钢琴演奏之道新版赵晓生上海音乐出版社正版教材考研大书9787807510635 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵晓生 编

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807510635

商品编码：29684807381

出版时间：2007-07-31

页数：436

图书基本信息
书名：	钢琴演奏之道新版
丛书名：	赵晓生学术著作系列
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787807510635
出版年份：	2007年8月

版次：	第1版
总页数：	436页
开本：	1/18
图书定价：	66.30元
实际重量：	962 g
新旧程度：	正版全新

赵晓生，教授，是一位集作曲、钢琴、音乐理论、音乐教育于一身的大家，曾先后在中国三十余个主要城市、中国香港及美国等地举行近两百场钢琴独奏会和讲座；创作了《希望之神》、《简乐四章》、《太极》、《阴阳三阕》等二十余部作品，其中包括钢琴协奏曲、交响组曲、民乐室内乐、舞剧等多种音乐体裁；创立了“太极作曲”、“音集集合运动”和“音乐活性构造”作曲理论体系，对我国作曲理论的研究及作曲教学有着重大贡献；出版《太极作曲》、《钢琴演奏之道》、《琴诀》、《琴禅》、《传统作曲技法》等多部著作。现在上海音乐学院作曲指挥系教授作曲、钢琴，并任上海音乐学院附属中学校长。

 新版前言 

初版序 
初版自序 
琴道篇 
琴道 
撷取音乐王冠上的明珠 
钢琴家的素质 
条件·才能·勤奋·捷径 
钢琴匠·钢琴家·钢琴演奏大师 
琴法篇 
琴法 
指 
腕 
臂 
身 
耳 
心 
气 
神 
化 
基础训练 
节奏训练 
复调训练 
技术进阶之径 
琴艺篇 
琴艺 
读谱 
练习 
记忆 
难点 
背景 
贯气 
准备 
上台 
反思 
琴人合一之境 
琴韵篇 
琴韵 
巴洛克风格（1600～1750） 
维也纳古典主义风格（1750～1820） 
浪漫主义风格（1820～1900） 
印象主义风格 
20世纪钢琴音乐（1900～2000） 
中国钢琴音乐 
改编曲的演奏 
协奏曲、室内乐、联弹曲的演奏 
即兴演奏及视奏 
琴禅篇 
有道·证悟·无道 
蛇信·鹰爪·雁翼 
坚石·沉石·浮石 
意象·动向·音响 
掌舵·琢玉·启门 
音点·音线·音层 
宇宙·生命·心灵 
水涨·水落·水平 
敌人·路人·爱人 
高构·立交·多泽 
实境·幻境·虚境 
球气·笔锋·刀刃 
响度·亮度·密度 
琴诀篇 
有道 
八忌第二 
九界第三 
外功第四 
冥听第五 
心神第六 
贯气第七 
琴师第八 
音色第九 
读谱第十 
勤练第十一 
记忆第十二 
难点第十三 
踏瓣第十四 
复调第十五 
古典第十六 
浪漫第十七 
印象第十八 
现代第十九 
琴魂第二十 
初版后记 
修订版后记 
音乐是一种缘（新版编后记）

 《钢琴演奏之道》是“赵晓生学术著作系列”之一。近年来，赵晓生教授对于“钢琴演奏理论”的研究，始终未曾停止过，《钢琴演奏之道》比上一版增加了近三分之一的内容。全书五十万字左右。新增的内容主要是：基础理论方面提出了“第1音质”与“第2音质”的概念；基础训练方面增添了“节奏训练”，提出对听觉、和声问题的重视是钢琴教学的一个重要任务；在作曲家与作品方面增添了大量新鲜的实质性言论，对“钢琴改编曲”另辟专节进行阐述，有很多创新。《钢琴演奏之道》应是钢琴师生的之书。

