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[美] 特德焦亚 著

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店铺： 文轩网少儿专营店

出版社： 北京联合出版有限责任公司

ISBN：9787550287327

商品编码：28449457073

出版时间：2018-05-01

作  者:(美)特德·焦亚(Ted Gioia) 著；孙新恺 译 定  价:45 出 版 社:北京联合出版公司 出版日期:2018年05月01日 页  数:248 装  帧:平装 ISBN:9787550287327 ●引言
● 节奏之谜
●第二章 走进音乐
●第三章 爵士乐的结构
●第四章 爵士乐的起源
●第五章 爵士乐风格的演变
●第六章 走近爵士乐革新家
●第七章 在当代聆听爵士乐
●附录 150位爵士名家：处于事业早期或中期的爵士大师
●致谢

内容简介

爵士乐的精髓何在？我们该如何品鉴大师级的演奏？即兴演奏就是随意发挥吗？为什么听、如何听、听什么、听谁的，有关爵士乐的种种疑问，你都将在这里找到答案。
美国杰出音乐史学家、资历爵士乐评论家特德·焦亚在《如何听爵士》中与我们分享了自己的赏乐之道，他从爵士乐的核心谈起，扩展至爵士乐的结构、历史、流派、名家赏析，以深入浅出的语言向我们讲述了“如何听爵士”，只要用心聆听，定能深入爵士乐纷繁复杂的世界中，揭示其魅力所在。 (美)特德·焦亚(Ted Gioia) 著；孙新恺 译 特德·焦亚，钢琴演奏家、爵士乐资历评论家、音乐史学家，著有《爵士的历史》（The History of Jazz）以及《爵士乐标准曲》 （The Jazz Standards）等相关音乐书籍10种，作品屡获殊荣。他被《达拉斯晨报》誉为“美国杰出的音乐史学家之一”，并于2017年获得了由“爵士乐新闻记者出版协会”授予的“爵士乐终身成就奖”。 序言什么是爵士乐？也许每个人都有自己的答案。然而你可能不曾意识到，你听到的爵士乐并不是真正的爵士乐。你心中的爵士乐，也许是跟爱人晚餐时餐厅里时隐时现的背景音乐，也许是挑选唱片时店里播放的爵士乐，或者是来自一段电波，或者是源于某一个现场。没错，这些都是爵士乐，但是这些都不能代表真正的爵士乐。爵士乐从诞生之初就在不断吸收各种类型的音乐元素与文化特征，100多年过去了，现在的爵士乐已然是一个丰富而多样的广阔世界，早已不是只言片语、几首乐曲所能概括。爵士乐中有抗争的历史、文化的冲撞、情感的宣泄，乃至对人性的拷问。也许你能够体会切特·贝克的忧郁，也能感受到戴安娜·克瑞儿的欢快，然而，如果你无法理解约翰·科尔特兰对于人性的探索，那么你就不能算是真正理解爵士乐。想理解爵士乐，就一定要深入它的精神核心，要回到当时的历史背景里，在那个时刻、那个环境中，去感受爵士乐手以无词的纯音乐所表达出的更深层次的人性体验等

