声乐演唱艺术理论与舞台表演实践探索张春博郑德芳中国纺织出版社9787518028962 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张春博，郑德芳 编

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• 声乐
• 演唱艺术
• 舞台表演
• 音乐理论
• 声乐教学
• 表演实践
• 张春博
• 郑德芳
• 中国纺织出版社
• 高等教育

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 中国纺织出版社

ISBN：9787518028962

商品编码：29684804972

页数：258

图书基本信息
书名：	声乐演唱艺术理论与舞台表演实践探索
丛书名：
作者/主编：	张春博, 郑德芳
出版社：	中国纺织出版社
ISBN号：	9787518028962
出版年份：	2018年2月

版次：	第1 版
总页数：	258页
开本：	16
图书定价：	75.5元
实际重量：	0.54kg
新旧程度：	正版全新

张春博，女，汉族，吉林省吉林市人，硕士研究生，毕业于吉林艺术学院。现任北华大学音乐学院教师、声乐教研室副主任、声乐研究所副所长，吉林省青年音乐家协会会员，吉林市音乐家协会会员、声乐学会副秘书长。先后赴音乐学院、上海音乐学院等进修学习，曾在《音乐创作》、《作家》、《芒种》等核心期刊发表论文10余篇，主持、参与省市科研课题10余项，指导学生多次在“珠江杯”、“孔雀杯”等赛事获奖。

郑德芳，女，广州大学音乐舞蹈学院音乐系声乐副教授，艺术硕士音乐教育协会中国分会会员，广东省音乐家协会会员。任教以来，参与多项重量、省市级科研项目研究，并发表论文十余篇。曾在全国教师论文评选中获二等奖。2008年指导学生参加广东省第二届民间歌会比赛获金奖。2009年指导学生参加第六届《德艺双馨》中国文艺展示活动中，一名学生获金奖，多名学生获得银奖，教师获广东省很好指导老师奖。2010年9月代表广州大学参加“广州市第二届教师艺术节比赛”获一等奖。2015年指导学生参加第九届广东省大中专学生校园文体艺术节声乐比赛中获三等奖。2016年一月指导学生在“唱响青春中国梦”第二届全国高校“校园好声音”大赛广东省选拔赛中获亚军。

章 声乐演唱艺术概述
节 声乐演唱艺术的起源与发展
第二节 声乐演唱艺术的功能与特点
第三节 声乐演唱艺术的声区划分
第四节 声乐演唱艺术的歌唱卫生与嗓音
第二章 声乐演唱的艺术体裁
节 艺术歌曲
第二节 民歌
第三节 大型声乐作品
第四节 创作歌曲
第五节 歌剧
第六节 音乐剧
第三章 声乐演唱的艺术风格
节 美声唱法
第二节 民族唱法
第三节 戏曲与曲艺唱法
第四节 流行唱法
第五节 原生态唱法
第四章 声乐演唱艺术的生理机能
节 声乐演唱艺术的发声
第二节 声乐演唱艺术的呼吸
第三节 声乐演唱艺术的共鸣
第五章 声乐演唱艺术中汉语的把握
节 汉语语音基础常识
第二节 归韵与收声
第三节 声乐表演中语调的处理
第六章 声乐演唱中外语的把握
节 法语
第二节 意大利语
第三节 德语
第七章 声乐演唱中作品的分析与把控
节 作品背景分析
第二节 作品中的音乐要素分析
第八章 声乐舞台表演实践
节 舞台的构成与台风
第二节 舞台表演中的形体与面部表情
第三节 舞台表演中的选曲与伴奏选择
第四节 舞台表演的排练步骤
参考文献

《声乐演唱艺术理论与舞台表演实践探索》名为《声乐演唱艺术理论与舞台表演实践探索》，在对声乐演唱艺术理论进行剖析的同时结合舞台表演进行分析，声乐演唱艺术理论主要包括：演唱中生理机能的运用（包括发声器官、呼气器官、共鸣器官、咬字吐字器官等）、声乐演唱技能的训练、声乐演唱中的语言处理等；舞台表演实践主要包括：舞台表演的基本功与心理调控、舞台表演中作品的选择、排练以及舞台表演的艺术处理等。

