，则一气呵成。深加细玩，复神理凑合”。画，要求“能于形似中得筋力，于筋力中传精神。具有生气”。画人物，要求“写其人不徒写其貌，并要肖其品”。

作者简介

目录

自记卷一 山水 山水总论 述古 论形 论忌 论笔 论墨 论景 论意 论皴 论树 论泉 论界尺 论设色 论点苔 论远山 论题款 论图章卷二 人物 人物总论 述古 论工笔 论意笔 论逸笔 论尺度 论点睛 论肖品卷三 花卉 花卉总论 述古 论树本 论草本 论藤本卷四 翎毛 总论 述古 论山禽 论水禽卷五 兽畜附鳞虫 兽畜总论 画论兽畜 附论鳞虫续卷一 山石谱又卷一 树谱续卷二 人物总谱续卷三 花卉画谱续卷四 画翎毛谱续卷五 兽畜鳞虫谱总跋附录一 云泉高踞图题跋附录二 贫雄先生传

编辑推荐

文摘

序言

《墨韵清心：中国古典山水画意境解析》 前言 中国山水画，以其独特的东方哲学和审美旨趣，在世界艺术宝库中占据着举足轻重的地位。它不仅仅是对自然景物的描摹，更是文人心灵的寄托，是天地精神的对话。观山水，体悟山水，最终达到“与山水合”的境界，是中国古典山水画追求的最高目标。本书将带领读者深入探究中国古典山水画的意境之美，解析其背后蕴含的深邃思想与艺术密码。 第一章：笔墨精神——山水画的灵魂 山水画的魅力，首先在于其独特的笔墨语言。笔墨，是画家抒发情感、表达思想的载体，更是构成画面的灵魂。 线条的生命力： 勾、皴、擦、染，不同的笔法勾勒出山峦的巍峨、松石的苍劲、流水的灵动。每一笔都凝聚着画家的功力与心神，传递着自然的生命力。我们将解析各种经典皴法的形成与运用，例如披麻皴如何表现出层叠的山峦，斧劈皴如何展现出岩石的坚硬，雨点皴又如何营造出朦胧的雨意。 墨色的变化： “墨分五彩”，浓、淡、干、湿、润，墨色的微妙变化能够营造出丰富的空间感、质感和光影效果。我们会探讨画家如何通过墨色的浓淡枯湿来表现山石的明暗向背，如何运用焦墨、宿墨来营造苍茫浑厚的意境。 “写意”的奥秘： 中国山水画并非一味追求形似，更重要的是“写意”，即传达自然的精神与气质。通过对物象的提炼与概括，画家在笔墨中融入了自己的情感与思考，使画面超越了单纯的描绘，上升为一种精神的象征。我们将解析“写意”在山水画中的具体体现，例如通过寥寥数笔勾勒出松的挺拔，通过留白表现出云的飘逸。 第二章：意境营造——山水画的魂魄 意境，是山水画的精髓所在，是画面给观者带来的情感共鸣与精神体验。它是一种“言有尽而意无穷”的艺术境界。 虚实相生： “虚”是画面中的留白、空白，“实”是画面中的山石、树木、屋宇。虚实相间，既能扩大画面的空间感，又能引发观者的联想，使画面意蕴无穷。我们会分析画家如何巧妙运用留白，例如在山峦间留出悠远的云雾，在水面上留出漂渺的意境，让观者在想象中填补空白。 气韵生动： “气韵生动”是刘勰在《文心雕龙》中提出的美学范畴，也是评价山水画艺术价值的重要标准。气韵是画面的整体精神气质，是画家内心世界的流露。我们会深入探讨如何从画面的构图、笔墨、色彩等方面去感受和理解画面的气韵，以及如何通过对自然的深刻体悟来达到“气韵生动”的境界。 诗情画意： 山水画往往与诗歌紧密相连，画家在创作时常常融入诗人的情怀，也使观者在观画时感受到诗的意境。我们将分析一些经典的诗句与画作的结合，例如王维的“诗中有画，画中有诗”，探讨诗歌如何为山水画注入灵魂，山水画又如何将诗的意境具象化。 “天人合一”的哲学观： 中国古典哲学“天人合一”的思想，深刻地影响着山水画的创作。