声乐集体课教程张蓉西南师范大学出版社9787562168515 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张蓉 著

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• 9787562168515

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出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562168515

商品编码：29684797297

页数：445

图书基本信息
书名：	声乐集体课教程
丛书名：	21世纪音乐教育丛书
作者/主编：	张蓉
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562168515
出版年份：	2014年8月

版次：	第1 版
总页数：	445页
开本：	16
图书定价：	49元
实际重量：	0.789kg
新旧程度：	正版全新

序
上篇
单元
章 歌唱的基本知识
节人体乐器的结构
一、呼吸器官概况
二、发声器官概况
三、共鸣器官概况
四、咬字吐字器官概况
第二节人体乐器的功能
一、三种呼吸类型
二、面罩共鸣与喉头的状态
三、歌唱语言的准确性与特殊性
第三节声部分类与特征
一、声部分类
二、嗓音特征与声区结构
第二章 歌曲欣赏与演唱实践
节歌曲欣赏
一、蓝花花
二、复仇的火焰——选自歌剧《魔笛》
三、我亲爱的爸爸——选自歌剧《贾尼斯基基》
四、黑夜轻韵——选自音乐剧《歌剧魅影》
第二节合唱与重唱
一、纺织姑娘
二、红蜻蜓
三、海港之夜
第三节独唱
一、沂蒙山小调
二、天山行
三、燕子
四、阿玛丽莉
五、我亲爱的
第二单元二
章 歌唱的发声及嗓音
节树立歌唱发声的正确概
一、整体与局部的关系
二、紧张与放松的关系
三、的歌唱习惯及解决方法
四、建立良好的发声状态
第二节嗓音
一、嗓音的基本知识
二、青少年变声期嗓音的保护知
第二章 歌曲欣赏与演唱实践
节歌曲欣赏
一、练声曲
二、我的太阳
三、青花瓷
四、谁说女子不如男——选自豫剧《花木兰》
五、爱情像一只自由的鸟
第二节合唱与重唱
一、红河谷
二、春之舞
三、相逢在海边
第三节独唱
一、绒花
二、嘎哦丽泰
三、我心里不再感到青春火焰燃烧
四、美丽的梦神
五、虽然你冷酷无情
第三单元
章 歌唱及练声的方法
第二章 歌曲欣赏与演唱实践
……
下篇
单元
章 教学实践理论指导
第二章 歌曲欣赏与演唱实践
第二单元
章 教学实践理论指导
第二章 歌曲欣赏与演唱实践
第三单元
章 艺术实践指导(一)
第二章 歌曲欣赏与演唱实践
第四单元
章 艺术实践指导(二)
第二章 歌曲欣赏与演唱实践
附：声乐常识辑录
主要参考文献
后记

《声乐集体课教程》编者张蓉从一开始就将使用对象确定为区别于音乐表演的音乐教育本科一年级普修生，继而在理论学习部分，首先讲授“歌唱的基本知识”“歌唱的发声”及“嗓音”，通过形象的比喻、生动的描绘和直观的图示，加上辅以大量的教学实例，将“人体乐器结构和功能”“歌唱发声的正确概念”“嗓音基本知识”“青少年变声期嗓音的保护知识”等基本声乐理论常识娓娓道来。这样的内容编排方式，使学生在学习之初就能够接受到完整、正确、科学的观念，为下一步更加技术化的声乐学习奠定基础。

