高师声乐教学曲：古典艺术歌曲选杨玲西南师范大学出版社9787562162360 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

杨玲，刘春平 著

图书标签:

• 声乐教学
• 艺术歌曲
• 古典音乐
• 高师教材
• 音乐教育
• 西南师范大学出版社
• 杨玲
• 声乐练习
• 教学曲
• 高等教育

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562162360

商品编码：29684814124

页数：199

图书基本信息
书名：	高师声乐教学曲：古典艺术歌曲选
丛书名：	21世纪音乐教育丛书
作者/主编：	杨玲, 刘春平
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562162360
出版年份：	2015年7月

版次：	第1 版
总页数：	199页
开本：	16
图书定价：	39元
实际重量：	0.522kg
新旧程度：	正版全新

　　目前，声乐教学大多数是以美声发声方法为训练基础。早期意大利歌曲旋律简单，加之意大利语语音清晰，语言重音的节奏感赋予这种语言独特的音韵和美感，单词中元音居多且元音发音饱满有利于发声。古典艺术歌曲的早期作曲家所创作的这些简洁的旋律中包含有大量声乐技术训练，因此，选择意大利古典歌曲来教学对于训练初级的学生尤其有帮助。但这类作品的教材在国内不多，调性的可选择性也很小，这也是大多数声乐教师的烦恼。编者在意大利留学期间注意收集这方面的曲目，选编了一些大家耳熟能详的歌曲，整理成册，并根据声乐教学的规律，调整了一些歌曲的调。
　　编者在日常的教学中注意到：一个单词某一个元音当它在一句较长的旋律上延长时，要用小短线即“连字符”连起来，表示这是一个单词。有些翻译作品在曲谱转行的时候忘记添加连字符，从而使没有学过意大利语的老师和同学不知道这是一个单词，造成在单词中间换气的。因为不确定哪些语音连在一起表示一个单词，在想查单词意思时也无从下手。意大利语中一个单词结束在辅音字母，后一个单词以元音字母开头的时候要连读，唱的时候也要连起来，本册曲谱对于这种情况都明确地用下划圆弧线符号标识出来。

