江苏宜兴紫砂?汪寅仙 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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韩明，袁硕 著

图书标签:

• 紫砂
• 宜兴
• 汪寅仙
• 陶瓷
• 工艺
• 艺术
• 收藏
• 江苏
• 传统工艺
• 紫砂壶

出版社： 海天出版社

ISBN：9787550719347

版次：1

商品编码：12148597

包装：精装

丛书名： 中国手艺传承人丛书

开本：大16开

出版时间：2017-06-01

用纸：纯质纸

页数：220

字数：244000

编辑推荐

　　本丛书对于我国非物质文化遗产来说，不仅仅是记载与传承，更重要的是呼吁全社会关注这些濒临消失的中华传统手艺。

　　具体活动安排：

　　1.在《中国新闻出版报》等专业媒体，同时在新浪等各大网络平台做各种形式宣传，为预售造势。

　　2.向各地图书馆宣传推荐介绍。

　　3.2017年度举办全国巡展（北京、上海、南京、济南、郑州、长沙、杭州、西宁、乌鲁木齐、南宁、呼和浩特、广州、成都、太原、深圳等城市）。

　　4.在国际四大书展（法兰克福、东京、伦敦、纽约）向全球展示中国传统文化。

　　5.进入文化馆：与传承人所在地区的文化馆联手推出传承人现场演示活动。

　　6.参加各地文博会进行展示，在各地学校以举办讲座等形式宣传推广中国传统手艺。

内容简介

　　《中国手艺传承人丛书》共20册，约2000千字，4000幅图片。主要呈现从京、晋、蒙、沪、苏、浙、鲁、豫、湘、粤、桂、青、新等省市自治区选取的在手艺保护、衣钵传承、工艺创新等方面具有突出表现的20位代表性手艺人的鲜活案例分析。丛书以手艺传承人为线，注重对手艺人个体所掌握的技艺绝活的全面记录，借此呼吁民众正视手艺人存在的真正意义，弘扬中国手艺精神与价值，倡导建构起以手艺人为主导、以技艺为核心的活态传承发展系统，推动传统手艺的现代传承、发展、创新。

　　本书主要介绍江苏宜兴紫砂陶传承人汪寅仙从艺人文环境、手艺生涯、薪火传承、手艺绝技、代表作品、著述及访谈实录等内容。

作者简介

　　《中国手艺传承人丛书》共20册，约2000千字，4000幅图片。主要呈现从京、晋、蒙、沪、苏、浙、鲁、豫、湘、粤、桂、青、新等省市自治区选取的在手艺保护、衣钵传承、工艺创新等方面具有突出表现的20位代表性手艺人的鲜活案例分析。丛书以手艺传承人为线，注重对手艺人个体所掌握的技艺绝活的全面记录，借此呼吁民众正视手艺人存在的真正意义，弘扬中国手艺精神与价值，倡导建构起以手艺人为主导、以技艺为核心的活态传承发展系统，推动传统手艺的现代传承、发展、创新。