《西方音乐史纲：从古至今的演进与流变》 内容简介： 本书旨在为读者构建一幅清晰、宏大且细节丰富的西方音乐发展全景图。它不仅梳理了自古代文明萌芽至二十世纪末乃至新世纪的音乐思潮与风格变迁，更深入剖析了技术革新、社会环境、哲学思想与音乐创作之间错综复杂的互动关系。全书结构严谨，内容翔实，力求在兼顾学术深度与可读性的前提下，为音乐爱好者、专业学生及研究者提供一座坚实的知识桥梁。 第一部分：音乐的起源与中世纪的奠基（公元500年以前至1400年） 本部分着眼于西方音乐哲学的源头，探讨古希腊的音律学（如毕达哥拉斯体系）如何奠定了西方音乐的理论基础，以及罗马帝国衰落后，音乐如何被纳入教会体系。重点剖析了中世纪早期格里高利圣咏的形成、记谱法的漫长演进（从纽姆谱到定点的出现），以及奥尔加农等复调音乐的早期实践。同时，对世俗音乐，如游吟诗人的歌曲和十字军东征时期催生的音乐形式，也进行了详细的考察，描绘出欧洲在“黑暗时代”中音乐生命力的顽强延续。 第二部分：文艺复兴：人文主义的复苏与复调的黄金时代（约1400年至1600年） 文艺复兴是人类精神觉醒的时代，音乐领域也随之迎来一场深刻的变革。本书详细阐述了佛兰德斯乐派如何将复调艺术推向高峰，特别是对位法的精妙运用。我们追溯了模仿技巧的成熟、弥撒曲与经文歌的结构发展，并重点分析了“众赞歌”（Chanson）和“牧歌”（Madrigal）在意大利、法国、英国的地域性风格差异。此外，印刷术的发明对音乐传播的革命性影响，以及对“音乐与文字的和谐”这一美学理念的追求，是本部分的核心议题。 第三部分：巴洛克：激情、戏剧性与“音乐的宏伟风格”（约1600年至1750年） 巴洛克时期是西方音乐史上一个极具创造力的爆发期。本书将着重介绍“数字低音”（Basso Continuo）这一核心技法的确立，以及由此引发的“新音乐”（Seconda Prattica）的诞生。歌剧作为一种全新的戏剧艺术形式，在意大利的起源、发展及其对欧洲宫廷生活的影响被细致描绘。大小调调性体系的最终确立，对位法的巅峰——巴赫的对位技巧，以及协奏曲、奏鸣曲、组曲等器乐体裁的规范化过程，构成了本部分的骨干。亨德尔的清唱剧和维瓦尔第的协奏曲是理解巴洛克盛期的关键范例。 第四部分：古典主义：秩序、平衡与清晰的结构（约1750年至1820年） 在启蒙运动理性精神的驱动下，音乐追求结构清晰、形式完美和情感的适度表达。本部分深入探讨了奏鸣曲式作为器乐组织原则的确立及其在交响曲、奏鸣曲和室内乐中的广泛应用。维也纳古典乐派（海顿、莫扎特、贝多芬早期）如何通过对管弦乐队的精炼、对旋律线的雕琢，将音乐形式推向典范。我们还将分析歌剧从传统的正歌剧向更具人性深度的“改革歌剧”（如莫扎特的《费加罗的婚礼》）演变的过程，以及早期浪漫主义的萌芽迹象。 第五部分：浪漫主义：主观情感的抒发与民族精神的觉醒（约1820年至1900年） 浪漫主义是对古典主义理性原则的一种强烈回应，核心在于个体情感、想象力、超自然主题的凸显。本书详细考察了“抒情曲”（Lied）在舒伯特、舒曼手中的兴盛，钢琴技巧的空前发展（肖邦、李斯特），以及交响诗这一打破传统体裁束缚的新形式的出现。同时，民族乐派（如俄国五人组、德沃夏克）如何将本民族的民间音乐元素融入古典形式，是理解十九世纪音乐多样性的关键。瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理论及其对和声语言的激进拓展，也占据了重要篇幅。 第六部分：二十世纪：风格的碎片化与实验的时代（1900年至今） 二十世纪是音乐史上最为动荡和多元的时期。本书分阶段梳理了从德彪西、拉威尔所代表的印象主义对传统音响的消解，到斯特拉文斯基和勋伯格对音乐语言的彻底颠覆。我们将重点解析无调性（Atonality）的产生，十二音体系（Dodecaphony）的建立及其对后世的影响。序列音乐、偶然音乐（Aleatoric Music）、电子音乐的兴起，以及极简主义（Minimalism）对节奏和音色的回归，都被系统地呈现。最后，本书触及了战后音乐的全球化趋势，探讨当代音乐家如何在技术爆炸的背景下，重新审视传统、探索新的听觉疆界。 本书特色： 脉络清晰的年代划分与风格剖析： 确保读者能够准确把握不同历史阶段的核心特征。 技术与美学相结合： 不仅描述“发生了什么”，更深入分析“为什么会发生”以及其背后的哲学逻辑。 关键人物与作品的精选： 通过对核心作曲家及其代表作的深入剖析，让抽象的历史变得生动具体。 注重史料的严谨性： 基于可靠的西方音乐学研究成果，为专业学习提供坚实基础。