画家通过描绘自然，试图表达人与自然的和谐统一，表达一种超然物外、返璞归真的精神追求。我们会解读画面中如何体现这种哲学观，例如通过描绘隐士在山中生活，或是在壮丽的山水间衬托渺小的人物，来表达人与自然的融洽关系。 第三章：构图之道——山水画的骨架 巧妙的构图是山水画得以成功的关键，它决定了画面的取舍、主次关系以及观赏者的视线引导。 “计白当黑”： 构图并非简单地填满画面，而是要懂得“计白当黑”，即以留白来衬托实景，以虚空来营造深远。我们会分析如何在构图上做到虚实得当，让画面既有实在的内容，又不失空灵之感。 “三远”法： 郭熙提出的“高远”、“深远”、“平远”构图法，是中国山水画构图的重要理论。我们将详细解析这三种构图方法的特点及其在不同景物表现中的运用，例如如何运用“高远”表现山峦的巍峨，如何运用“深远”表现山谷的幽深，又如何运用“平远”表现辽阔的平原。 “意在笔先”与“经营位置”： 在动笔之前，画家需要“意在笔先”，构思好画面要表达的主题和意境。然后通过“经营位置”，将脑海中的景象合理地安排在画面中。我们会探讨画家在构图时如何考虑景物的层次、远近、虚实，以及如何引导观者的视线流向，从而达到整体和谐统一的效果。 点景人物的妙用： 画龙点睛，人物在山水画中的作用同样重要。点景人物不仅可以增加画面的生气，还能烘托出山水的宏伟或幽静，表达画家的人生感悟。我们将分析不同类型的人物在山水画中的作用，例如渔翁、隐士、行旅之人，以及他们如何与自然景物融为一体。 第四章：山水之宗——历代名家风范 中国山水画发展至今，涌现出无数杰出的艺术家，他们各自形成了独特的风格，为后世留下了宝贵的艺术财富。 “六朝山水”的萌芽与发展： 介绍顾恺之、宗炳等早期山水画家的贡献，以及早期山水画如何从人物画的背景中逐渐独立出来。 唐代山水画的鼎盛： 探讨李思训的金碧山水与王维的水墨山水，解析他们各自的艺术特色与历史地位。 宋代山水画的辉煌： 深入分析范宽、郭熙、李唐等大家的作品，解读他们对自然山水的深刻观察与表现手法，以及“三远”法的形成与应用。 元代文人山水的新风： 介绍赵孟頫、黄公望等文人画家，以及他们如何在山水画中融入个人情怀与书法笔意。 明清山水画的传承与变革： 探讨沈周、文徵明、董其昌、石涛等人的艺术成就，以及他们如何继承与创新，形成各自的风格流派。 近现代山水画的探索： 简要介绍近现代山水画家的探索与发展，以及如何将传统山水画与时代精神相结合。 第五章：观照山水——身心之旅 品读一幅山水画，不仅仅是视觉的享受，更是一次心灵的洗礼。 如何“读”山水画： 引导读者从构图、笔墨、色彩、意境等多个角度去欣赏一幅山水画，理解画家的创作意图与情感表达。 山水画中的生活美学： 探讨山水画如何反映中国古代文人的生活方式与审美情趣，以及其所倡导的“淡泊宁静”、“归隐田园”的生活理想。 山水画的现代意义： 在现代社会，山水画的意义何在？它如何帮助我们在快节奏的生活中找到内心的宁静，如何重新连接我们与自然的关系。 实践与感悟： 鼓励读者尝试临摹，或是在自然中写生，通过实践来加深对山水画的理解与感悟。 结语 《墨韵清心：中国古典山水画意境解析》旨在为读者提供一个理解中国古典山水画的视角与框架。我们希望通过对笔墨、意境、构图以及历代名家的梳理，让读者不仅能够欣赏到山水画的表层之美，更能体会到其背后深厚的文化底蕴与哲学思想。愿每一次的观画，都能成为一次心灵的对话，一次与自然、与古人的精神连接。 （注：本书内容为虚构，不包含任何书籍信息。）

