艺术的故事（精装） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[英] E.H.贡布里希 著，范景中 译，杨成凯 校

图书标签:

• 艺术史
• 西方艺术
• 艺术鉴赏
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 艺术入门
• 精装本
• 文化艺术
• 艺术作品

出版社： 广西美术出版社

ISBN：9787549413140

版次：1

商品编码：11741522

包装：精装

开本：16开

出版时间：2015-07-01

用纸：胶版纸

页数：692

编辑推荐

　　《艺术的故事》是有关艺术的书籍中的著作。它概括地叙述了从早期的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，出版后0多年来，一直是这一领域无可匹敌的入门书。全世界不同年龄不同背景的读者通过贡布里希的讲述认识到了这位真正的大师，他把知识与智慧结合起来，以其独特的天赋，直接传播了他本人对艺术作品深切的热爱。
　　《艺术的故事》因其平实简单的笔法、叙事清晰的技巧而受到持久的好评。贡布里希讲述他的写作目的是：“在大量炫赫的作品中，为丰富的人名、时期和风格找到浅显易懂的秩序来。”他为视觉艺术注入心理学的洞察力，他让我们知晓艺术史就是“各种传统不断迂回、不断改变的历史，每一件作品在这历史中都既回顾过去又导向未来”；是“一条生动的链条，将我们身处的时代与古埃及时期联系起来”。这部经典的著作以新的版本焕往辉来，仍是艺术领域新来者的选择。

内容简介

　　《艺术的故事（精装）》是有关艺术的书籍中著名、流行的著作之一。它概括地叙述了从早期的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，以阐明艺术史是“各种传统不断迂回、不断改变的历史，每一件作品在这历史中都既回顾过去又导向未来”。

作者简介

　　E.H.贡布里希，恩斯特爵士，获得的荣誉有：功勋团成员（O.M），高级英帝国勋爵士（C.B.E），英国学术院院士（F.B.A.），1909年生于维也纳，1936年进入伦敦的瓦尔堡研究院任教职，并从1959年起，担任伦敦大学古典传统历史教授及院长，直至1976年退休。他于1972年受封爵士，并于1988年受封勋章。他有许多享誉世界的奖项及荣誉，其中包括：歌德奖（1994年）和维也纳金质奖章（1994年）。他的主要著作有《艺术与错觉——图画再现的心理学研究》（1960年），《秩序感——装饰艺术的心理学研究》（1979年），以及10部论文及评论集，均由费顿出版社出版。他于2001年在伦敦去世前，完成了人们期待已久和广为关注的最后一部著作：《偏爱原始性》，出版后获得巨大赞誉。

内页插图

目录

中译本前言初版前言第十二版前言——第十六版前言导论论艺术和艺术家1 奇特的起源史前期和原始民族；古代美洲2 追求永恒的艺术埃及，美索不达米亚，克里特3 伟大的觉醒希腊，公元前7世纪至公元前5世纪4 美的王国希腊和希腊化世界，公元前4世纪至公元1世纪5 天下的征服者罗马人，佛教徒，犹太人和基督教徒，1至4世纪6 十字路口罗马和拜占庭，5至13世纪7 向东瞻望伊斯兰教国家，中国，2至13世纪8 西方美术的融合欧洲，6至11世纪9 战斗的教会12世纪10 胜利的教会13世纪11 朝臣和市民14世纪12 征服真实15世纪初期13 传统和创新（一）意大利，15世纪后期14 传统和创新（二）北方各国，15世纪15 和谐的获得托斯卡纳和罗马，16世纪初期16 光线和色彩威尼斯和意大利北部，16世纪初期17 新知识的传播日耳曼和尼德兰，16世纪初期18 艺术的危机欧洲，16世纪后期19 视觉和视像欧洲的天主教地区，17世纪前半叶20 自然的镜子荷兰，17世纪21 权力和荣耀（一）意大利，17世纪后期至18世纪22 权力和荣耀（二）法国，德国，奥地利，17世纪晚期至18世纪初期23 理性的时代英国和法国，18世纪24 传统的中断英国，美国，法国，18世纪晚期和19世纪初期25 持久的革命19世纪26 寻求新标准19世纪晚期27 实验性美术20世纪前半叶28 没有结尾的故事现代主义的胜利潮流的再次转向改变着的历史艺术书籍举要年表地图英文插图目录（按收藏地点排列）索引致谢修订后记

