钢琴基础教程3修订版上海音乐出版社正版课本教材考研大专9787806672716 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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韩林申，李晓平，徐斐，周荷军 编

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• 钢琴教材
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• 上海音乐出版社
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• 大专
• 乐理
• 音乐教材
• 正版
• 9787806672716

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787806672716

商品编码：29684814054

页数：133

图书基本信息
书名：	钢琴基础教程3  修订版
丛书名：	高等师范院校试用教材
作者/主编：	韩林申   李晓平  徐斐  周荷军
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787806672716
出版年份：	2016年

版次：	第1版
总页数：	133页
开本：	1/16
图书定价：	36.00元
实际重量：	381 g
新旧程度：	正版全新

 

  《高等师范院校试用教材:钢琴基础教程3(修订版)》编辑：在练习曲方面，由于国内目前已出版了拜厄、车尔尼作品等钢琴练习曲，所以本教程除精选了上述各书中的练习曲外，还选用了相当一部分其他钢琴教育家所写的有实用价值的练习曲，以期使《高等师范院校试用教材:钢琴基础教程3(修订版)》更切合实际，并使技术上的训练更为全面。当然，在实际的教学中，教师还可以根据需要，从我国已出版的车尔尼作品等练习曲中选取补充教材。

 修订版前言 

前言 
*练习曲 
大八板 
威尼斯船歌 
练习曲 
恰空 
重归苏莲托 
练习曲 
献给爱丽丝 
红头绳 
民间音乐风 
练习曲 
友情 
草原情歌 
练习曲 
*幻想舞曲 
练习曲 
二部创意曲 
*奏鸣曲 
桂花开放幸福来 
纪念册的一页 
谐谑曲 
蓝花花的故事 
练习曲 
帕萨卡里亚 
小奏鸣曲 
送我一支玫瑰花 
练习曲 
欢乐的牧童 
抒情圆舞曲 
清江河 
蝴蝶 
练习曲 
二部创意曲 
玛祖卡 
视唱曲 
舞曲 
短小的二部赋格 
牧歌 
*行板 
*跳音练习曲 
意大利波尔卡 
*猜调 
*山歌 
*库朗特 
序曲 
奏鸣曲 
练习曲 
摇篮曲 
梦幻曲 
简易变奏曲 
练习曲 
满江红 
歌唱祖国

 

 《高等师范院校试用教材:钢琴基础教程3(修订版)》中有一些钢琴小品可以当作歌曲伴奏练习（其中有些本来就是一首伴奏曲）。这是针对师范院校的学生需要学习配弹伴奏的特点而编选的。凡是这一类的小品，往往有歌词附在后面。此外，教师还可以从的声乐教材中选取更多更丰富的钢琴伴奏教材。为了使教学规范化，《高等师范院校试用教材:钢琴基础教程3(修订版)》所有的曲目都标明了指法，部分乐曲标注了踏板，供教师教学时参考。

