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乔会根 著

图书标签:

• 艺术史
• 绘画
• 艺术欣赏
• 世界名画
• 艺术普及
• 文化
• 艺术
• 博物馆
• 经典
• 西方艺术

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550266018

版次：1

商品编码：11853724

包装：精装

开本：16开

出版时间：2016-01-01

用纸：胶版纸

页数：448

字数：550000

正文语种：中文

内容简介

　　本书为艺术类通俗读物。将一百多幅名气大、影响广、代表性强的世界名画辑录成册，为了帮助读者提高阅读效果，书中设置了“必知理由”、“名画档案”、“画家简介”、“名画欣赏”、“绘画知识”等栏目，从艺术、历史、文化等多个角度解读世界名画的精髓之所在，让读者深刻体会名画背后鲜为人知的故事，领略艺术大师们创作的艰辛，全方位把握西方艺术所蕴涵的人文精神。

内页插图

目录

野牛图
渔 夫
捕禽图
辞行出征的战士
狂欢者
狄奥尼索斯秘仪图
查士丁尼及其随从
手持莲花和金刚的菩萨
凯旋图
巴约挂毯
哀悼基督
犹大之吻
阿尔诺芬尼夫妇像
羊的崇拜
受胎告知
圣罗马诺之战
基督自十字架上解降
圣三位一体
奉献金
基督受洗
圣母子与诸圣人
秋冬山水图·冬景
庄园之忧闷

前言/序言

　　绘画是人类凝固的历史，是无声的语言，是民族文化的重要载体。历代绘画大师们以其洞幽入微的观察力、超脱尘世的秉性、细腻激扬的情愫，凭借生花的妙笔，画下了无数技艺精湛、影响深远的名画。这些经历了时间考验的名画不仅丰富了世界艺术宝库，而且还感染和影响了成千上万的人，扣击着一代又一代人的心灵，给人以精神上的享受和艺术上的熏陶。
　　世界名画作为世界艺术殿堂中的瑰宝，是人们不可或缺的精神食粮之一，它们具有丰富的文化底蕴，或描绘各地迷人的自然风光和多姿多彩的社会风情，或表达创作者的情感、思想和观念，或记录生活和历史，或反映不同时期人们的信仰，或折射出不同时期人们的审美情趣。
　　一个人在其一生中，应该了解、欣赏一些世界名画。从名画中，不仅可以提高审美情趣，提升艺术修养，还可以学习到丰富的历史文化知识，优化知识结构；此外，从名画折射出来的画家的智慧和情感对我们启迪心智、陶冶情操也将有很大的帮助。然而，世界的绘画艺术珍品浩如烟海，普通读者了解起来十分不便。
　　为了让广大读者在最短的时间内迅速、有效地了解并欣赏世界绘画的创作成就，编者精选出近200 幅名气大、影响广、代表性强的世界名画，辑成本书。这些传世名画具有很高的艺术价值、史学价值、文化价值、鉴赏价值和收藏价值，代表了世界绘画的成就，处处散发着荡气回肠、惹人注目的人文气息，让读者在唯美中赏心悦目，感受艺术大师如诗的情怀，获得至纯的艺术熏陶。为了帮助读者提高阅读效果，书中设置了“必知理由”、“名画档案”、“画家简介”、“名画欣赏”、“绘画知识” 等栏目，从艺术、历史、文化等多个角度解读世界名画的精髓之所在，让读者深刻体会名画背后鲜为人知的故事，领略艺术大师们创作的艰辛，全方位把握西方艺术所蕴含的人文精神。其中“必知理由”高度概括了名画的成就、地位和影响；“名画档案”列出了名画的创作时间、尺寸、收藏地等基本资料；“画家简介” 简要叙述了绘画大师的生平和代表作品；“名画欣赏”以细腻生动的笔触，全面解读名画的创作背景、创作过程以及创作技巧等，让读者在短时间内全面了解这些伟大的作品；“绘画知识”讲述了大量专业绘画知识。
　　同时，与文字相契合的精美插图精彩展示名画的原貌， 营造出一个彩色的、立体的、极具艺术魅力的阅读空间，使读者仿佛置身于一座流动的名画博物馆，开始一段愉快的读书之旅，零距离洞悉中西方艺术的精髓，获得更多美的享受和阅读体验。
　　提升品位，就请从这里开始：本书通过编写体例、图片和艺术设计等多种视觉要素的有机结合，为读者打造出一场彰显文化底蕴的艺术盛宴，在轻松的阅读过程中帮助读者活跃艺术欣赏思维，拓展文化视野，丰富知识储备，提升审美情趣和人文修养。