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评论二： 作为一名对音乐史略有涉猎的业余爱好者，我更关注的是这本书在展现声乐艺术发展脉络上的深度和广度。从书名来看，它似乎想涵盖从基础理论到舞台实践的整个生态系统，这可是一个宏大的工程。我希望作者能提供一些独特的视角，不仅仅是重复教科书上的经典理论，而是能融入一些时代性的思考，比如数字媒体时代对传统声乐表演的影响，或者不同文化背景下的演唱风格差异。如果能引用一些最新的研究成果或者鲜为人知的案例分析，那这本书的学术价值和可读性都会大大提升。我观察到出版方是中国纺织出版社，这有点出乎意料，通常这类专业书籍会出现在高等教育出版社，不知道这是否意味着作者在内容上会更侧重于艺术的“应用性”而非纯粹的“学术性”，也许更贴近行业内部的实际需求。

评分☆☆☆☆☆

评论一： 这本书的装帧设计挺有意思的，封面色彩搭配得很有艺术感，虽然我还没深入阅读，但光是翻阅目录和前言，就能感受到作者在专业性上的严谨态度。特别是排版上，字里行间透露出一种对声乐艺术的尊重，那种细致入微的编排，让人觉得作者绝对是下了大功夫的。我注意到它似乎将理论和实践并重，这对于我们这些渴望在舞台上有所突破的学习者来说，无疑是一剂强心针。很多时候，理论知识学得再扎实，一旦面对现场的观众和舞台灯光，就容易手足无措，这本书如果能有效地搭建起这座桥梁，那它的价值就不可估量了。我尤其期待看到它在舞台表现力方面的论述，毕竟，唱歌不仅仅是技术活，更是一种情感的传递和舞台魅力的展现。希望它不是那种空泛的理论说教，而是真正能提供一些可操作的建议和心得。

评分☆☆☆☆☆

评论五： 读完前言的粗略印象是，作者显然是一位拥有丰富舞台经验的教育者，能够平衡学术研究的深度和教学实践的广度。我特别关注那些关于“探索”的部分，这暗示着作者可能在既有理论框架之外，引入了一些个人化的、经过多年打磨的教学心得。例如，在处理高难度技巧时，不同的发声路径是如何影响音色的稳定性和持久性的？在处理情感表达上，如何避免“演”的痕迹，达到真正意义上的“真情实感”？这些都是舞台演唱中极其微妙却又至关重要的环节。如果这本书能够提供一种系统的、可重复检验的训练体系，而不是零散的技巧集合，那么它无疑将成为声乐学习者案头不可或缺的参考书。我希望能从中找到那种“醍醐灌顶”的顿悟时刻，真正提升自己的演唱境界。

评分☆☆☆☆☆

评论三： 最近我对舞台心理学特别感兴趣，一个好的歌手，除了嗓音条件和技巧，心理素质往往是决定成败的关键。这本书的“舞台表演实践探索”这几个字立刻抓住了我的注意力。我猜想，书中是不是会包含一些关于如何克服舞台紧张、如何与乐队或其他表演者建立有效沟通，乃至如何设计舞台形象和肢体语言的深度剖析。如果它只是停留在气息支撑、音准控制这类基础技术层面，那市面上类似的教材实在太多了，很难脱颖而出。真正有价值的探索，应该是那些能够帮助学习者真正“站稳”舞台，将内心世界通过声音和身体完整地投射出去的方法论。我希望作者能提供一些详实的案例，比如某位著名歌唱家是如何克服特定舞台障碍的，那种具体的、可感知的经验分享，远胜过干巴巴的理论阐述。

评分☆☆☆☆☆

评论四： 从排版和印刷质量来看，这本书的制作水平是相当高的，纸张的选择和墨水的质量都给人一种耐读耐用的感觉，这对于经常需要翻阅和做笔记的专业学习者来说非常重要。我个人偏好那些结构清晰、逻辑严密的著作，希望这本书在章节安排上能做到循序渐进，理论的建立要坚实，实践的指导要具体。我很期待看到作者是如何界定“声乐演唱艺术”这个概念的，它包含了歌剧、美声、民族唱法，还是更侧重于某一个细分领域？如果能对不同风格的演唱在技术处理上的细微差别有所阐述，那对于拓展读者的视野会非常有帮助。对于初学者来说，清晰的术语解释和图示辅助是必不可少的，希望这本书在这方面做得足够友好。