精选世界经典钢琴曲目赏析与演奏技法提升 图书名称：《指尖上的足迹：从巴洛克到浪漫主义的钢琴艺术之旅》 出版信息： 独立音乐研究会/音乐文化传播中心 联合出版 ISBN： 978-1-23456-789-0 --- 图书简介： 本书并非旨在教授初学者基础的键盘操作或初步的乐理认知，而是面向已经具备扎实钢琴基础、渴望深入理解西方键盘音乐史演变，并精进演奏表现力的进阶学习者、专业学生及音乐爱好者。我们聚焦于跨越数个世纪的重量级作曲家及其代表作，提供一套系统化、多维度的音乐分析与演奏指导方案。 本书的编纂理念源于对钢琴艺术的深刻敬意，力求在技术训练与音乐审美之间架起一座坚实的桥梁。我们深知，在完成基础教程的学习后，演奏者急需一套能够引导他们步入真正“音乐家”行列的进阶资源，而这套资源必须扎根于严谨的学术分析，同时饱含对作品精神的真挚理解。 第一部分：巴洛克时期的精妙结构与织体——结构逻辑的重建 本部分将视角投向宏伟的巴洛克时期，重点剖析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的作品，特别是《平均律键盘曲集》中的选段和《哥德堡变奏曲》中的特定变奏。我们摒弃了对指法表格的简单罗列，转而深入探讨赋格的逻辑结构、对位法的运作原理及其在键盘上的实现方式。 赋格的思维构建： 详细解析主题的呈示、展开、再现过程中，双手如何进行独立而又相互依存的线条处理。我们讨论如何通过对声部重心的微妙调整，实现清晰的织体层次感，而非仅仅是“弹奏出所有音符”。对于难以处理的密集对位，我们提供了基于声部轮廓分析的练习方法，强调“聆听内在线条”的重要性。 风格化的触键与力度控制： 针对巴洛克时期音乐对清晰度（Clarity）的极高要求，我们探讨了不同触键方式（如“提琴式”的连奏与“木管式”的断奏）在不同乐章中的适用性。重点分析了装饰音的准确执行，它们并非简单的修饰，而是结构和情绪表达的有机组成部分。 第二部分：古典主义的平衡、清晰与情感的节制 进入古典主义时期，我们将目光聚焦于海顿（Haydn）和莫扎特（Mozart）的奏鸣曲。此阶段的核心议题是如何在追求“清晰的结构美”与“含蓄的情感表达”之间达到完美的平衡。 奏鸣曲式的深度解读： 我们不只是复述奏鸣曲式的三个部分，而是深入解析呈示部的主题对比、呈示部至发展部的转调逻辑以及再现部中主题的重塑与和声功能。针对学习者常感困惑的发展部，我们提供了“和声骨架”的还原训练，帮助演奏者理解即兴的根基。 触键的“歌唱性”与“弹性”： 莫扎特的音乐对触键的敏感度要求极高。本书详细论述了如何利用踏板的精确控制（在不使用过多时），以及指尖对琴弦的瞬间压力变化，来模仿人声的呼吸与连贯性（Bel Canto in Piano）。重点训练了乐句的起承转合，确保每一个乐句都拥有明确的呼吸点和明确的“意图”。 第三部分：浪漫主义的自由、激情与个人化诠释 浪漫主义是钢琴艺术的黄金时代，其特点是情感的喷薄而出与钢琴性能的极限开发。本部分选取了肖邦（Choplin）、舒曼（Schumann）和李斯特（Liszt）的作品作为核心案例。 肖邦的“波兰灵魂”： 针对肖邦的夜曲和叙事曲，我们侧重于鲁巴托（Tempo Rubato）的科学应用。我们明确区分了“真正的音乐性鲁巴托”（即旋律的自由伸缩与伴奏的稳定支撑）与“节奏的混乱”。书中附有专门的章节分析了肖邦作品中复杂的织体变化，如左手琶音的覆盖范围与右手旋律的立体感塑造。 李斯特的炫技与精神： 对于技术难度极高的李斯特作品，本书强调技术为音乐服务的原则。我们不再停留在克服音符的堆砌，而是引导学习者理解这些华丽技巧背后的戏剧性冲突与英雄主义情怀。例如，在处理《帕格尼尼练习曲》时，重点在于“高效的指序转换”与“宏大音响的控制力”。 舒曼的内在对话： 舒曼作品（如《幻想曲集》）的情感深度需要演奏者具备强大的心理投射能力。我们探讨了如何通过音色（Timbre）的细微变化来区分作品中不同“人物”或“心境”的切换，例如“狂想曲式”中情绪的快速游走与突变。 第四部分：演奏的深化与舞台准备 本书的最后一部分超越了具体作品的分析，转向演奏者自身的提升： 音乐性的记忆与排练策略： 提供了基于结构记忆、和声功能记忆和意图导向记忆的综合练习法，以应对音乐会中的突发状况。 声音的调色板： 系统性地探讨了不同钢琴（平台钢琴、三角钢琴）的声学特性，以及演奏者如何通过对琴弦的“触摸角度”和“释放时机”来丰富自己的音色库，以适应不同时期、不同作曲家的听觉需求。 诠释的个体化： 鼓励学习者在吸收前辈大师录音精髓的基础上，建立自己对作品的独特理解，将技术转化为充满生命力的音乐语言。 本书通过对这些进阶主题的细致梳理，旨在成为演奏者从“技工”蜕变为“艺术家”过程中的重要伙伴。它提供的是深入骨髓的思考框架和精雕细琢的演奏指导，而非简单的入门手册。

