俄罗斯作曲家与20世纪阿兰诺夫斯基音乐学院出版社9787810960861 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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阿兰诺夫斯基，张洪模 著

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出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810960861

商品编码：29684797739

页数：400

图书基本信息
书名：	俄罗斯作曲家与20世纪
丛书名：
作者/主编：	阿兰诺夫斯基，张洪模
出版社：	音乐学院出版社
ISBN号：	9787810960861
出版年份：	2005年2月

版次：	第1版
总页数：	400页
开本：	16
图书定价：	29元
实际重量：	540kg
新旧程度：	正版全新

20世纪艺术文化史中的俄罗斯音乐艺术（序）
俄罗斯与西方音乐文化的相互关系
穆索尔斯基：走上通往20世纪的道路
拉赫玛尼诺夫浪漫主义世界观的强大生命力
斯克里亚宾的宇宙
斯特拉文斯基的世界
普罗科菲耶夫艺术思想的多彩性
肖斯塔科维奇的音乐“反乌托邦”
交响乐与时间
俄罗斯的战后先锋乐派

　　俄罗斯音乐跻身于20世纪艺术文化先列和它完成的业绩再一次证明艺术长河的过程的“客观性”，它的规律不以人的意志为转移，人只是服从它，而不是自己创造它。从事创作的人的作用这时不是缩小了，甚至是了，但作用的方式不同，宗旨地不一样；他要找出艺术的语言向他提出的课题的解决方法，这，当然是和作为精神的庇护所的艺术面前产生的问题结合在一起的。不论是20世纪上半叶还是下半叶的俄罗斯作曲家都善于解决时代交替在音乐艺术面前提出的许多问题，这就保证了在20世纪文化史中的地位。