好的，这是一份针对您的图书《世界名画全知道》的图书简介，内容详尽，旨在吸引对艺术史、绘画技巧和文化背景感兴趣的读者，且不包含任何关于您原书的提及或AI痕迹。 --- 《光影与灵魂的交织：西方绘画史的伟大叙事》 一部跨越千年、洞察人性的艺术史巨著 这是一部献给所有热爱视觉艺术、渴望深入理解西方文明脉络的读者的史诗级著作。我们试图超越简单的图录式罗列，深入探究那些在历史长河中留下了永恒印记的杰作背后，所蕴含的文化密码、技术革新与人类情感的复杂交织。 第一部分：从洞穴壁画到古典的辉煌——文明的曙光与秩序的建立 本书的开篇，将带领读者回到人类艺术的源头。我们探寻史前岩画中原始生命的呐喊与敬畏，理解早期的象征符号如何构建起最初的宇宙观。 随后，视角转向两河流域的浮雕、古埃及的壁画与雕塑，重点分析这些高度程式化的艺术形式，如何紧密服务于宗教和王权，展现出超越时间的力量感。 真正的转折点出现在古希腊。我们将详细剖析希腊艺术从古拙时期到古典盛期的演变，阐释“黄金分割”和“理想美学”是如何被确立的。重点关注雕塑如何追求人体的完美比例，以及陶器上复杂的叙事性绘画如何记录神话与日常生活。罗马帝国继承并发展了希腊的写实主义，我们不仅会关注宏伟的公共艺术，更会挖掘庞贝古城壁画中那些充满生活气息的室内装饰艺术，它们为我们打开了一扇了解古代世俗生活的窗户。 第二部分：信仰与革新——中世纪的沉思与拜占庭的荣光 中世纪的艺术，是精神力量的集中体现。本书将深入解析拜占庭马赛克镶嵌画的宗教神圣性与象征主义，探讨其对后世宗教艺术的影响。 在西欧，哥特式大教堂的崛起是一场建筑与光影的革命。我们将细致解读彩色玻璃窗如何成为“会说话的圣经”，用光线重塑信徒的信仰体验。同时，对泥金装饰手抄本、圣坛画的分析，揭示了手工艺的极致与虔诚的细节之美。这是一个关于秩序、教义和超越尘世的漫长叙事。 第三部分：文艺复兴的觉醒——人文主义的曙光与科学的介入 文艺复兴是西方艺术史上最激动人心的篇章。本书将用大量的篇幅，聚焦于佛罗伦萨和罗马，解析“人”如何重新成为艺术的核心。 透视法的革命： 我们将追溯布鲁内莱斯基和马萨乔等人如何将数学和几何学引入绘画，使二维平面获得了前所未有的空间深度。 巨匠的技艺与哲学： 达·芬奇不仅仅是艺术家，更是科学家。我们会解构《最后的晚餐》中的构图逻辑、光影处理，并探讨“晕染法”如何赋予人物灵魂般的复杂性。米开朗基罗的雕塑与西斯廷教堂的穹顶，是古典主义精神与基督教主题完美结合的典范，我们将逐一分析其解剖学精确性和戏剧张力。拉斐尔的和谐之美，则代表了理想主义的巅峰。 威尼斯画派，如提香，如何以色彩为王，将油画的物质感和表现力推向新的高度，成为巴洛克艺术的先声。 第四部分：激情与戏剧——巴洛克与洛可可的盛衰 17世纪的欧洲，政治动荡与宗教反思催生了巴洛克的宏大叙事。卡拉瓦乔的“明暗对照法”（Chiaroscuro）如何用极端的光影对比，将神圣事件拉入凡人可以感知的、充满肉体挣扎的现实。 在佛兰德斯，鲁本斯以其奔放的笔触和对生命力的赞颂，展现了巴洛克的热情。而在西班牙，委拉斯开兹的肖像画则以一种近乎现代的洞察力，捕捉了王室的尊严与个体的迷惘。 