　　本书主要介绍江苏宜兴紫砂陶传承人汪寅仙从艺人文环境、手艺生涯、薪火传承、手艺绝技、代表作品、著述及访谈实录等内容。

宜兴陶艺的璀璨星河：中国紫砂艺术的传承与创新 引言 紫砂，这一源自江苏宜兴的独特陶土艺术，历经数百年时光的沉淀与锤炼，早已超越了单纯的实用器皿范畴，成为中国传统工艺美术中一颗璀璨的明珠。它不仅承载着深厚的地域文化底蕴，更凝聚了无数匠人对“泥与火”的深刻理解与不懈追求。本书旨在带领读者走进一个更加广阔的紫砂世界，探寻其在不同历史阶段的流变轨迹、艺术风格的演进，以及当代紫砂艺人群体在继承传统基础上所迸发的创新活力。我们将从更宏观的视角审视紫砂艺术的全貌，而非聚焦于个体名家的成就。 第一部分：紫砂的源起与早期流变——从“泥”到“器”的哲学思考 紫砂的诞生并非一蹴而就，它植根于宜兴独特的地理环境与矿藏资源。本部分将详述紫砂泥料的形成过程，分析紫砂泥（如紫泥、朱泥、段泥）的化学成分与物理特性，解释为何这种特定泥料能够成就紫砂壶“双气孔结构”的独特魅力，使其具备“泡茶不走味”的特性。 我们将追溯紫砂艺术的雏形，考察其在明代中晚期的崛起。这一时期，紫砂器从早期的朴拙实用向文人审美品位的转变至关重要。我们会探讨陈松生、董万益等早期制壶名家的作品风格，分析当时文人士大夫阶层如何通过题诗、作铭、书画的形式介入紫砂壶的设计与制作，从而奠定了紫砂“文玩”的基调。重点在于分析早期紫砂器形如何从仿制青铜器、瓷器，逐步发展出具有自身语言的几何造型与自然仿生造型。 第二部分：明清鼎盛期的风格分流与技艺的精进 明清时期是紫砂艺术的黄金时代，制壶技艺趋于成熟，流派纷呈。 明代晚期至清初的“时大彬精神”的再阐释： 我们将不再仅仅提及某位名家，而是侧重分析时大彬所开创的“方圆平盖、光素浑朴”的审美取向如何影响了后世的制壶理念。这种理念强调壶体的“线面干净、比例协调”，追求一种“一目了然”的纯粹性。 清中期的装饰艺术的繁荣： 随着紫砂壶进入更广阔的商业流通领域，装饰手法也愈发丰富。本部分将系统梳理清代紫砂的装饰技法，包括： 1. 堆塑与捏塑： 分析如“花塑器”在不同时期的演变，以及如何将自然物象（瓜果、竹枝）融入壶体结构中。 2. 刻绘艺术的成熟： 探讨由民间艺人与专业书画家合作，在壶身上进行诗文和花鸟山水刻画的技术难度与艺术表现力。这包括了对“减地”与“泥绘”等不同刻绘层次的分析。 3. 镂空与镶嵌工艺的尝试： 考察在紫砂器上进行如金属镶嵌或复杂镂空技术，体现了清代工艺对繁复和精巧的追求。 第三部分：民国至近现代的传承与转折 进入民国时期，紫砂工艺面临技术传承的挑战，但同时也迎来了新的发展机遇。我们将关注范氏家族（如范松涛、范幼梅等）在这一时期的努力，以及他们如何试图将传统技艺带入现代审美视野。 新中国成立后，紫砂艺术被纳入国家工艺美术体系。本部分将详细阐述紫砂工艺的规范化、学校教育的引入（如对紫砂工艺学校的建立与作用的分析），以及如何通过展览和评奖机制，重新定义“紫砂工艺师”的标准和价值。我们将探讨老一辈艺术家（如顾景舟、徐汉棠等）在这一关键历史时期，是如何在保持传统风格的基础上，对器型结构进行“标准化”和“科学化”的提炼与完善，确保了工艺的延续性。 第四部分：当代紫砂的多元探索与学术前沿 当代紫砂艺术是继承与创新并存的多元景观。我们不再局限于传统“光素器”、“花器”的二元划分，而是深入探讨当代制壶人在以下几个维度的探索： 一、材质与工艺的科学化研究： 探讨当代人对紫砂泥料的深度挖掘，如对“朱泥”的泥性优化、对泥料陈腐过程的控制，以及使用现代窑炉技术对烧制气氛的精确控制对紫砂“色、声、香”的影响。 二、造型语言的当代性转译： 分析当代许多优秀制壶人如何摆脱对传统经典器型的简单复制，转而从现代建筑美学、抽象艺术、乃至当代哲学理念中汲取灵感，创造出具有强烈时代烙印的造型。这包括对“异形器”、“结构创新”的探索，以及如何平衡造型的艺术张力与实用功能。 三、紫砂与跨界艺术的融合： 当代紫砂的边界正在被拓宽。本部分将考察紫砂壶与当代陶艺、装置艺术、甚至数字媒体的结合可能性。例如，探讨在壶体上结合新的烧成效果（如窑变、熔岩效果）或使用新技术辅助设计稿的案例，以此展示紫砂艺术在当代语境下的生命力。 结论：传承中的革新与紫砂的未来 紫砂艺术的魅力在于其内在的矛盾统一：既要尊重泥土的本性与历史的积淀，又要敢于打破既有的审美规范。本书通过梳理紫砂艺术从源头到当代的演变脉络，旨在揭示其技术、审美与文化价值的深层逻辑。我们期望读者能建立起一个全面而立体的紫砂艺术认知框架，理解每一件优秀的紫砂作品背后，都是对“天人合一”的东方哲思在泥土上的精妙注解。紫砂的未来，必将在对传统的敬畏中，继续书写新的辉煌篇章。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我特别欣赏作者在处理争议性问题时的那种公正与审慎态度。在任何一个传统手工艺领域，都难免存在一些流派之争或者历史定论的模糊地带。这本书在这方面做得极为出色，它没有急于给出绝对的断言，而是呈现了多种主流观点，并辅以扎实的物证和文献记载来引导读者自行判断。这种尊重历史和尊重读者的态度，让人倍感信服。书中对于一些失传技艺的追溯和现代尝试的记录，也充满了人文关怀，既是对过去的缅怀，也是对未来的期许。阅读过程中，我几次停下来，合上书本，思考作者提出的那些关于“传承的代价”和“创新的边界”的问题。这本书的价值已经超越了单纯的艺术鉴赏范畴，它更像是一部关于中国传统美学精神如何在现代社会中挣扎求存的文化研究报告。它不仅教你如何看懂一件器物，更教你如何去理解一个民族对待“时间”和“双手”的态度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版布局和视觉语言运用得非常克制和高级，这一点在当前很多追求视觉冲击力的出版物中是难能可贵的。它采用了大量的留白，使得每一幅图片和每一段文字都有足够的“呼吸空间”，这种设计本身就在传达一种“大音希声”的审美理念。更值得称道的是，书中对传统纹饰的解析部分。作者没有简单地对纹饰进行符号学层面的解读，而是深入挖掘了这些图案在不同时代被赋予的吉祥寓意和社会功能。例如，对“回纹”在不同器型上的布局变化进行了详细的比较分析，展示了匠人如何在遵循传统的同时进行微妙的创新。这种对细节的极致关注，体现了作者极高的专业素养和审美情趣。读起来非常舒服，眼睛不会疲劳，思绪却能被引导到更深远的层次。它成功地将学术的深度与艺术的愉悦感完美地融合在了一起，让人爱不释手，反复品读。

