声乐教学论俞子正西南师范大学出版社9787562158097 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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俞子正 著

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• 声乐教学
• 声乐教育
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• 高等教育
• 音乐教材
• 西南师范大学出版社
• 音乐教学
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• 艺术教育
• 9787562158097

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出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562158097

商品编码：29684808263

页数：193

图书基本信息
书名：	声乐教学论
丛书名：	21世纪全国高师音乐系列教材
作者/主编：	俞子正
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562158097
出版年份：	2012年7月

版次：	第1 版
总页数：	193页
开本：	16
图书定价：	27元
实际重量：	0.399 kg
新旧程度：	正版全新

俞子正，教授，男，1954年出生。1979年毕业于南京师范大学，1983年毕业于上海音乐学院，1987年毕业于日本东京艺术大学研究生院歌剧系，在国内外举行个人独唱音乐会近30余场，曾主演《托斯卡》《茶花女》等歌剧。 在长期的教学中，积累了比较丰富的声乐教学经验，著有《声乐教学论》《生命的咏叹》等著作3本、参著5部，发表学术论文30余篇。1993年获国务院特殊津贴。主编教育部项目《全国中小学音乐教材》一套，教育部审定教材《全国高师声乐教材》二套。在全国各地举行学术讲座数十场，指导的学生多人次在国内外音乐比赛中获奖。

序
修订说明
心篇
章 声乐教学论的必要性和重要性
第二章 声乐艺术的情感表达
关于“以情带声”
关于“乐感”
关于歌曲演唱的几个要点

第三章 声乐艺术与科学
关于中西结合
声乐艺术与科学技术

第四章 艺术表现与风格
关于艺术表现的不同层面
关于“感觉”
作品风格与演唱风格

第五章 教学术语的理性思考
“放松”的意义
“自然”与“自如”的认识
“气”与“力”
关于“换声”
关于“字正腔圆”
教学术语的暗示作用

《21世纪全国高师音乐系列教材：声乐教学论》从命题到内容，贯穿着可贵的改革、进取新意；反映着独具匠心的求真、求是精神。它切入声乐教学实际，言之有物，有的放矢，是一部有见地的学术专著。