随后的洛可可时期，艺术风格转向精致、轻盈与享乐主义。我们将探讨法国贵族沙龙文化如何塑造了华托、布歇的作品，这些作品充满了粉饰太平的甜美与感性的诱惑，预示着旧秩序的衰落。 第五部分：理性的回归与情感的爆发——新古典主义与浪漫主义的对决 18世纪末，对古希腊罗马的重新崇拜引发了新古典主义，以雅克-路易·大卫为代表，艺术再次强调道德、责任与清晰的线条。 然而，这种冰冷的理性很快受到了浪漫主义的挑战。德拉克洛瓦和戈雅的作品，将笔触从对线条的描绘转向对色彩和情感的释放。我们将探讨浪漫主义如何拥抱异国情调、超自然现象和个体英雄主义，艺术的重心从“应该是什么”转向了“感受到了什么”。 第六部：现代性的开端——印象派、后印象派与艺术的解构 工业革命与摄影技术的出现，彻底动摇了传统绘画的地位。印象派艺术家们走出画室，专注于捕捉光线在特定时刻的瞬息万变。莫奈对光影的痴迷，以及他如何系统地解构我们对“真实”的认知，是本书的重点分析对象。 后印象派（塞尚、梵高、高更）则将焦点从“外部世界”转向了“内在结构”和“主观情感”。塞尚对形体的几何化处理，为立体主义埋下了伏笔；梵高的强劲笔触和色彩，则直接表达了极端的心理状态。 第七部：二十世纪的碎片化与重生——现代主义的浪潮 本书的后半部分，将以深入的分析，迎接现代艺术的爆炸性发展。从毕加索和布拉克对视角的彻底颠覆（立体主义），到马蒂斯对色彩的纯粹解放（野兽派），我们看到了传统再现方式的终结。 表现主义（如蒙克）对焦虑和异化的描绘；抽象艺术（康定斯基、蒙德里安）如何彻底脱离具象世界，寻求纯粹的视觉语言；超现实主义（达利、马格里特）如何挖掘潜意识的梦境与荒诞。 最终，我们将简要触及战后艺术思潮的复杂性，包括波普艺术对大众文化的戏仿与挪用，以及当代艺术如何持续挑战着我们对“什么是艺术”的既有认知。 《光影与灵魂的交织》不仅是一部艺术史，更是一部人类思想、审美变迁与社会发展的编年史。通过对数以百计的经典作品的深度剖析，读者将获得前所未有的视觉素养，学会如何“观看”艺术，理解那些沉睡在颜料与画布之下的，永恒的人类对话。 本书适合艺术专业学生、博物馆爱好者、文化史研究者，以及所有希望以更深刻的视角审视人类文明成就的求知者阅读。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对细节特别敏感的人，以往的艺术普及读物常常在“宏大叙事”下，忽略了那些决定作品生命力的“幕后花絮”。这本书在这方面做得非常出色，它深入挖掘了画家们创作时的心境、当时的社会背景甚至一些鲜为人知的个人轶事。比如，书中对某位巴洛克大师在创作一幅宗教题材巨作时，如何与赞助人进行权力博弈的描述，真是精彩绝伦。这让我明白，艺术品的诞生从来不是真空中的完美创作，而是充满了妥协、挣扎与天才的火花。通过了解这些“人味儿”的故事，那些原本高高在上的艺术形象立刻变得鲜活起来，他们的作品也因此带上了更深的情感重量。它不仅仅是教你看懂了“是什么”，更重要的是让你理解了“为什么是这样”。这种由外而内的解析路径，构建了一个立体的艺术世界，让我对那个时代的生活、哲学和审美趣味都有了更深层的认识，感觉自己仿佛真的穿越回了那个画室之中。