《乐章的脉络：古典音乐的深度赏析指南》 一、 引言：跨越时空的对话 音乐，作为人类情感最直接的载体，其历史源远流长，体系宏大精深。古典音乐，这一历经数百年沉淀的艺术瑰宝，不仅是历史的回响，更是对人类精神世界的深刻探索。然而，面对浩如烟海的曲目、复杂的结构和深奥的术语，许多初入此道的爱好者常常感到无从下手，仿佛置身于一座宏伟却迷宫般的殿堂前。 《乐章的脉络：古典音乐的深度赏析指南》并非一本枯燥的理论手册，而是一份精心绘制的导览图，旨在引导读者穿透表象，直抵古典音乐作品的核心精神与结构之美。我们摒弃了晦涩难懂的学术语言，转而采用一种充满画面感和叙事性的方式，将巴赫的严谨、莫扎特的灵动、贝多芬的激情以及浪漫主义的磅礴，一一呈现在听众的耳畔。 本书的核心目标是帮助读者建立起一套完整的“聆听系统”，理解不同时代作曲家如何运用旋律、和声、配器乃至曲式结构来构建他们的思想。我们将探讨音乐的“骨架”——奏鸣曲式、回旋曲式、赋格的精妙逻辑，并深入解析管弦乐队的“色彩画笔”——木管、铜管、弦乐以及打击乐在不同历史阶段的角色演变。 二、 溯源与演变：风格的地理与时间地图 古典音乐的演进并非一蹴而就，而是一条清晰的脉络，清晰地映照出社会、哲学和技术的发展轨迹。本书将从巴洛克时期开始，带领读者领略宏伟的复调艺术。我们会详细剖析巴赫《平均律钢琴曲集》的数学般精确，亨德尔清唱剧的戏剧张力，理解通奏低音（Basso Continuo）如何成为那个时代音乐的驱动力。这不仅是听觉上的体验，更是对早期理性主义精神的追溯。 随后，我们将进入古典主义的黄金时代。维也纳三杰——海顿、莫扎特和贝多芬——的出现，标志着音乐从神性向人性的回归。在这里，我们将用大量的篇幅来解析“奏鸣曲式”这一核心结构。我们不会简单地罗列呈示部、展开部和再现部，而是会像侦探一样，去捕捉主题在不同调性中如何冲突、融合，最终达到逻辑上的完美统一。例如，通过对比海顿的幽默与莫扎特的纯净，读者将清晰感知到同一音乐语汇在不同心性下产生的巨大差异。 进入十九世纪，浪漫主义的浪潮席卷而来，音乐不再满足于形式上的完美，它渴望表达无尽的个人情感、史诗般的叙事以及对自然和超验的向往。从舒伯特的歌曲艺术（Lied）中细腻的情感处理，到肖邦钢琴作品中对波兰民族精神的寄托，再到瓦格纳歌剧的“主导动机”理论，我们将展示音乐如何从纯粹的听觉艺术，蜕变为一种综合性的、承载强烈个人意志的媒介。读者将学会如何识别那些潜藏在复杂织体下的“情感密码”。 三、 乐器与声音的魔术：配器法的透视 理解古典音乐，必须理解作曲家手中拥有的“调色盘”——乐器。本书的第三部分将聚焦于管弦乐队的进化史，将乐器知识融入到实际的作品分析中。 我们将详细介绍弦乐组（小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴）在不同时期演奏技法的细微差别。例如，在巴洛克时期，弓法相对简单，而到了德彪西和拉威尔那里，拨奏（Pizzicato）、颤音的微妙运用，以及对弦乐泛音的探索，如何共同营造出印象派特有的朦胧光影效果。 木管乐器（长笛、双簧管、单簧管、巴松管）则代表了音色的个性化。我们将解析单簧管如何成为莫扎特晚期作品中描绘忧郁与柔和的利器，以及理查·施特劳斯如何利用双簧管的穿透力来刻画戏剧冲突。 铜管乐器（圆号、小号、长号、大号）的角色转变尤其引人入胜。从早期仅用于增强辉煌和宣告的工具，到瓦格纳和马勒时代，它们如何承担起表达史诗般力量和内心挣扎的主角。掌握了配器法的知识，听众就能明白，当小提琴声部突然寂静，而只剩下定音鼓的轰鸣时，作曲家试图传达的是何种程度的震撼与危机。 四、 曲式结构解析：建筑学与叙事逻辑 音乐的结构，如同建筑的框架，决定了作品的宏伟与平衡。本书将以最直观的方式拆解主要的曲式结构，帮助读者建立对音乐“布局”的认知能力，从而避免在复杂的乐章中迷失方向。 赋格（Fugue）： 我们将以巴赫的《平均律》为例，逐层剥离模仿、对位和主题的交织，理解这种高度理性的音乐形式如何达到形式与情感的完美统一。 变奏曲（Variation）： 不仅是主题的重复和装饰，变奏曲更是作曲家在既定框架下进行哲学思辨的场所。我们将对比勃拉姆斯与贝多芬在变奏曲中展现的截然不同的创作理念。 交响曲（Symphony）与协奏曲（Concerto）： 通过对交响曲的四乐章结构进行详细解读，读者将能够预判乐章的情感走向。在协奏曲的分析中，我们将重点关注独奏乐器与乐队之间的“对话”和“竞争”，特别是关于“华彩段”（Cadenza）的意义——那是独奏家展示个人技艺和对作品理解的舞台。 五、 聆听的进阶：从被动接收到主动对话 本书的终极目标是培养一种主动的、参与式的聆听习惯。我们不要求读者记住每一个术语，而是鼓励他们去“感受”作曲家的意图。 我们将探讨“标题音乐”与“纯音乐”的区别与联系，分析交响诗如何用音乐描绘具体的场景（如理查·施特劳斯的《查拉图斯特拉如是说》），并反思纯音乐（如勃拉姆斯交响曲）在不依赖外部叙事时，如何仅凭音乐本身构建起完整的故事线索。 阅读本书，如同收到了一把钥匙，它将开启古典音乐殿堂的大门。当你再次聆听那些熟悉或陌生的乐章时，你不再只是一个被动的听众，而是一位能够洞察结构、理解情感、与几百年前的伟大心灵进行深度对话的鉴赏者。