前言/序言

艺术的脉络：一部纵览全球艺术史的宏伟画卷 精装典藏版 本书并非《艺术的故事（精装）》的任何替代或补充，而是旨在为读者提供一个独立、完整、深入的艺术史叙事框架。我们聚焦于艺术的演变、思想的碰撞以及文化背景的深刻影响，勾勒出一幅跨越数千年、横贯五大洲的视觉文化长廊。 第一编：起源与奠基——史前、古典与传统的黎明 第一章：人类的最初回响——史前艺术与早期文明的符号世界 本章深入探讨艺术在人类认知形成阶段的意义。从欧洲拉斯科洞穴中充满生命力的野牛壁画，到非洲和澳洲原住民部落仪式中使用的雕塑与面具，我们考察艺术如何从单纯的记录工具演变为精神沟通的桥梁。重点分析了巨石阵等纪念碑性建筑的社会功能及其可能蕴含的天文学或宗教意义。随后，我们将目光投向美索不达米亚（苏美尔、阿卡德、巴比伦）和古埃及文明。这些早期定居社会发展出的高度程式化的艺术风格——从苏美尔的泥板楔形文字浮雕，到埃及法老陵墓中对永恒生命的执着追求（如卡诺匹斯罐和人物雕像的“正面律”），揭示了早期国家权力结构与神权体系是如何通过视觉符号来巩固和传播的。 第二章：和谐与理性的颂歌——古希腊的理想美学 古希腊艺术是西方美学思想的摇篮。本章详细剖析了古希腊艺术从早期的“古风时期”（Kouros与Kore的僵硬姿态）向“古典时期”的伟大转变。我们重点研究了帕特农神庙的建筑学成就——多立克、爱奥尼和科林斯柱式的精妙运用，以及雕塑家如菲狄亚斯、波留克列特斯如何通过“对立平衡”（Contrapposto）原则，实现了对人体动态和理想化美的极致捕捉。随后的“希腊化时期”，艺术开始转向更强烈的情感表达，如《萨莫色雷斯的胜利女神》和《拉奥孔群像》，标志着理想主义向更具戏剧性的现实主义的过渡。 第三章：秩序、实用与永恒的帝国——古罗马的工程与肖像艺术 罗马人继承并发扬了希腊的艺术遗产，但他们的艺术更具实用性和宣传性。本章分析了罗马艺术如何服务于帝国扩张和公民生活。重点讨论了罗马建筑的革新，特别是拱券、交叉拱顶和混凝土技术的成熟，这使得万神殿和图拉真广场的建成成为可能。在雕塑方面，罗马人首创了高度写实的肖像雕塑，这不仅是技术上的成就，更是政治宣传的工具。此外，我们还将探讨罗马的壁画装饰艺术，尤其是在庞贝和赫库兰尼姆遗址中发现的“四种风格”，它们为后世的室内装饰提供了宝贵的参考。 第二编：信仰与变革——中世纪的精神景观与拜占庭的辉煌 第四章：黑暗中的微光——早期基督教与拜占庭艺术的象征主义 随着罗马帝国的衰落，艺术的重心从世俗转向神圣。早期基督教艺术在地下墓穴中孕育，以隐晦的符号（如好牧人、锚）来表达信仰。本章的核心是拜占庭艺术的崛起。君士坦丁堡的建立将希腊化传统与东方奢华相结合，催生了独特的视觉语言。我们详细研究了圣索菲亚大教堂的宏伟穹顶结构，以及马赛克镶嵌画的运用——尤其是在拉文纳的教堂中，人物造型趋于扁平化、程式化，目的是营造一种超越尘世的、神圣的光辉感。 第五章：蛮族融合与信仰的重建——西欧中世纪的风格演变 中世纪的艺术是欧洲各地不同文化元素交融的结果。本章首先考察了加洛林王朝和奥托王朝的复兴尝试，这些努力旨在恢复古典的庄严感，但往往带有更粗粝的民间手工艺特色。随后，我们进入“罗马式”艺术阶段（约1000-1200年），这一时期的特点是厚重的墙体、半圆形拱券和丰富的教堂壁画与雕塑装饰，它们主要起到教化文盲信徒的作用。 第六章：向光而生——哥特式建筑与经院哲学的影响 哥特式艺术标志着中世纪艺术的巅峰和一次巨大的技术革命。本章详细解析了尖拱、飞扶壁和肋拱的创新如何使得建筑得以向天空延伸，创造出前所未有的采光效果。沙特尔大教堂和兰斯大教堂的玫瑰窗和立面雕塑，展示了对自然细节和人性化叙事的追求。同时，我们也探讨了手抄本插画艺术（如《贝里公爵的非常时祷书》）如何捕捉贵族生活的细腻场景，预示着文艺复兴的世俗化趋势。 第三编：重生与革新——文艺复兴的科学与人文精神 第七章：人文主义的觉醒——早期文艺复兴的透视法革命 文艺复兴的爆发并非一蹴而就，而是建立在对古典知识的重新发现之上。本章聚焦于佛罗伦萨，探讨乔托对立体感和情感表达的初步尝试。