钢琴演奏的奥秘：探索指尖上的艺术世界 一部全面、深入的钢琴演奏理论与实践指南 本册教材旨在为广大学习者和演奏者提供一套系统、详尽的钢琴演奏理论基础与实践指导。它超越了单纯的技巧训练，深入探讨了音乐理解、艺术表达、舞台表现等多个维度，力求构建一座连接技术与艺术的桥梁。全书内容编排紧凑，逻辑清晰，旨在帮助读者建立起扎实而全面的演奏素养。 第一部分：坚实的基础——技术与乐理的融合 本部分聚焦于钢琴演奏的物质基础——技术与音乐理论的深度融合。我们相信，卓越的演奏源于对音符背后规律的深刻洞察和对手指潜能的充分开发。 一、钢琴演奏技术的核心要素解析： 触键的物理学与美学： 深入剖析手指与琴键接触时的压力传递、速度变化对音色产生的影响。探讨不同重量感、击打方式（如触击、按压、揉弦）在不同音乐时期作品中的适用性。详细阐述“重量转移”在八度、和弦、琶音等大型技巧中的应用，实现力度控制的精准性与持久性。 手指独立性与协调性训练的进阶： 传统五指练习的局限性探讨，重点介绍如何通过节奏变异、非对称性练习（如两个八度音程同时进行）来强化手指间的相对独立性。针对跨指、换指过程中“空隙感”的消除，提出精细化的控制策略。 大型技巧的系统化构建： 音阶与琶音的“色彩化”练习： 不仅追求速度，更注重音阶在不同把位、不同调性上音色的统一性。探讨如何通过微小速度变化（Appoggiato）来塑造旋律线条的起伏。 八度与和弦的持久性： 解决快速连续八度中的手臂疲劳问题，重点讲解手腕、手臂的放松与惯性利用。针对复杂和弦的精确触键，强调预备姿势的稳定性和时机把握。 踏板使用的精妙艺术： 超越简单的延音踏板概念，深入研究半踏、弱音踏板在不同织体中的作用。探讨如何利用踏板的“模糊性”来创造声场空间感，而非仅仅是延长声音。特别分析了巴赫作品中踏板的限制性使用，以及德彪西作品中对踏板色彩的创新需求。 二、音乐理论在演奏中的实践转化： 和声分析与演奏的关联： 如何通过快速识别和声进行（如功能和声、延伸和声），来指导手指的预判和分配。探讨不协和音程在不同时期作品中的处理方式——是需要强调其“尖锐性”，还是用踏板进行柔和过渡。 曲式结构对演奏层次的指导： 讲解奏鸣曲式、回旋曲式、赋格曲式等基本结构如何决定乐句的呼吸、高潮的建立与回落。强调“结构性清晰度”是避免演奏流于表面技巧的关键。 节奏的内在律动与外在表现： 区分古典时期对精确节拍的要求与浪漫主义时期对“自由速度”（Tempo Rubato）的艺术化处理。如何掌握不破坏整体脉络下的弹性处理，使节奏成为表达情感的工具。 第二部分：风格的溯源与再现——跨越音乐历史的对话 钢琴音乐横跨数百年，不同历史时期的风格要求截然不同。本部分致力于帮助学习者“穿越时空”，准确把握不同作曲家的意图和当时的演奏习惯。 一、巴洛克时期的键盘音乐精髓： 赋格与对位法的演奏： 强调“独立声部”的清晰分离，如同多声部合唱团的演唱。探讨指法设计如何服务于声部的线条流畅性，避免“粘连感”。分析装饰音（如颤音、回音）的演奏规范，区分巴赫时期与后世的演奏差异。 《哥德堡变奏曲》与多重织体的驾驭： 探讨如何通过细微的力度变化和触键清晰度来区分主体旋律与持续的低音声部。 二、古典主义的清晰与平衡： 莫扎特与海顿的“透明度”： 强调晶莹剔透的音质和精确的节奏感。探讨在没有现代钢琴的背景下，作曲家如何构思力度变化（强弱对比主要依赖于触键的质量而非蛮力）。 贝多芬的结构力量与情感张力： 深入分析早期、中期、晚期作品在演奏风格上的演变。重点剖析贝多芬对“渐强”（crescendo）的戏剧性运用，以及他如何通过对比性主题发展来构建宏大的内心冲突。 三、浪漫主义的抒情与个性解放： 肖邦与李斯特的“歌唱性”： 探讨如何将钢琴演奏提升至“歌唱”的境界（Bel Canto）。研究肖邦作品中微妙的Rubato与旋律的呼吸感之间的关系。李斯特作品中宏大音响的构建，以及如何维持演奏的优雅性而不失其技巧的辉煌。 德彪西与印象主义的音色探索： 关注音色的“晕染”效果，利用踏板、延音和指尖的轻触来捕捉光影和氛围。强调听觉的想象力，而非具体的结构逻辑。 第三部分：演奏的心理学与舞台实践 精湛的技巧和深刻的理解最终需要通过舞台实践来检验。本部分关注演奏者的心理素质、舞台礼仪与自我评估系统。 一、高效的练习策略与记忆机制： “慢练”的哲学与实践： 区分“慢速练习”与“无效慢速重复”。介绍如何通过分解织体、隔离困难段落、使用不同节奏进行碎片化练习，从而实现对作品的深度认知。 记忆的层次化构建： 不仅仅依赖手指的肌肉记忆，更要建立听觉记忆（听自己演奏的声音）、视觉记忆（乐谱布局）和分析记忆（结构走向）。讨论如何通过“预见性”练习来应对演奏中的突发性失误。 二、舞台表现力的塑造： “瞬间准备”的能力： 讲解登台前五分钟的心理调节技巧，包括呼吸控制和意象引导，以快速进入最佳的演奏心流状态。 身体语言与音乐表达的统一： 探讨演奏者的姿态如何影响听众的感知。如何将内心的情感转化为自然、不僵硬的身体动作，使之服务于音乐的流动，而非分散注意力。 演出后的反思与记录： 建立自我录音和录像分析的习惯，客观识别技术盲点和音乐处理上的瑕疵，将每次公开演出转化为下一次练习的宝贵数据。 三、现代钢琴的特性与适应： 现代钢琴的声学特点： 了解现代钢琴的强大承载力和更广的动态范围，以及它对传统演奏方法提出的新要求。如何平衡音量与音质，避免在追求宏大效果时牺牲清晰度。 本教材集合了数十年来的教学经验与演奏实践的精粹，旨在为每一位追求钢琴艺术至高境界的学习者，提供一份清晰、可操作的艺术指南。它要求学习者不仅要做一个技艺精湛的“工匠”，更要成为一位富有洞察力的“音乐诠释者”。