好的，这里为您提供一份关于其他主题的图书简介，力求内容详实、专业，不涉及您提到的《声乐教学论》。 --- 书籍名称：《西方音乐史纲：从中世纪到浪漫主义的演变与思潮》 作者： [虚构作者名，例如：马丁·布朗] 出版社： [虚构出版社名，例如：古典之声文化出版] ISBN： [虚构ISBN，例如：978-1-56789-012-3] 内容提要： 本书是一部宏大而精微的西方音乐史著作，旨在为音乐学研究者、专业院校师生以及所有热爱古典音乐的读者，勾勒出一部清晰、深入且富有洞察力的音乐发展脉络图景。全书以时间为轴线，系统梳理了自中世纪早期圣咏的诞生，直至浪漫主义晚期情感表达的巅峰，各个历史时期音乐风格的形成、核心特征、关键人物及其代表作品。它不仅仅是罗列年代和人名，更着重于探讨音乐如何作为特定历史、哲学和社会思潮的产物与媒介，在不同的文化土壤中生根、发芽、演变。 第一部分：曙光与奠基——中世纪与文艺复兴的音乐世界（约公元500年 – 1600年） 本部分深入剖析了西方音乐的童年与成熟期。在中世纪，我们追溯了格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音音乐体系如何确立了教会音乐的基础。重点阐述了记谱法的革命性发展，从纽姆谱到五线谱的演变，这为日后复杂复调音乐的构建提供了技术保障。对奥尔加农（Organum）等早期复调形式的分析，揭示了人声织体如何从平行进行走向独立声部的交织。 进入文艺复兴时期，本书详细探讨了“人文主义”思潮对音乐创作的影响。在奥兰多·德·拉索和乔斯昆·德普雷等大师的作品中，我们看到了对文本清晰度（text clarity）的追求，以及对弥撒曲和经文歌（Motet）结构逻辑的精妙布局。特别辟章讨论了世俗音乐的兴起，如法国香颂和意大利牧歌，它们如何以更贴近人性的情感和更自由的对位技巧，预示着巴洛克时代的到来。对早期乐器发展，如鲁特琴和维奥尔琴的介绍，也为理解后世管弦乐队的形成提供了背景。 第二部分：辉煌与理性——巴洛克音乐的结构逻辑（约1600年 – 1750年） 巴洛克时期是音乐史上一次剧烈的风格转型。本书将焦点集中在歌剧的诞生及其在意大利（特别是佛罗伦萨和威尼斯）的发展历程，解析了“以声乐表达情感”的歌剧气派（stile rappresentativo）如何确立，以及宣叙调与咏叹调的功能划分。 对巴赫和亨德尔这两座高峰的分析，占据了重要篇幅。对巴赫作品的剖析，侧重于其对复调技巧（Counterpoint）的极致运用，尤其是对赋格曲（Fugue）结构严谨性的解析，展示了其音乐中的数学般精准与神学深度。亨德尔的清唱剧，特别是《弥赛亚》，则被置于更广阔的社会背景下，探讨其如何成为一种面向公众的音乐体裁。此外，本书还细致梳理了协奏曲（Concerto）、奏鸣曲（Sonata）等器乐体裁的成熟过程，以及通奏低音（Basso Continuo）在确立巴洛克音乐和声框架中的核心作用。 第三部分：平衡与清晰——古典主义时期的形式革命（约1750年 – 1820年） 古典主义被视为音乐史上对“理性、平衡与清晰”的回归。本书阐释了启蒙运动思想如何渗透到音乐创作中，促使音乐从巴洛克时期的繁复装饰转向旋律主导和清晰的乐句结构。维也纳学派的“三杰”——海顿、莫扎特和贝多芬的贡献被系统呈现。 海顿被誉为“交响曲之父”，本书详细解构了奏鸣曲式（Sonata Form）的呈示部、展开部和再现部在三乐章交响曲和四乐章弦乐四重奏中的标准化过程。莫扎特的作品则展示了旋律的歌唱性与戏剧张力如何完美融合，特别是在其晚期歌剧中的人性刻画。 贝多芬的阶段性发展被视为古典主义向浪漫主义过渡的关键桥梁。从对传统形式的继承，到《英雄交响曲》中革命性的篇幅扩展和情感释放，再到晚期作品中对结构和内心世界的深刻探索，本书力图展示贝多芬如何以个人意志重塑了音乐的表达边界。 第四部分：情感的激荡——浪漫主义的个体表达与民族色彩（约1820年 – 1900年） 浪漫主义的兴起标志着音乐重心从客观结构转向主观情感。本部分探讨了主导动机（Leitmotif）在叙事音乐中的重要性，以及自由速度标记和扩大管弦乐队编制如何服务于更宏大的情感叙事。 肖邦和李斯特对钢琴艺术的革新是本部分的重点。肖邦如何将波兰民族元素融入到玛祖卡和波兰舞曲中，并通过夜曲和叙事曲深化了钢琴的抒情潜力。李斯特如何通过“交响诗”（Symphonic Poem）这一全新体裁，将文学叙事与管弦乐色彩熔铸一炉。 此外，本书还专设章节探讨了德意志艺术歌曲（Lied）的黄金时代，分析了舒伯特、舒曼等作曲家如何通过钢琴伴奏与声乐旋律的紧密结合，达到诗歌与音乐的完美统一。最后，对勃拉姆斯在坚持古典结构精神与融入浪漫主义情感深度之间的平衡，以及瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念及其对后世歌剧的颠覆性影响，进行了深入分析与评述。 特色与价值： 本书的独特之处在于其跨学科的整合视角。每一章都力求将音乐的演变置于当时的哲学（如唯心主义、理性主义）、文学（如歌德的《浮士德》、拜伦的诗歌）和社会政治背景下进行考察。作者不仅精于音乐的内部技术分析（和声进行、对位法），更擅长以清晰、富有逻辑的语言，解释复杂的音乐概念，使得专业读者能获得深刻见解，非专业读者亦能领略西方音乐史的博大精深与无尽魅力。书中配有大量乐谱示例分析和历史图片资料，辅助读者理解各个时期的风格特征。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对艺术史和音乐教育史略有涉猎的读者，我在这本书中看到了作者深厚的文化底蕴。他巧妙地将声乐教学理论与西方声乐发展史、特别是近现代教学思想的演变脉络相结合进行阐述。这种宏大的视角，使得我们不只是在学习“如何教”，更是在理解“为何要这样教”的历史必然性。书中对不同历史时期声乐理想音色的探讨和对教学法转变的分析，让我对“什么是好的声音”有了更深层次的理解，那绝不是单一标准可以界定的。此外，作者在处理技术难题时，那种“以人为本”的教学哲学贯穿始终，他始终强调，技术是服务的，最终的目的是为了更好地表达音乐的情感和思想。这种回归音乐本质的观点，在如今这个过度强调炫技的时代，显得尤为珍贵和难得。这本书读起来，就像是在与一位融汇了东西方智慧的音乐大师对话。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我一开始对这类“论”字辈的书籍抱持着审慎的态度，通常这类书的理论会过于晦涩难懂。然而，这本《声乐教学论》的结构安排简直是教科书级别的典范。它循序渐进，从最基础的发声生理学开始，逐步深入到教学法、曲目选择、学生心理分析等多个维度，逻辑链条非常完整且坚实。我特别欣赏作者在批判性继承前人理论时所展现出的那种严谨态度。他并非全盘接受既有观点，而是结合当下的声乐发展趋势和新的科学认知，提出了许多富有洞察力的修正和补充。特别是关于如何评估学生学习进度的量化标准部分，这在很多声乐教学书籍中是缺失的盲区，这本书却提供了切实可行的参考框架，极大地提高了教学的客观性和有效性。对于正在进行声乐教育实践的同行们来说，这本书带来的启发绝不仅仅是技法上的，更多是教育理念上的革新与升级。