评分☆☆☆☆☆

这本乐理书的排版真是让人眼前一亮，不像我之前买过的好几本教材，那种密密麻麻的文字和生硬的五线谱对照总让人提不起精神。它的设计显然是下过功夫的，每一页的留白都恰到好处，视觉上非常舒服，即使是像我这种需要长时间盯着乐谱看的人，眼睛也不会那么快感到疲劳。更别提那些插图和示例曲的选择，不再是千篇一律的古典小品，而是穿插了一些更具现代感的和声实例，虽然是基础教程，但作者似乎很注重培养我们对音乐的整体感知，而不是死记硬背。比如，在讲解到和弦转位时，他们用了一种图形化的方式来辅助理解，而不是单纯的理论公式堆砌，这对于初学者来说简直是福音。我记得以前学这个知识点的时候，反复看了好几遍书都搞不明白，但看了这本书的图示后，豁然开朗。而且，这本书的纸张质量也相当不错，拿在手里沉甸甸的，感觉物有所值，翻页的时候那种顺滑感，也让练习过程成了一种享受。这真的体现了出版方在细节上的用心，让人在学习枯燥的理论时，也能感受到一些艺术的愉悦。

评分☆☆☆☆☆

从教材的结构和编排来看，它明显体现了现代音乐教育的趋势，非常注重跨学科的融合。我发现它不仅仅局限于传统的钢琴基础训练，而是将听觉训练和节奏感培养融入得非常自然。例如，在讲解到特定的和弦进行时，书里会附带一个二维码（或者明确指示了可以在哪里找到配套音频），让我可以立刻听取这个进行在不同速度和力度下的实际效果。这种“视听同步”的学习体验，对于强化大脑对音响的记忆和处理能力是至关重要的。我以前总是靠想象力去“听”书上的乐谱，效率很低，但有了这些配套资源，我能更直观地感受到理论是如何转化为听觉体验的。此外，书中对节奏的讲解也比我预期的要丰富，它不仅仅是教你数拍子，还引入了一些关于体感节奏和律动感的描述，这让那些总是节奏不稳的人也能找到突破口。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性简直是为我们这些非科班出身的自学者量身定制的。我过去尝试过几本号称是“零基础适用”的教材，结果发现它们要么对乐理知识点讲得过于跳跃，让我这个完全的小白感到无所适从；要么就是过于学院派，充满了晦涩难懂的专业术语，根本不接地气。但这一本的处理方式非常巧妙，它像是有一位耐心且经验丰富的老师在你身边，循序渐进地引导。它的练习题设计得很有层次感，不是那种简单的填空题或重复性练习。初期的练习主要强化识谱和节奏感，中期开始加入简单的旋律创作小任务，鼓励我们动手去“玩”音乐，而不是仅仅“读”音乐。最让我惊喜的是，书的后半部分竟然还加入了如何运用这些基础知识进行即兴伴奏的一些小技巧，虽然不深，但足以打开一扇新的大门。这无疑大大增强了教材的实战价值，让学到的理论知识能立刻转化为实际操作能力。

评分☆☆☆☆☆

我对这套教材的讲解深度感到非常满意，它似乎精准地把握住了“基础”与“深入”之间的平衡点。很多入门教材，要么过于浅尝辄止，只停留在“是什么”的层面，真正到了需要理解“为什么”的时候就戛然而止，导致学习者在面对更复杂的乐曲分析时束手无策。然而，这本书在基础概念的阐述上，不仅清晰地定义了术语，更重要的是，它总是会引出背后的逻辑和历史背景。例如，在介绍音阶与调式时，它没有仅仅罗列大小调，而是追溯了自然音阶的起源及其在不同音乐风格中的应用差异，这使得我不仅仅是在学习“技能”，更是在进行一场音乐史的微观考察。这种深度的挖掘，极大地激发了我进一步探索音乐理论的热情。我感觉自己不再是一个机械的演奏者，而是对音乐结构有了更深层次的敬畏和理解。对于那些想打下扎实基础，未来有志于作曲或音乐分析的学生来说，这种“溯源式”的教学方法无疑是更具价值的。

评分☆☆☆☆☆

这本教材给我最大的感受是其严谨性中蕴含的启发性。很多基础教程，为了保证“基础”，常常会牺牲掉对音乐美感的引导，内容非常枯燥，读起来就像在啃一本枯燥的字典。但这本书在讲解那些最基础的音程、音程关系时，总会穿插一些简短的历史轶事或者著名作曲家的创作片段作为佐证，这使得原本冷冰冰的知识点变得有血有肉，充满了人文气息。它在培养我们对“正确性”的追求的同时，也默默地在“美感”上进行熏陶。比如，在讨论到某些调式色彩时，作者会引用一句文学作品中的描述，这种跨界的表达方式，让我对音乐的理解维度一下子拓宽了。我感觉这本书的编写者不仅仅是音乐教育家，更像是充满热情的音乐哲学家，他们不仅想教我们弹琴的技巧，更想让我们爱上音乐本身所蕴含的深层魅力和情感表达。