乐坛回响：二十世纪全球音乐图景与审美流变 一卷跨越世纪的宏大叙事，一次对现代音乐精神的深度探寻。 本书并非专注于某一特定地域或个别音乐家的传记，而是一部立足于二十世纪这一风云变幻时代背景下，对全球范围内音乐思潮、技术革新与社会文化影响进行宏观梳理与细致剖析的综合性研究。我们试图描摹出二十世纪音乐艺术如何挣脱古典主义的藩篱，在两次世界大战的阴影、科技飞速发展的浪潮以及现代主义哲学的冲击下，完成一次彻底的自我颠覆与重塑。 第一部分：现代主义的萌芽与古典主义的黄昏（1900-1930） 二十世纪的钟声敲响，音乐世界已然躁动不安。本部分将从德彪西和拉威尔所代表的印象主义向后审视，探讨其如何瓦解了瓦格纳建立的宏大叙事模式，转而追求色彩、氛围与瞬间感受。 紧接着，我们将深入剖析以勋伯格为核心的第二维也纳乐派所引发的革命性变革。十二音体系的建立，并非一蹴而就的理论构建，而是作曲家对传统调性系统丧失信任感的必然反应。我们详尽分析了《月光小丑》等作品中非调性音乐的早期实践，考察了其背后的哲学基础——舍恩堡如何试图用数学的严谨性来对抗感性的无序。同时，我们也对比了巴托克在东欧民间音乐的田野调查中，如何通过对原始节奏和旋律的提炼，构建出一条与德国传统截然不同的现代主义之路。斯特拉文斯基的《春之祭》无疑是那个时代最强烈的宣言，我们不仅重温了其首演的“暴动”，更分析了其对原始主义（Primitivism）的运用——通过多调性、复杂的节奏切分和对传统和声语言的粗暴拆解，实现对“崇高”概念的彻底解构。 第二部分：两次大战间的冲突与多元探索（1930-1950） 这一时期的音乐创作，深深烙印着政治动荡与意识形态的对抗。一方面，法西斯主义和苏联的“社会主义现实主义”对音乐进行了严苛的审查，要求作品必须“易于理解”和“积极向上”。我们详细对比了肖斯塔科维奇在斯大林高压统治下，如何在作品中运用“双重语意”（Double Entendre）——表面上的颂歌与潜藏的悲剧性反讽，展示了艺术家在极端环境下对内心真实声音的坚守与妥协。 另一方面，西方世界则在探索更具结构性和逻辑性的表达方式。新古典主义（Neoclassicism）的复苏，并非简单的复古，而是借用巴洛克和古典时期的清晰结构和对位技巧，来对抗浪漫主义过度的情感抒发。普罗科菲耶夫在这一方面的实践，体现了一种技术上的精湛与讽刺的冷峻。 此外，对“噪音”和非传统音色的探索也悄然兴起。电子技术开始进入音乐领域，虽然尚未成熟，但爱德格·瓦雷泽等先驱者已经预见到声音的无限可能性。 第三部分：战后激进主义与技术的爆炸（1950-1970） 二战的结束带来了对旧有秩序的彻底反思，音乐界迎来了历史上最激进的变革期。我们重点讨论了“序列主义”（Total Serialism）的兴起。布列瑟斯、凯奇等人试图将所有音乐元素（音高、时值、力度、音色）都纳入统一的序列控制之下，以期实现比十二音体系更彻底的客观化。 然而，序列主义的逻辑尽头，催生了其对立面——不确定性音乐（Aleatoric Music）。约翰·凯奇的《4分33秒》是这一思潮的顶峰，它将焦点从作曲家手中转移到听众和环境本身。本书细致分析了不确定性原则在乐谱上的体现：从骰子的使用到允许演奏者自由选择演奏段落，这彻底颠覆了音乐的“作品”概念，将其转化为一种“事件”或“过程”。 同步进行的，是电子音乐的真正崛起。科隆和巴黎的电子音乐工作室成为了实验的温床。我们区分了磁带音乐（Musique Concrète，以皮埃尔·舍费尔为代表，直接使用录制声音进行剪辑）与纯电子音乐（使用振荡器生成声音）之间的技术和美学差异，探讨了它们如何拓展了声音的疆域，将环境声、工业噪音纳入艺术殿堂。 第四部分：后现代的回响与全球化视野（1970-2000） 进入后半叶，音乐创作开始从战后激进主义的“精英化”倾向中抽离，寻求更广阔的对话空间。极简主义（Minimalism）以其极端的重复结构和慢速演变，为听众提供了一种不同于前卫音乐的、近乎冥想式的体验。赖利、史蒂夫·赖克和菲利普·格拉斯的作品，展示了如何通过简单的材料，在时间维度上构建出复杂的听觉幻觉。 与此同时，对“声音本身”的关注催生了“纯音音乐”（Spectralism）。以格里塞和拉蒙为代表的法国作曲家，开始利用频谱分析技术，将自然界声音的物理特性——泛音结构——直接转化为创作的蓝图，模糊了声学物理学与音乐创作的界限。 最后，本书将目光投向全球化对音乐的影响。二十世纪末期，传统地域界限的消融使得世界音乐（World Music）的概念开始被严肃讨论。作曲家们不再仅仅是“引用”异域音乐，而是真正学习和融合非西方传统，探索一种后殖民语境下的跨文化音乐语言。 本书力图全面、客观地梳理二十世纪这一百年间的音乐脉动，探究那些塑造了我们今日听觉经验的复杂力量。它是一本为音乐研究者、演奏家以及所有对现代艺术精神充满好奇的读者准备的详尽地图。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排极其巧妙，它并没有采取完全线性的时间轴叙事，而是通过几个关键的“音乐事件”或“学院派别”作为锚点，进行了多维度的交叉解读。这种非线性的组织方式，极大地增强了阅读的趣味性，避免了传统音乐史阅读中常见的枯燥感。比如，某一章节专门探讨了特定乐器在那个十年间的技术革新如何反作用于作曲家的创作倾向，这完全超出了我对一般音乐史书籍的预期。它成功地将音乐理论、社会历史、个人传记以及技术发展编织成一张密不透通风的网，让人在阅读过程中不断产生“原来如此”的顿悟时刻。对于想要全面理解一个特定历史时期音乐生态的读者来说，这种多层次的解读视角简直是打开了一扇全新的窗户，非常值得深入研究。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余音乐爱好者，我原本担心书中会充斥过多晦涩难懂的术语和复杂的乐理分析，阅读门槛过高。然而，这本书在这方面做得非常出色，体现了极高的可及性。作者在引入专业概念时，总能配以非常形象的比喻，或者将其置于一个具体的历史场景中去解释其意义，使得即便是初次接触这些概念的读者也能大致把握其精髓。例如，对某种复杂的和声结构的描述，被比喻成建筑中的“飞扶壁”，一下子就让人抓住了那种结构支撑的本质感。这种“高屋建瓴而不失温度”的写作风格，极大地拓宽了这类严肃音乐著作的潜在读者群。它既能满足专业人士对精确性的要求，也足够友好地引导那些渴望学习的门外汉，实属难得。