核心内容在于布鲁内莱斯基对科学透视法的确立，以及马萨乔在其壁画中首次将透视法与古典的雕塑感相结合，彻底改变了西方绘画的二维空间观念。波提切利的作品则展现了新柏拉图主义思潮如何将神话主题与对人体美的赞颂结合起来。 第八章：盛期的辉煌与多面性——达·芬奇、米开朗基罗与拉斐尔 盛期文艺复兴（约1490-1527年）是天才集中的时代。本章深度分析了三位巨匠的作品：达·芬奇对科学观察、空气透视和心理描绘的融合（如《蒙娜丽莎》）；米开朗基罗在西斯廷教堂天顶画和雕塑《大卫》中所展现的“崇高”理想和对人类潜能的颂扬；以及拉斐尔对和谐、平衡与古典宁静的完美追求（如《雅典学院》）。 第九章：光影的戏剧性——北方文艺复兴与威尼斯画派 与此同时，北方的艺术家们发展出了不同的美学道路。尼德兰画家如扬·凡·艾克的油画技术突破，使得对光线反射和物象细节的描绘达到了惊人的逼真度。杜勒和博斯等人的作品则更多地关注宗教寓言、个人精神困扰和世俗生活的细节。威尼斯画派，如提香和委罗内塞，则因其对色彩（Colorito）的强调和对光影氛围的掌握，开辟了与佛罗伦萨“素描”（Disegno）传统相抗衡的新方向。 第四编：冲突与扩张——巴洛克、洛可可与启蒙的碰撞 第十章：情感的震撼与宏大的叙事——巴洛克的激情与张力 巴洛克艺术诞生于反宗教改革的需要，旨在通过感官的强烈刺激来唤起信徒的虔诚。本章分析了卡拉瓦乔的“明暗对照法”（Tenebrism）如何将宗教场景拉入现实的黑暗角落；贝尼尼在雕塑和建筑中如何创造出融合雕塑、绘画和建筑的“整体艺术”（Bel Composto），如《圣特蕾莎的狂喜》。在世俗领域，鲁本斯的动态构图和充满生命力的肉体描绘，展现了巴洛克对动感的极致追求。 第十一章：绝对君主制与荷兰的市民艺术 在法国，巴洛克风格被路易十四的凡尔赛宫用作巩固中央集权的工具，强调秩序、奢华与古典的庄严感。而在经济繁荣的荷兰共和国，艺术则转向了对市民阶层的描绘。伦勃朗通过对光线和人物内心世界的深刻洞察，创造了肖像画的巅峰；维米尔则以其对室内光线的精确捕捉和宁静的生活场景，展现了中产阶级的美学趣味。 第十二章：甜美、轻盈与审美的转向——洛可可与新古典主义的回响 十八世纪的洛可可是对巴洛克宏大叙事的温和反动，它倾向于室内装饰、私密情境、柔和的色彩和俏皮的主题（如华托和弗拉戈纳尔的作品）。然而，随着启蒙运动的兴起和对古希腊罗马的理想化重新审视，新古典主义运动应运而生。大卫等艺术家的作品，通过清晰的线条、冷静的构图和对公民美德的推崇，为即将到来的革命时代提供了视觉语言。 第五编：动荡与解放——现代艺术的序曲 第十三章：革命时代的视觉宣言——浪漫主义与现实主义 浪漫主义是对启蒙运动过度理性化的反抗，强调情感、想象力和对异域或自然力量的崇拜（如戈雅、德拉克洛瓦）。紧接着，十九世纪中叶的社会变革催生了现实主义，库尔贝和马奈等艺术家拒绝了传统学院派的“崇高”主题，转而关注当代社会中未被美化的生活和劳动人民的真实处境。 第十四章：光影的科学与瞬间的捕捉——印象派与后印象派 印象派是对现代城市生活和光学科学的直接回应。莫奈、雷诺阿等艺术家走出画室，研究光线在不同时间点对色彩和形状的影响。他们对笔触的解放和对“瞬间印象”的追求，彻底打破了数百年来的绘画传统。塞尚、梵高和高更等后印象派大师，则在理解了印象派的色彩革命后，进一步探索了结构、主观情感和象征意义，为二十世纪的艺术爆发奠定了多元化的基础。 --- 本书特色： 跨文化视野： 本书在讲述西方艺术主流脉络的同时，亦穿插探讨了伊斯兰艺术（如书法与几何装饰）和远东艺术（如中国山水画的演变）的关键特征，以提供更广阔的全球视角。 建筑与技术并重： 不仅关注绘画和雕塑，更将建筑技术（如拱券、穹顶、混凝土）和材料革新（如油画媒介）视为推动艺术史发展的重要驱动力。 理论深度： 融入了重要的美学思潮和哲学背景，帮助读者理解艺术作品背后的思想驱动力，而非仅仅停留在风格的描述上。 精美图版与注释： 每一章节均配备高清复原图版和详尽的注释，确保读者在欣赏艺术杰作时，能够理解其创作背景、历史争议及修复历史。