好的，以下是一本与您提供的书目《声乐集体课教程 张蓉 西南师范大学出版社 9787562168515》内容不相关的图书简介。 --- 《和声学基础与应用教程：西方音乐理论进阶指南》 作者： 李文华 出版社： 音乐学苑出版社 出版日期： 2022年春季 ISBN： 9787505892130 内容提要 本书是为音乐专业本科生、研究生以及有志于深入学习西方音乐理论的自学者精心编写的一部系统性教材。它不仅仅停留在枯燥的规则讲解层面，更注重将和声学理论与实际的音乐创作、分析和演奏紧密结合，旨在培养读者严谨的逻辑思维能力和敏锐的音乐感受力。全书结构清晰，内容由浅入深，循序渐进地引导读者掌握从基础概念到复杂写作技巧的全过程。 第一部分：和声学的基石（根音与和弦的构建） 第一章：音高、音级与调性系统 本章首先回顾了西方十二平均律的基础知识，重点阐述了调性概念在巴洛克至浪漫主义音乐中的核心地位。详细介绍了大调与小调的音级结构、调性中心的确立与功能。特别辟出小节，探讨了调式（如自然音阶、和声小调、旋律小调）在不同历史时期和民族音乐中的应用差异。强调了听觉训练在识别音级关系中的重要性。 第二章：三和弦的类型与功能 这是和声学学习的第一个关键模块。我们系统地分析了构成三和弦的三个要素——根音、三音、五音，并详细区分了大小三和弦、增三和弦及减三和弦的音响特征。着重讲解了原位和转位（第一、第二转位）的记谱法、演唱法和在乐句中的色彩作用。对于和弦的“功能”划分（主功能T、属功能D、下属功能S）进行了详尽的论述，这是理解和声进行逻辑的基础。 第三章：七和弦的扩展与色彩 本章将和声的色彩推向了更广阔的空间。详细介绍了属七和弦的结构、解决方式及其在终止式中的决定性作用。继而深入探讨了其他常见七和弦，如大小七和弦、半减七和弦、减七和弦的性质和用法。特别是对减七和弦的等值转换与模态应用，提供了大量的实例分析，以期帮助读者理解其在戏剧性表达中的强大潜力。 第二部分：和声的逻辑与进行（连接与规范） 第四章：和弦的连接原则与导向 和声的生命力在于连接。本章系统归纳了和弦连接的四大基本规则：平行五八度的规避、声部进行的速度与方向、低音声部的独立性以及和弦功能转换的合理性。通过大量古典主义时期范例，阐明了“强进行”与“弱进行”的差异，确保和声进行不仅符合规则，更具有音乐的内在逻辑性。 第五章：终止式与乐段的构建 终止式是音乐语言中的“标点符号”。本章详细解析了完全终止、不完全终止、伪终止以及对位终止（或称欺骗终止）的结构与听觉效果。同时，我们将终止式置于更宏大的结构中，探讨了如何运用不同的终止式来划分乐句、形成乐段的完整性，并讨论了在奏鸣曲式等大型结构中，终止式在呈示部、再现部和尾声中的变化。 第六章：调性转换与转调技巧 转调是增加音乐丰富性的重要手段。本章分为两大板块：一是基于共同和弦的转调，如关系大小调、同主音大小调之间的转调；二是基于半音进行或副属和弦的远关系转调。每一种转调方式都配有清晰的图示和古典作品的实例，帮助学习者掌握从一个调性自然过渡到另一个调性的“桥梁”构建方法。 第三部分：和声的深化与拓展（色彩与非功能性） 第七章：副属和弦与和声的色彩化 副属和弦是打破传统功能和声的初步尝试，极大地丰富了和声色彩。本章详细分析了属和弦的九级、十一级、十三级和弦的应用，以及各种九和弦在不同声部的处理方式。着重讲解了各种衍生的副属和弦（如V/V, V/IV等）的连接规律，它们如何在保持调性统一性的前提下，增添色彩的流动性。 第八章：变化和弦与离调 本章探索了在既定调性中引入“外来”和弦的技术。重点讨论了经过和弦、更换属和弦、以及拿波里六和弦等常见变化和弦的构造和功能。这些和弦的引入，往往能在瞬间改变音乐的情绪基调，是浪漫主义作曲家热衷使用的技法。 第九章：不协和音的引入与解决 不协和音是现代和声的先声。本章深入研究了各种经过音、倚音、持续音、预先音等非和弦音的写作规范。特别强调了挂留和弦的结构、解决路径以及它们在表达紧张与释放中的作用。通过对巴赫对位作品中不协和音处理的分析，为读者打下坚实的“解决”观念基础。 第四部分：实践与分析（理论的实践应用） 第十章：四部和声的写作练习 本章提供了大量的写作范例与练习题，涵盖了从基础的三和弦连接到复杂的转调练习。严格遵循教会和声及古典和声的规范，强调声部进行的美观与逻辑性。练习题难度梯度设置合理，旨在通过动手实践巩固理论知识。 第十一章：分析方法与风格辨识 理论学习的最终目的是理解音乐。本章介绍了如何运用和声学知识来分析不同历史时期（巴洛克、古典、浪漫）的作品片段。重点讲解了“和声功能分析法”和“和弦序列分析法”，通过对莫扎特、贝多芬、肖邦等大师作品的实例剖析，使读者能够“读懂”和声背后的情感表达与结构意图。 适合人群 音乐学院本科及研究生（主修作曲、音乐学、音乐教育方向）。 业余音乐爱好者、键盘乐器演奏者，希望深入理解音乐作品的内在结构。 合唱指挥、乐队配器师，需要掌握严谨的和声基础。 本书特色 1. 理论与实践并重： 每章均包含大量理论阐述、图示分析和配套练习，确保学有所用。 2. 注重听觉训练： 强调“听觉即是检验真理的唯一标准”，鼓励读者在弹奏中体会和弦色彩的变化。 3. 结构严谨清晰： 遵循西方和声学发展的逻辑脉络，从单音到多音，从基础到进阶，为读者构建起完整的知识体系。 4. 丰富的实例分析： 选取了大量具有代表性的古典、浪漫主义时期的乐曲片段进行细致拆解，确保理论根植于优秀的音乐实践之中。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是音乐学习者的救星！我一直为找不到系统性、且又贴合实际教学的声乐教材而苦恼，市面上那些书要么过于理论化，让初学者望而却步，要么就是只侧重于某一特定风格的演唱技巧，缺乏全面的指导。直到我接触到这本书，才真正体会到什么是“知行合一”。它不仅仅罗列了大量的练习曲和范例，更重要的是，它将复杂的声乐科学原理用非常易于理解的方式呈现出来。比如，在呼吸控制这一章，作者没有停留在空泛地谈论“深呼吸”，而是细致地讲解了横膈膜的运动轨迹、腹腔的支撑以及气息的稳定释放，甚至还配有详细的图解说明。我按照书中的建议调整了自己的呼吸模式后，明显感觉到声音的穿透力和持久性有了质的飞跃。更让我惊喜的是，它对集体课的组织和管理也有独到的见解。在多人合唱或小组练习时，如何确保每个人的发声位置统一、音准协调一致，这本书给出了非常实用的操作流程和反馈机制，这对于声乐教师来说，简直是无价之宝。这绝对不是一本可以束之高阁的理论书籍，而是能实实在在地指导日常教学和个人练习的实战指南。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最初对这本书抱持着一种谨慎的态度，毕竟市场上的同类产品太多了。然而，深入阅读之后，我发现它在“艺术性与科学性的融合”方面达到了一个极高的平衡点。许多侧重科学的教材，读起来枯燥乏味，让人感觉声乐不过是一堆肌肉和空气的机械运动；而许多侧重艺术的教材，又往往陷入玄妙的形容词堆砌，缺乏可执行的指导。这本书巧妙地跨越了鸿沟。它能用严谨的声学名词来解释为什么某个发声位置听起来更“明亮”，也能在讲解完气息的物理原理后，立刻连接到如何用这种气息去塑造歌剧选段中人物的内心挣扎。我发现自己不仅仅是在学习“如何唱得好听”，更是在理解“为什么要这样唱”的深层原因。它将声乐学习从单纯的技能训练提升到了艺术修养的层面，让学生在掌握技术的同时，也培养了对音乐文本的批判性解读能力。这是一本真正能让学习者从“模仿者”成长为“思考者”的宝贵资源。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑简直是教科书级别的典范，每一章的递进都像攀登一座精心设计的阶梯，让你在不知不觉中就掌握了更高阶的知识。我尤其欣赏作者在处理不同声部和音域过渡时的细腻处理。很多教材在处理换声区（Passaggio）时往往采取“避重就轻”的态度，或者给出的方法过于机械化，导致学生在特定音区会突然出现“卡顿”或音色断裂的问题。而这本书则采取了循序渐进的“小跨度、高密度”练习法，通过一系列精心设计的半元音和元音转换练习，帮助学生平滑地度过这些难点。我发现，即便是那些自诩经验丰富的演唱者，在对照书中的练习进行调整后，都能发现自己声带协调性的盲区。而且，这本书对不同音乐时期（巴洛克、古典、浪漫主义乃至近现代）的作品演唱风格差异也做了深入探讨，它没有武断地规定“标准唱法”，而是引导读者去理解不同时代对音色、装饰音处理和情感表达的不同要求。阅读这些章节时，我感觉自己不再是一个单纯的“发声机器”，而是真正开始理解音乐的“语境”了。