评分☆☆☆☆☆

这本书所呈现出的那种宏大叙事下的细节捕捉能力，令人叹为观止。它不仅仅停留在对著名作品的分析上，更深入挖掘了那些在历史洪流中常常被忽略的边缘人物——那些在幕后默默奉献的乐谱整理者、被遗忘的早期演奏家，甚至是那些推动跨国文化交流的艺术赞助人。通过对这些“小人物”的侧写，作者成功地还原了那个特定时期音乐生态系统的复杂性和活力。我读到其中关于某个小剧团如何在政治高压下，艰难地保留了某个实验性剧目的珍贵记录时，深感震撼。这种将大历史与微观个体命运紧密结合的叙事手法，使得整本书读起来充满了人性光辉，让人在敬佩那些伟大艺术家的同时，也对那个时代的所有参与者保持了一份敬意，极大地丰富了我对那个时代艺术图景的理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，那种沉甸甸的质感，初次翻阅时仿佛就能感受到纸张上凝聚的厚重历史感。封面那种深邃的蓝与金色烫印的字体搭配，透露出一种既古典又现代的平衡美学，让人忍不住想要探究其中究竟蕴藏着怎样精彩的音乐故事。内页的纸张选择也十分考究，文字排版疏朗有致，即便面对长篇的理论分析或人物传记，阅读体验也相当舒适，不像有些学术著作那样让人望而却步。特别是那些罕见的配图和历史文献照片，清晰度极高，为理解那个特定时代和音乐流派提供了至关重要的视觉线索。光是这份精美的外在，就足以让它在我的书架上占据一个显眼的位置，即便只是偶尔翻阅，也是一种享受。它不仅仅是一本书，更像是一件值得收藏的艺术品，体现了出版方在图书制作上的匠心独运，这点对于追求阅读质感的读者来说，无疑是巨大的加分项。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏这本书在叙事手法上的细腻与克制。作者在描绘那些俄国音乐巨匠的创作心路历程时，没有采用那种煽情或过度戏剧化的笔法，而是选择了一种近乎冷静的、史学家的视角进行深入剖析。这种克制反而使得那些深刻的思想火花和艺术抉择被凸显出来，让读者能够更专注于音乐本身而不是被情绪裹挟。比如，在讨论某个作曲家如何从民族主义的桎梏中挣脱，转向更具实验性的十二音体系时，作者通过引用大量未曾公开的信件和手稿片段，构建了一个无比真实且有说服力的逻辑链条。这种基于一手资料的扎实论证，使得全书的学术价值极高，即便对于音乐理论有一定基础的读者，也能从中汲取到新的、经过时间沉淀的见解。它提供给读者的，是一种知识的深度而非仅仅是故事的广度。