评分☆☆☆☆☆

我必须得承认，对于20世纪抽象表现主义的起源与流变这本书的阅读体验，是极其震撼且充满挑战的。它不是那种轻松愉快的读物，更像是一场对艺术本体论的深刻拷问。作者并没有试图去“解释”那些看不懂的色块和线条的“含义”，而是聚焦于二战后，艺术家们如何应对现代性带来的焦虑和疏离感，以及他们如何通过行动——那些洒、滴、泼的绘画行为——来重建艺术的“真实性”。书中对杰克逊·波洛克的“行动绘画”的分析，简直是文字的舞蹈，那种对创作过程本身价值的肯定，彻底颠覆了我过去对“艺术创作”的刻板印象。我尤其欣赏作者对当时纽约艺术圈内部的权力斗争和评论家们（比如克莱门特·格林伯格）的理论建构过程的剖析，这揭示了艺术史书写背后复杂的文化政治角力。这本书的文字风格非常锐利、充满思辨性，读起来需要极高的专注度，但一旦跟上作者的思路，你会发现自己对“什么是艺术”这个问题有了更广阔的思考空间。它成功地将艺术史的叙事提升到了哲学思辨的高度。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对中国古代园林建筑这类主题的书籍兴趣不大，总觉得无非是亭台楼阁、假山流水的老一套描述。然而，这本让我彻底改观。它的精彩之处在于，它完全不是一本简单的图录，而是一部关于人与自然哲学的深度解读。作者并没有停留在对苏州园林布局的罗列上，而是深入挖掘了“借景”“框景”这些手法背后所蕴含的道家思想——“天人合一”的境界是如何通过精妙的建筑设计被物化和体验的。书中有一章专门讨论了不同朝代对“曲径通幽”的理解差异，比如唐代的雄浑大气与宋代的内敛雅致，那种细微的审美变化，被作者描绘得淋漓尽致。通过对一块太湖石的纹理、一扇漏窗的造型的详尽分析，我仿佛体验到了古人那种“于无声处听惊雷”的审美情趣。这本书的配图质量极高，但更重要的是，文字本身就构建了一种诗意的空间感，让我感觉手里捧着的不是书，而是一方微缩的山水天地。