歌唱艺术的殿堂：西方艺术歌曲的深度探索与实践 一部引领声乐学习者步入经典艺术歌曲核心的权威指南 本书旨在为高等师范院校的声乐专业学生、声乐教师以及所有热爱西方艺术歌曲的演唱者和研究者，提供一套系统、深入且具有实践指导意义的学习资料。它并非仅仅是对既有曲目的简单汇编，而是一次对西方艺术歌曲这一独特音乐体裁精髓的全面剖析与系统梳理。 第一部分：艺术歌曲的宏观脉络与历史纵深 本书首先搭建了一个坚实的理论与历史框架，带领读者穿越时空，追溯艺术歌曲从其萌芽到成熟的完整历程。 一、艺术歌曲的界定与特质： 深入探讨艺术歌曲（Lied/Mélodie）作为一种独立音乐体裁的本质特征。它如何区别于歌剧咏叹调和通俗歌曲？重点分析“诗与乐的结合”这一核心命题，阐释音乐如何服务于诗歌的意境、情感和结构，而非仅仅是旋律的附庸。讨论钢琴伴奏在艺术歌曲中的“第二声部”地位，分析其在营造氛围、推动叙事、深化情感表达上的关键作用。 二、德语艺术歌曲的黄金时代（Schubert 至 Wolf）： 详尽考察了自舒伯特开创的“德语艺术歌曲”黄金时期。重点剖析了舒伯特如何以其超凡的旋律天赋和对民间音乐的深刻理解，奠定了艺术歌曲的抒情基调。随后，深入研究舒曼作品中浪漫主义的诗意、雨果式的人文关怀以及勃拉姆斯的内敛与对民间旋律的继承与发展。篇幅重点聚焦于雨果尔夫（Hugo Wolf）的“纯粹艺术歌曲”阶段，分析其如何运用极其精细的动机发展和不协和和声，实现“音乐的戏剧化”，即对诗歌词句意义的极致描摹。对海顿、莫扎特及贝多芬早期艺术歌曲的文献性梳理，也为理解后续发展提供了必要的参照系。 三、法语艺术歌曲的优雅蜕变（Melodie）： 系统梳理了从法贝尔（Fauré）到德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）的“法国旋律”发展轨迹。阐释了法国文化中对语言音色的独特偏爱如何塑造了旋律线条的流畅性与精致性。重点分析了印象主义音乐思潮对艺术歌曲的影响，如何通过模糊的调性中心、丰富的色彩和细腻的织体，营造出朦胧、梦幻的意境，尤其是在德彪西对马拉美等象征主义诗歌的诠释中。 四、俄国与北欧的异域风情： 考察了俄罗斯艺术歌曲（如柴可夫斯基、拉赫玛尼诺夫）中浓厚的民族情感、史诗般的叙事结构和对“俄罗斯灵魂”的探索。同时，也兼顾了格里格等北欧作曲家如何将本土的民间传说和自然风光融入其艺术歌曲创作。 第二部分：演唱技巧与艺术诠释的深度训练 本书的实践指导部分，是为声乐学习者量身打造的“工作坊”。它强调技术与审美的统一，而非孤立的技巧训练。 一、语言的声乐化处理（Diction and Phrasing）： 艺术歌曲对演唱者语言能力的要求远高于歌剧。本书提供了针对德语（发音的清晰度、元音的圆度和喉位控制）、法语（鼻音的精准控制、连音的自然流动）和意大利语（母音的纯净度）的专项训练模块。强调如何通过对特定语言声学特性的把握，实现“一语一性”，使语言的流动与音乐的呼吸完美契合。 二、钢琴伴奏的对话艺术（The Pianist’s Role）： 艺术歌曲的成功在于“二重唱”。本部分专门论述了演唱者如何与钢琴（伴奏者）进行有效的音乐对话。包括对节奏的同步、强弱的呼应、音乐织体中对复杂声部线条的认知，以及如何通过眼神和肢体语言，在舞台上共同构建作品的戏剧张力。 三、风格的准确把握与情感的内化： 针对不同历史时期和国别风格，提出了具体的诠释策略： 古典时期（海顿/莫扎特）： 追求清晰的结构感、平衡的音色和恰当的装饰音处理。 浪漫主义时期（舒伯特/舒曼）： 强调叙事性、情感的真挚流露以及对歌词意境的深度代入，避免过度戏剧化。 晚期浪漫/象征主义（沃尔夫/德彪西）： 训练对色彩的敏感性，掌握快速变化的动态对比和复杂的和声语汇对声音带来的挑战，要求声音的灵活性和对细节的雕琢。 四、呼吸控制与乐句的呼吸设计： 不同于歌剧的长线条咏叹调，艺术歌曲的呼吸点往往隐藏在诗歌的自然停顿或作曲家刻意设计的乐句结构中。本书提供了一系列基于文本分析的呼吸标记和练习，确保在不破坏句子完整性的前提下，实现连贯而富有张力的歌唱。 第三部分：表演性与舞台呈现 艺术歌曲的舞台呈现需要一种独特的、内敛的张力。 一、音乐会礼仪与舞台形象： 讨论如何在舞台上保持专业性与作品的契合度。如何在不依赖大幅肢体动作的情况下，通过面部表情和眼神传递复杂的情感层次。 二、曲目选择与策划： 指导学习者如何根据自身音色特点、技术成熟度以及对不同语言的掌握程度，科学地构建个人音乐会曲目。强调了“连贯性”和“对比性”在曲目编排中的重要性，旨在帮助学习者策划出具有逻辑深度和审美高度的演唱会。 本书通过对这些核心要素的系统性构建，致力于培养的不仅仅是会“唱”艺术歌曲的学生，而是能够深刻理解、准确传达作曲家与诗人共同创造的艺术结晶的“声乐诠释家”。它为声乐教育提供了一份跨越时代、注重深度和广度的专业参考蓝本。

评分☆☆☆☆☆

从一个学习者的角度来看，我最看重的是实用性和可操作性。一本优秀的教学曲集，它的价值不仅在于展示“应该唱什么”，更在于指导“如何唱好它”。理想情况下，书中对曲目的处理应当包含对演唱技术细节的深入探讨，例如，针对某一首特定歌曲中出现的换声区处理、气口安排的建议，或者对特定情绪表达时力度渐变的具体建议。如果能有针对性的技术要点总结，例如针对某位作曲家作品群的共同演唱难点，那就更好了。我希望这本书能像一位耐心的导师，在曲谱的空白处留下批注的痕迹，即使是印刷体的批注，也能引导我的思维去关注那些“听不见”的音乐结构。对于那些复杂的装饰音或快速的音型，清晰的指引能极大地减少学习者自我摸索的时间和弯路。如果能提供关于曲目排练顺序的建议，例如哪个阶段适合练习哪类曲目，那对于课程设置而言，无疑是锦上添花的一笔。