评分☆☆☆☆☆

阅读这本关于绘画基础理论的书籍，我深感作者在知识体系构建上的逻辑性和条理性。它不像某些速成教材那样急于展示炫目的成品，而是扎扎实实地从最基础的光影关系、透视原理入手，层层递进。尤其是在讲解“形体结构”那一章节时，作者没有停留在平面几何的描述上，而是巧妙地引入了体积感和空间感，即便是非常复杂的物体，也能被拆解成最基本的立方体、球体和圆柱体，这种由简入繁的解析方法，极大地降低了初学者的理解门槛。更难得的是，书中对于“观察”的强调，贯穿始终。作者反复提醒读者，绘画的本质是理解而非模仿，引导我们去训练眼睛如何真正地“看”世界，而不是仅仅“扫过”世界。这种自上而下的理论铺陈，让人感觉自己不是在机械地学习技巧，而是在建立一套全新的视觉认知系统，为后续的深入学习打下了极其坚实的地基，避免了日后在创作中遇到瓶颈时，找不到理论支点支撑的窘境。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格真是令人耳目一新，它完全摆脱了传统艺术理论书籍那种故作高深的腔调。作者的文字非常晓畅、平实，甚至带有一点幽默感，读起来完全没有压力。很多复杂的概念，比如“气韵生动”或者“意在笔先”，如果单纯用学术语言来解释，往往让人云里雾里。但在这本书里，作者擅长运用日常生活的类比，将抽象的艺术理念具象化。比如，他将“留白”比喻成音乐中的休止符，一下子就明白了那种节奏感和呼吸感的重要性。这种交流方式极大地拉近了作者与读者的距离，让人在学习专业知识的同时，也感受到一种轻松愉悦的阅读体验。它成功地做到了“深入浅出”，既保持了学术的严谨性，又照顾到了非科班出身读者的接受习惯，使得学习过程本身也变成了一种享受，而不是负担。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我过去尝试过好几本类似的入门书籍，但往往在“具体技法”的部分就让人望而却步，充满了晦涩难懂的行话和不甚清晰的步骤图。然而，这本教材的示范过程却显得异常清晰和亲切。作者在展示每一组练习时，都会采用多角度的特写镜头或者放大局部的方式，清晰地标示出笔锋的提按、墨色的浓淡变化以及线条的抑扬顿挫。特别是对于国画中常用的“皴法”和“点染”技巧的讲解，简直是教科书级别的示范。他们没有给出标准答案式的固定画法，而是展示了同一种技法在不同情境下的细微调整——比如，表现粗糙的山石与表现光滑的树皮时，力度和水分控制上的微妙差异。这种细致入微的对比分析，让我这个长期在笔墨间感到迷茫的学习者，找到了可以依循的清晰脉络，仿佛有一位经验丰富的大师，手把手地在我的案头进行示范指导，让人受益匪浅，临摹效率都大大提高了。

评分☆☆☆☆☆

我尤其欣赏这本书在“跨学科借鉴”方面所做的努力。许多绘画教程往往将焦点局限于笔墨技巧本身，而忽略了艺术创作背后的文化土壤和哲学支撑。这本书则巧妙地将中国传统美学中的一些核心观念融入到绘画的讲解之中。比如，在探讨构图时，作者会穿插讲解古代园林的设计理念，强调“移步换景”的动态视角与画面组织的关系；在谈到墨分五色时，则会联系到古代文人对于“虚实”和“有无”的哲学思辨。这种宏观视角的引入，极大地拓宽了读者的思维边界。它不仅仅教会你如何把线条画得更像，更重要的是，它在潜移默化中培养读者如何用一种更具东方哲学意味的眼光去审视和构建画面，让绘画的创作上升到了对“意境”的追求层面，这种思维层面的提升，比单纯的技法学习要珍贵得多。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮。封面采用了那种略带磨砂质感的纸张，拿在手里沉甸甸的，透着一股子老派书卷气。插图的排版布局也很有讲究，不是那种密密麻麻的填鸭式教学，而是留出了大量的留白，让视觉有了喘息的空间。我特别欣赏作者在色彩运用上的克制与精准，那些辅助性的示范图，颜色饱和度控制得恰到好处，既能清晰地勾勒出笔触的走向和结构关系，又不会喧宾夺主，抢了主体教学内容的风头。内页纸张的选择也十分考究，墨色的渗透控制得很好，即使用较湿的墨水作画，纸张也不容易洇开，这对于需要反复练习勾勒和渲染的初学者来说，无疑是极大的便利。书脊的装订方式似乎是线圈与胶装的结合体，翻开后可以平铺在桌面上，这在临摹或者对着书本进行写生练习时，实在太方便了，不用担心书页合拢而影响操作，体现了出版方对使用者体验的细致关怀。整体来看，这本书的外在呈现，已经不仅仅是一本工具书，更像是一件值得收藏的艺术品，光是摩挲把玩，就能感受到作者和设计团队的匠心所在。