评分☆☆☆☆☆

我向所有对电影叙事结构感兴趣的人强力推荐这本书！它简直是拆解好莱坞黄金时代到新浪潮时期经典电影的“手术刀”。我之前看电影时，总是被情节带着走，但这本书让我学会了从剪辑点、镜头语言和声音设计这三个维度去反向工程一个故事是如何被建构起来的。作者对希区柯克的悬念设置技巧进行了近乎病态的细致分析，将那些看似无意识的转场和特写镜头，都赋予了明确的心理学意义。更让我受益匪浅的是，书中对法国新浪潮电影中“作者论”的兴起，以及他们如何刻意打乱线性时间，以表达主体意识流的讨论。文字风格非常现代、直接，夹杂着很多专业的电影术语，但作者总能用清晰的案例（比如《四百击》中的一个长镜头）来佐证理论，使得晦涩的理论变得触手可及。读完后，我再去看任何一部电影，都会情不自禁地分析导演的“意图”，这种学习体验是革命性的。

评分☆☆☆☆☆

这是一本关于中世纪欧洲手稿插画与知识传播的学术性著作，它的深度和广度都令人敬畏。作者的核心论点在于挑战了“黑暗时代”的传统标签，指出在中世纪修道院中，知识的保存与再创造是多么精细和重要的一项工作。书中花了大量篇幅来研究羊皮纸的制作过程、墨水的配方，以及那些将神圣文本与世俗生活场景融合在一起的微缩插图的象征意义。我尤其被关于“日课书”（Book of Hours）的章节所吸引，它展示了中世纪晚期，随着城市贸易的兴起，个人虔诚如何从公共仪式转向私密的、精致的家庭阅读，以及这些小小的书本是如何成为财富和社会地位的象征的。作者的语言严谨，充满了拉丁文术语和对不同手稿版本的交叉引用，这使得阅读过程非常充实，需要不断地查阅脚注。这本书让我认识到，在印刷术出现之前，每一本手抄本都是独一无二的艺术品和知识载体，它们本身就承载着时间的重量和制作者的全部心血。

评分☆☆☆☆☆

这本我最近读完的关于文艺复兴时期佛罗伦萨艺术发展的书，简直是打开了我对那个时代艺术脉络的一个全新的窗口。作者在描述美第奇家族如何资助那些天才画家和雕塑家时，那种细致入微的笔触，让我仿佛能亲眼看到提香色彩的浓郁和米开朗基罗肌肉线条的力量。尤其让我印象深刻的是，书中详细对比了达·芬奇和拉斐尔在处理人物情感上的不同侧重，前者侧重于科学观察和复杂心理的隐藏，后者则更偏向于理想化和和谐的展现。书中对透视法从理论到实践的演变，简直是手把手地教学，让我这个业余爱好者都能理解其中蕴含的数学美感。不仅仅是作品本身，作者还深入探讨了当时的社会结构、教会的赞助体系以及手工艺行会制度，如何共同塑造了艺术家的地位和创作环境。读完后，我再去参观任何一个关于那个时期的画展，都会带着一种全新的、更深层次的理解，那些不再仅仅是美丽的图像，而是特定历史时期社会思潮和技术革新的结晶。这本书的装帧也非常典雅，拿在手里就有一种庄重感，很适合静下心来细细品味。

评分☆☆☆☆☆

厉害。看完真是很佩服作者，为一本书花这么大的功夫和心力。好书！适合稍有艺术史基础的读者看，这样才能get到其中的一些梗。

评分☆☆☆☆☆

质量不错 第一次包装不好 不过很快换新了

评分☆☆☆☆☆

好巨大，像堵墙(*°ω°*)?"非战斗人员请撤离！！

评分☆☆☆☆☆

很厚的一本，而且非常大，插花精美，不过有的可能是历史原因，打印出来不那么清晰，比如耶稣十二教徒聚餐的图片。总体很好，用了优惠券，接近一折的价钱买的。

评分☆☆☆☆☆

有些厚哈，不知道荐书的校长读没读，理工科学生阅读些其他领域的书，确实是美妙的事情

评分☆☆☆☆☆

书挺好，就是京东客服太差，什么都不懂，什么都不了解业务，还忽悠客户。这次物流也太差，整整迟了4天。体验不好

评分☆☆☆☆☆

东西被冒领了，找不到了。

评分☆☆☆☆☆

非常不错的京东自营图书，非常满意，下次再来购买

评分☆☆☆☆☆

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