评分☆☆☆☆☆

这本《声乐教学论》真是让人眼前一亮，作者的见解独到且深刻，完全颠覆了我过去对传统声乐教学的一些刻板印象。书中对气息的运用、共鸣的开发以及发声器官的协调配合等方面，有着极其细致入微的分析和详尽的指导。尤其让我印象深刻的是，作者并没有停留在理论的层面，而是结合了大量的实际教学案例和声乐实践经验，让那些抽象的声学原理变得具体可感。阅读过程中，我仿佛置身于一个经验丰富、循循善诱的课堂之中，每一步的讲解都清晰明了，每一步的示范都充满了说服力。对于我这样在声乐学习道路上摸索已久的人来说，这本书无疑是一座宝库，它不仅提供了系统的知识框架，更重要的是，它教会了我如何去“听”声音，如何去“感受”歌唱的过程，而非仅仅是机械地模仿。这种注重内在体验和科学原理相结合的教学理念，是许多市面上常见的技巧手册所无法比拟的。它真正做到了“授人以渔”，让学习者能够建立起一套属于自己的、可持续发展的科学发声体系。

评分☆☆☆☆☆

我向来对那些过于学院派、脱离实际的教学书籍敬而远之，但这本书却成功地吸引了我，并且让我爱不释手。它的语言风格非常亲切自然，一点也不像那种高高在上的学术著作，更像是一位良师益友在跟你促膝长谈，分享他多年来积累的教学心得和对音乐教学的深刻思考。书中对不同声部、不同风格的音乐作品在教学处理上的差异性探讨，展现了作者极高的专业素养和人文关怀。比如，在处理美声唱法和民族唱法融合时，作者提出的过渡方案，既尊重了各自的传统，又巧妙地利用了现代声乐科学的成果，这种平衡的艺术令人赞叹。我特别喜欢其中关于舞台表演心理建设的那一章节，它没有空泛地谈论自信，而是给出了非常实用的压力管理和情绪调动技巧，这对任何一个渴望在舞台上自如表达的歌者来说，都是及时的雨露。这本书的排版和配图也做得非常用心，使得复杂的理论不再枯燥，反而成为了理解和实践的有力工具。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值绝不仅仅停留在提供标准化的教学步骤上，它最大的贡献在于激发了读者自我反思和创新的能力。每一章的末尾，作者常常会留下一些开放性的思考题，引导我们去审视自己的教学习惯和对学生的理解深度。我发现，仅仅是阅读和思考这些问题，就已经促使我重新审视了自己以往的某些教学盲点。例如，书中关于如何处理教学中的“瓶颈期”的章节，提供了多重维度的解决方案，而不是简单地归咎于学生的“天赋不足”或“努力不够”。这种系统性的问题分析能力，是任何速成手册都无法给予的。总而言之，这是一部兼具学术深度、实践指导性和人文关怀的重量级著作，它不仅是声乐教师案头的必备参考书，对于所有严肃对待歌唱艺术的学习者而言，都是一本不可多得的良师益友。