你将体会到，古典音乐的魅力，正是在于它那永恒不变的逻辑美感与不断涌现的人性光辉的完美结合。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排非常巧妙，它不是简单的时间线叙述，而更像是一张错综复杂的蜘蛛网，将爵士乐发展史上的关键人物和流派巧妙地串联起来。最让我惊艳的是，作者对“即兴”这一核心概念的处理。他没有将其神化，而是将其还原为一种高度训练基础上的“即时创作”。他详细剖析了从早期蓝调根源到比波普革命的演进中，音乐家们是如何一步步解放旋律，拥抱不确定性的。对于那些痴迷于技术细节的读者来说，书中关于Solo结构分析的部分提供了极具价值的参考点，比如如何识别一个好的主题发展段落，或者何时是乐器间进行“呼叫与回应”的最佳时机。我花了整整一个下午，对照书中的案例，反复听着Coltrane的《Giant Steps》，才真正体会到那种在极快速度下依然保持清晰逻辑的思维导图是如何构建起来的。这本书的伟大之处在于，它既能满足初级听众的好奇心，也能为有一定基础的乐迷提供深入钻研的工具，它像一座桥梁，连接了纯粹的欣赏与专业的理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的价值在于，它成功地教会了我“主动聆听”。过去听爵士，我常常是跟着旋律走，一旦旋律变得复杂或重复，注意力就容易分散。但作者通过一系列细致的聆听练习和提问，引导我将焦点从“主旋律”转移到“伴奏织体”上去。他鼓励读者去关注鼓手的踩镲是如何保持恒定的脉动，低音提琴是如何在和弦更迭之间提供稳定的支撑，以及钢琴手在即兴间隙是如何用和弦色彩来“润饰”整个声场的。这种对细微差别的捕捉，极大地提升了我的听觉体验。现在，即使是同一首曲子，我能听到的层次感也比以前丰富了好几倍。书里提到，爵士乐的魅力在于其“不断展开的对话性”，而这本书就是教你如何参与到这场对话中去，识别出对话的参与者、争论的焦点以及最终的和解。这是一种需要练习的技能，而这本书提供了最清晰的训练手册。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书后，我发现自己对爵士乐的“不完美”也充满了敬意。作者在书中坦诚地谈论了即兴中的失误、现场演出的瑕疵，以及录音技术限制对某些流派的影响，这使得整本书的论述显得格外真实可信，毫无矫饰之气。他并没有试图将爵士乐塑造成一个完美无瑕的艺术圣杯，而是将其描绘成一种充满生命力和时代烙印的、不断自我修正的有机体。尤其是关于融合爵士（Fusion）部分的处理，作者没有简单地批判其商业化倾向，而是深入分析了它如何吸纳摇滚和放克的能量，拓展了爵士乐的表达疆界。这种开放和包容的态度，让我对探索爵士乐更广阔的谱系充满了信心。这本书不是一个终点，而是一个强有力的起点，它给了我足够的知识框架和鉴赏工具，让我有信心去面对那些更具挑战性的、更偏门的爵士乐分支，去发现那些隐藏在主流之外的珍宝。它真正实现了它的承诺：让你不再只是“听”，而是开始“理解”并“享受”爵士乐的精髓。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上关于音乐的书籍很多，但大多要么流于肤浅的“入门指南”，要么就是晦涩难懂的“学术专著”。而这本《如何听爵士》则找到了一个近乎完美的平衡点。它的文字风格极其流畅且富有画面感，读起来几乎不需要查阅任何背景资料，就能跟上作者的思路。我特别欣赏作者在介绍不同时期流派时所采用的“情境化”描述。比如，他描述比波普的诞生不是孤立的音乐事件，而是特定时代下，年轻音乐家们对既定规则的反叛和对个体表达的渴望的集中爆发。这种叙事方式让我对爵士乐的理解不再停留在音符层面，而是触及到了它作为一种文化现象的内核。书中的排版和插图也值得称赞，那些精选的专辑封面和乐器特写，都在无声地强化着文字所营造的氛围。读完这本书，我感觉自己不再是一个被动的接受者，而更像是一个受邀的观察者，被允许进入到音乐家们的思想世界中去旁观他们是如何在瞬息万变的音乐流中抓住永恒的瞬间。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是打开了新世界的大门！我一直对爵士乐抱有敬畏之心，觉得它深不可测，充满了即兴和晦涩的理论。买下这本书的时候，其实心里是忐忑的，生怕它又是一本堆砌着乐理术语和历史年表的“高冷”读物。然而，作者的叙事方式极其亲切自然，仿佛不是在写一本音乐指南，而是在和你分享一位老友的私房听歌笔记。他没有急着去拆解复杂的和弦进行，而是先带你进入那个氛围——昏暗的灯光下，萨克斯风手眯着眼吹出第一声颤音时，你内心的触动是什么。书里大量的篇幅用来描绘不同乐器在乐队中的角色转换，比如小号手如何用音色讲故事，贝斯手如何构建起整个节奏的骨架。我尤其喜欢他用非常生活化的比喻来解释“摇摆感”（Swing），而不是直接抛出数学公式。读完第一部分，我立刻去重听了Miles Davis的《Kind of Blue》，突然间，那些原本只是“好听”的旋律，开始有了清晰的脉络和情感流向。这不再是背景噪音，而是有生命的对话。它成功地消除了我与爵士乐之间的心理距离，让我敢于更深入地聆听和感受。