评分☆☆☆☆☆

作为一个多年从事基础音乐教育的教师，我深知教材的“可操作性”比“学术性”更重要。很多大学出版社的书籍内容是扎实的，但印刷和排版常常让人感到压抑，仿佛在阅读一份古老的学术论文。然而，这本教材在视觉设计上做得非常出色，它有效地平衡了专业性和易读性。字体选择清晰有力，重点内容和术语都被妥善地用粗体或斜体标注出来，即便是那些需要反复研读的技术细节，也不会让人感到视觉疲劳。更重要的是，配图的质量非常高，尤其是在讲解发声器官的动态结构图示上，线条流畅，解剖学特征准确，这对于理解“看不见的”声带振动和气流控制至关重要。我甚至会把这本书带到录音室里，和声乐指导一起讨论某个练习的实施效果，这种直观的视觉辅助，大大提高了沟通效率。在快节奏的课堂环境中，一本好的教材必须是能让人“一眼就明白”的，这本书在这方面做得近乎完美，让人愿意反复翻阅和使用。

评分☆☆☆☆☆

这本书最打动我的地方，在于它对“声音的个性化发展”所持有的开放态度。在声乐教学的圈子里，总有一种倾向，即追求一种“理想的”、“完美的”统一音色，这往往扼杀了学生独特的声音特质。这本书虽然强调了基础的统一规范，但它在高级阶段的论述中，非常强调如何“适配”技术于个人天赋。例如，它讨论了如何根据不同人天生的共鸣腔体差异来调整元音的形状，而不是生硬地要求所有人发出完全相同的“A”音。书中提供了大量的“假设情景分析”——如果你的头腔共鸣偏弱，应该如何通过面罩的调整来弥补；如果你的低音区支撑不足，应该如何借助身体的姿态进行辅助性强化。这些分析不是简单的“告诉答案”，而是教会我们“解决问题的方法论”。这让我在指导学生时，能够更加灵活，也让那些在传统教学体系中感到受挫的学生找到了突破口，他们不再是“不合格”的，而是“需要差异化训练”的。这是一种非常尊重个体差异的教育哲学。