评分☆☆☆☆☆

我对西方艺术史的了解一直停留在教科书的僵硬框架里，总是被时间线和流派名称搞得晕头转向。但这本书的叙事结构非常巧妙，它没有采用那种按时间轴推进的沉闷方式，反而更像是一次跨越时空的“主题游览”。它似乎更注重挖掘那些潜藏在不同时代、不同地域的画作之间的“精神连接点”。比如，它会把文艺复兴时期的某种对人性的赞颂，与后世印象派对瞬间光影的捕捉联系起来，让人惊叹于人类审美追求的共通性与变异性。这种跳跃式的解读方式，极大地激发了我的好奇心，让我不再将艺术视为孤立的作品，而是一场持续了数百年的对话。它教会了我如何去“提问”一幅画，而不是被动地接受它呈现给我的信息。更重要的是，作者在字里行间流露出的那种对艺术的虔诚和热爱，非常有感染力，让原本枯燥的艺术鉴赏过程变得像寻宝一样充满乐趣。我尤其喜欢它对一些边缘艺术家的挖掘，那些不常出现在大众视野中的大师作品，也得到了应有的关注和深入的分析。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是艺术启蒙的绝佳选择！我之前对古典绘画一直停留在“认识”的层面，知道蒙娜丽莎，知道梵高，但总觉得隔着一层纱，无法真正走进那个时代和艺术家的内心世界。这本书的叙述方式非常平易近人，它没有堆砌那些晦涩难懂的专业术语，而是像一位经验丰富的老朋友在给我娓娓道来每一幅画背后的故事。尤其让我印象深刻的是，它对色彩运用和光影变幻的解读，不再是简单的描述“蓝色很美”或“光线很亮”，而是深入剖析了画家是如何利用这些元素来表达复杂情感或构建叙事结构的。例如，讲解伦勃朗作品时，那种对“黑暗中的光”的细致描摹，让我仿佛真的能感受到那种戏剧性的张力。我以前看画展时，常常因为信息量太大而感到迷茫，但这本书提供了一个绝佳的“导览地图”，它让我明白，每一笔触、每一个细节都不是偶然，背后都有着深思熟虑的艺术意图。读完之后，再去欣赏那些熟悉的画作，视角完全不一样了，那种由内而外的理解和共鸣，是单纯看图片册无法给予的震撼。

评分☆☆☆☆☆

与其他偏向理论介绍的书籍不同，这本书的实操性和应用性令人惊喜。它提供了一套非常实用的“看画工具箱”。作者没有直接给出标准答案，而是教导我们如何去建立自己的评判体系。比如，它会引导读者去思考：为什么这幅画的焦点总是在画面右上方？这种构图方式在当时意味着什么？通过对光线、透视和人物动态的解构练习，我发现自己看任何画作时，都会不自觉地进行分析和比较。这种学习方法非常有效，它将“欣赏”变成了一种积极的、主动的“探索”过程。书里很多地方都像是一个小小的“鉴赏挑战”，鼓励读者先独立思考，再去看作者的解读。这对于希望提升个人鉴赏能力的读者来说，是极其宝贵的财富。它不满足于做知识的搬运工，而是致力于培养读者的“艺术眼光”，这种赋能感是我在其他同类书籍中很少体验到的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版设计简直是视觉享受，这对于一本涉及大量图像的作品来说至关重要。我收到书时就被它的纸张质感吸引住了，印刷的色彩还原度非常高，细节的层次感保留得很好，即便是对于一些年代久远、色彩已经发生微妙变化的油画，也能看出修复和印刷上的用心。更值得称赞的是，它在版式安排上的克制与精准。作者深知“留白”的重要性，不像有些画册恨不得把文字塞满每一个角落。这里的布局呼吸感很强，每一幅重点解析的画作都有足够的空间来展示，使得读者在阅读文字分析的同时，可以很自然地将目光聚焦到画面的具体细节上，避免了阅读疲劳。我发现自己不再只是匆匆扫过图片，而是会停下来，对照文字描述，去寻找那些作者提到的细微笔触或构图技巧。这种“图文合一”的体验，远超出了我的预期，它成功地将一个信息载体变成了一件值得收藏和反复摩挲的艺术品本身。