评分☆☆☆☆☆

阅读任何艺术理论或教学书籍时，我都会特别关注作者在学术立场上的平衡性。面对“古典艺术歌曲”这样一个范畴，很容易陷入对某一特定时期或地域的过度偏爱。我非常好奇作者杨玲教授是如何处理这种平衡的，她是否能将德奥艺术歌曲的严谨性、法国艺术歌曲的精致性，以及可能包含的意大利美声传统中的相关作品，进行一个既有侧重又不失全面的整合。对于声乐教学而言，对不同语种和风格的把握是核心难点。如果这本书能提供一些关于特定发声技巧如何适应不同语言（比如德语元音的饱满度与法语鼻音的控制）的具体指导，那将是极其实用的财富。我希望能看到作者在处理那些历经百年流传的版本差异时，是如何做出取舍和判断的，这种专业的“把关人”角色，是读者从一位资深教师那里寻求指导的核心价值所在。它不仅仅是曲谱的集合，更是一份成熟的教学方法论的体现。

评分☆☆☆☆☆

再者，对于这样一本面向高等师范院校的教材，其理论支撑和学术引用显得尤为重要。我希望看到作者在选曲和解析过程中，能够体现出坚实的音乐史学基础。这不仅仅是简单的作曲家介绍，而是能够将这些艺术歌曲置于当时的社会文化背景中去理解，例如，浪漫主义思潮对诗歌主题的选择有何影响，或钢琴伴奏在艺术歌曲中地位的提升是如何体现的。这些深层次的文化植入，能够帮助未来的声乐教师在面对自己的学生时，不仅能教他们如何发声，更能教他们如何成为一个有思想、有文化底蕴的歌唱家。一本好的教材，应该能够激发学习者的探究欲，让他们在学习技术的同时，也爱上这门艺术背后的文学与历史。如果书中能适当地引用一些音乐学研究的成果，或者对一些经典版本进行学理上的探讨，那就更能体现其作为“高师”教材的严谨性和前瞻性，为培养高水平的音乐人才打下坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

翻开内页，首先映入眼帘的是那些选曲的整体编排逻辑，似乎是经过了深思熟虑的。它不是简单地按照作曲家或者年代堆砌，而是感觉上遵循了一种循序渐进的教学脉络。从选曲的难度跨度来看，它似乎试图覆盖从基础扎实到进阶技巧的各个层面。我注意到一些大家耳熟能详的名曲被纳入其中，但更令人惊喜的是一些相对冷门但艺术价值极高的作品也被挖掘了出来，这无疑拓宽了学习者的视野。对于艺术歌曲的教学来说，光有曲目是不够的，更重要的是对作品背景、风格特征的阐释。我期待书中能对每一首选曲的德语或意大利语文本（如果适用）进行细致的翻译和发音标注，并且对当时的美学思潮和歌曲的演唱要求有所侧重地讲解。如果能附带一些关于早期录音范例的对比分析，那就更完美了，这样学习者就能更立体地理解“古典”二字的内涵，而不是仅仅停留在音符的堆砌上。这种精心策划的选目和潜在的深度解析，是区分普通曲集和优秀教学参考书的关键所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计初看之下挺朴实无华的，封面采用了比较经典的深色调，那种沉稳的墨绿色或者深蓝色，配上烫金的字体，给人一种很专业、很学术的感觉。纸张的质地摸上去有点微微的哑光感，不是那种亮闪闪的铜版纸，这对于一本教学用书来说是加分的项，长时间阅读也不会太刺眼。我尤其欣赏它的排版布局，虽然内容是古典艺术歌曲的选集，但页边距留得恰到好处，谱子的清晰度非常高，即便是小字部分的歌词标注，也做得非常考究。装订的处理也很结实，感觉是那种可以经受住频繁翻阅和长期使用的类型，对于一个音乐学生或者声乐老师来说，这本工具书的物理形态已经传递出了它严肃对待音乐艺术的态度。内页的印刷墨色均匀，没有出现洇墨或者模糊的情况，这一点在处理复杂的五线谱时至关重要，能确保每一个音符、每一个力度记号都准确无误地呈现在眼前，这是基础但又极其关键的一环。总的来说，从这本书的“外表”来看，它就散发着一股扎实的、面向实践的专业气息，让人对接下来的内容充满了期待。