评分☆☆☆☆☆

这部书的装帧设计实在是让人眼前一亮，从封面的材质到内页的纸张选择，都透露着一种对传统工艺的敬畏与现代审美的结合。特别是那些高清的彩图，将那些温润的泥色和精妙的塑形展现得淋漓尽致。我记得翻开其中一章，专门讲到某一种特定的泥料，描述得极其细腻，光是文字就仿佛能让人闻到泥土里特有的那股清新的气息。作者似乎对这个领域的历史脉络有着深入的田野调查和系统的梳理，不仅仅停留在器物本身的美学价值，更深入挖掘了其背后的文化符号和社会变迁。比如，书中对比了不同历史时期款识的演变，这种考据的严谨性，对于我们这些痴迷于收藏和研究的爱好者来说，简直是如获至宝。它没有用那种高高在上、晦涩难懂的学术腔调，而是用一种娓娓道来的方式，像一位经验丰富的前辈在耳边分享他的心得，让人在欣赏美感的同时，也能获得扎实的知识支撑。整体阅读下来，感觉像是一次对中华传统制瓷艺术的深度洗礼，让人对“器物有人文”有了更深刻的理解。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，在阅读这本书之前，我对这个领域的一些基本概念存在着片面的理解，总觉得好作品无非就是造型周正、泥色漂亮而已。然而，这本书彻底颠覆了我的认知框架。它在叙事结构上做了非常巧妙的安排，从宏观的历史背景切入，逐步聚焦到具体的技法细节，最后再回归到对艺术思想的探讨，逻辑递进非常流畅自然。尤其是关于“审美流派”的划分和对比部分，简直是教科书级别的梳理。作者没有简单地将流派对立起来，而是探讨了它们之间如何相互影响、相互借鉴，形成了一个动态发展的体系。这种宏大叙事的能力，使得读者在欣赏单个作品时，能够将其置于更广阔的历史长河中进行考量，从而提升了鉴赏的维度和深度。对于初学者来说，它提供了一张清晰的地图；对于资深玩家而言，它则是一面能够反观自身认知的镜子。我感觉，这本书不仅仅是关于器物的，更是关于一种生活哲学和文化传承精神的深刻解读。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我赞叹的是它对“手感”和“气韵”的描摹，这是任何高清照片都难以完全捕捉的精髓。作者似乎拥有一种超乎寻常的洞察力，能够将那些无形的、需要长时间把玩才能体会到的特质，用极其生动的文字转化为可感知的体验。我特别喜欢其中一段，描述了某位制壶大师在“打身筒”时的节奏感和力量的控制，那种讲究“不疾不徐，恰到好处”的意境，一下子就将我带入到那个充满专注与匠心的空间里。书中还穿插了一些关于材料科学的知识，比如泥料的收缩率、烧制过程中的气氛控制如何影响最终的釉色，这些专业内容被处理得极为平易近人，仿佛是随手拈来的生活哲理。它打破了传统鉴赏书籍的刻板印象，不再是简单的图录式罗列，而是将每一件作品都视为一个有生命的个体，去探究它从一块顽石到一件艺术品的“生命历程”。这种叙事方式，极大地提升了阅读的趣味性，让人忍不住一口气读完，并立刻想去触摸和感受那些书中提及的佳作。