评分☆☆☆☆☆

在实际练习中，我发现教材的实用性极强，它提供的练习曲目选择非常精妙。它们既有经典的大师练习曲的精选，也有针对特定技术盲点的自创或改编练习，这些练习的针对性非常强，真正做到了“对症下药”。比如，在解决某个和弦连接上的模糊不清的问题时，教材会立刻提供一套专门针对该问题的变奏练习，要求在不同的速度和力度下重复进行，直到肌肉记忆完全固化。更重要的是，教材中还穿插了一些“反向练习”的指导，比如要求故意用错误的方式去弹奏，从而更深刻地体会到正确手型的微妙之处。这种“打破常规”的训练思路，极大地激发了我的探索欲，让枯燥的重复训练变得充满挑战性和趣味性，显著提高了练习效率。

评分☆☆☆☆☆

初次接触这套教材时，我最关注的是其内容的系统性和递进性，而它在这方面表现得超出了我的预期。它并非简单地罗列技巧，而是构建了一个极其严谨的知识体系框架。从最基础的手型稳定训练开始，逐步过渡到复杂的音阶、琶音的均匀度控制，再到不同风格（如巴洛克时期的复调织体与浪漫主义时期的歌唱性旋律）的演奏处理，逻辑链条非常完整且富有弹性。作者对技术难点的分析，往往能一针见血地指出问题的核心所在，避免了传统教材中那种空泛的理论说教。例如，对于某个特定技术难点的解析，它会结合大量的实际练习曲目进行对比示范，让抽象的“感觉”变得可量化、可捕捉。这种由浅入深、层层递进的编排方式，保证了学习者不会因为知识的断裂而感到困惑，每一步的积累都是为了更高阶的挑战做扎实的铺垫。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的装帧设计着实让人眼前一亮，纸张的质感厚实而又不失细腻，触感温润，让人爱不释手。印刷的油墨非常均匀，色彩饱满，即便是细小的五线谱和文字，也清晰锐利，长时间阅读眼睛也不会感到疲劳。尤其值得称赞的是版式布局，整体排版疏密有致，留白恰到好处，使得乐谱的阅读体验极为舒适。在复杂的段落中，关键的指法标记和力度记号都用不同的字体或颜色进行了区分，逻辑清晰，极大地降低了初学者理解乐谱的难度。可以明显感觉到，出版社在细节处理上投入了极大的心力，这种对工艺的极致追求，使得这本教材不仅仅是一本学习工具，更像是一件艺术品，每次翻开它，都能感受到一种对音乐艺术的敬畏之心。这种高标准的物理呈现，无疑为接下来的学习旅程奠定了坚实而愉悦的基础，让学习过程本身也变成了一种享受。

评分☆☆☆☆☆

对于考研群体而言，这本书的价值更是体现在其对高难度曲目分析的透彻性上。在涉及到那些被视为“试金石”的炫技段落时，教材并没有回避其难度，而是将其拆解成多个可操作的小模块进行详细剖析。它不仅分析了技术要求，更深入探讨了在考试情境下，如何平衡技术完整性与音乐表现力之间的关系，这无疑是区分优秀与平庸演奏的关键。例如，对于奏鸣曲中的高潮部分，教材会提供不同的“处理方案”——是选择绝对的速度与清晰度优先，还是在保证基本准确的前提下，稍微放缓节奏以增强戏剧性。这种基于实践和经验的指导，是任何纯理论书籍无法比拟的，它为我们提供了在巨大压力下的决策参考，让准备过程更加有的放矢，充满了信心。

评分☆☆☆☆☆

这本书的魅力，很大程度上源于其深厚的文化底蕴和独到的哲学思考。它不仅仅是机械地教你“如何弹奏”，更深层次地探讨了“为何而弹”以及“如何理解音乐的内涵”。作者在穿插的文字部分，融入了许多关于音乐史、演奏美学甚至是东方哲学在音乐表达中的体现的见解。读起来，你会发现，这更像是一场与大师的深度对话，而不是一份枯燥的练习指南。它引导我去思考，每一个音符背后所蕴含的情感张力、历史背景以及作曲家的原始意图。这种提升审美层面的引导，极大地拓宽了我的音乐视野，让我不再局限于技巧的打磨，而是开始追求音乐的“灵魂”的表达。这对于任何志在深入研究钢琴演奏的学子来说，是极其宝贵的一笔财富。