蓬莱和歌子服装上的刺绣 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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蓬莱和歌子 著

图书标签:

• 刺绣
• 蓬莱
• 和服
• 服装
• 传统工艺
• 日本文化
• 服饰艺术
• 图案
• 装饰
• 历史

店铺： 北新网图书专营店

出版社： 中国纺织

ISBN：9787518048281

商品编码：29735926325

出版时间：2018-05-01

基本信息

商品名称： 蓬莱和歌子服装上的刺绣	出版社： 中国纺织出版社	出版时间：2018-05-01
作者：蓬莱和歌子	译者：虎耳草咩咩	开本： 16开
定价： 49.80	页数：	印次： 1
ISBN号：9787518048281	商品类型：图书	版次： 1

内容提要

《蓬莱和歌子服装上的刺绣》用针线绘制出大自然中*纯粹的花朵，用自然中的精灵诠释出极致的森系美。 蓬莱和歌子的怀旧风刺绣，采用*受欢迎的花系图案和唯美的怀旧风格，描绘出极具个人特色的森系刺绣。 除了在衣领、包袋、胸针上将各类花朵作为中心进行刺绣，同时添加了鸟儿、蝴蝶及蝴蝶结、字母等等图案，还介绍了怎样在现有服装上点缀刺绣的构思。

《蓬莱和歌子服装上的刺绣》图书简介 一本深入探索和服文化、纺织技艺与历史变迁的百科全书 《蓬莱和歌子服装上的刺绣》并非仅仅是一本关于特定服装或刺绣图案的图录。它是一部宏大而细腻的文化史诗，以“蓬莱和歌子”这一概念为引，串联起日本自古以来服饰的演变、刺绣技艺的传承、以及特定社会背景下女性身份与审美的变迁。本书旨在提供一个多维度、立体化的视角，去理解服饰艺术在日本文化肌理中的核心地位。 本书的结构分为四大核心篇章，每一篇章都旨在解构服饰文化的一个关键层面，最终汇集成对“蓬莱和歌子”这一理想化服饰意象的全面审视。 --- 第一部分：服饰的哲学基础与“蓬莱”的意象构建 本章聚焦于日本传统服饰美学背后的哲学根源，特别是“蓬莱”这一象征性概念在审美构建中的作用。 1. 神道、佛教与物哀对服饰形制的影响： 我们首先考察了日本传统信仰体系如何影响衣物的裁剪与色彩运用。书中详细分析了神道教中对“洁净”与“自然形态”的推崇，如何塑造了和服的基本线条——那种不强调人体曲线，而是追求与自然融为一体的“平面美学”。随后，引入佛教中“无常”与“瞬间之美”的观念，探讨了季节性纹样更迭的心理基础。 2. “蓬莱”：超越地理的理想国度与服饰的象征意义： “蓬莱”在日本文化中代表着长生不老、仙境与永恒的理想之地。本章深入探讨了这一意象如何被移植到服装设计中。它并非指代某一种特定的刺绣技术，而是指代一种“追求极致、超脱凡俗”的服饰境界。通过分析江户时代上流社会和歌舞伎服饰中对松、鹤、云海等图案的偏爱，我们论证了这些图案如何试图将穿着者“升格”为蓬莱仙境中的一员。 3. 面料选择的社会阶层性： 服饰的价值首先体现在其所用的材料上。本章细致考察了从奈良时代的丝绸贸易到平安时代“织部司”的官营生产，再到近世地方纺织业的兴起，各类面料——如唐锦、缩缅、罗纱——的产地、稀有度和其所代表的社会地位。刺绣的底色决定了其表达的上限，这一点被详尽剖析。 --- 第二部分：刺绣技艺的演变与流派考证 本部分从技术层面切入，梳理了日本刺绣从实用装饰到高度艺术化的发展轨迹，重点分析了支撑起“蓬莱”般华丽效果的各项技法。 1. 针法革新史：从“针绘”到“立体绣”： 本书详细记录了日本刺绣的关键技术节点。初期（如奈良时代）的“针绘”注重轮廓勾勒，而平安时代的“纹织”（引染与夹纈的结合）则开始追求色彩的过渡。重头戏在于江户时代刺绣技术的成熟，特别是“付缝”（贴花刺绣）和“隈取”的运用，这使得刺绣能够表现出远超平面绘画的层次感和光影效果。 2. 地方刺绣体系的勃兴与特色： 刺绣艺术并非铁板一块。本章对比了日本主要地区的刺绣流派：如京都的精致细腻、加贺（金泽）的黄金应用、以及冲绳琉球的“红型”与刺绣的结合。每一地区的地理环境、材料可得性和对外部文化的影响，都塑造了其独特的刺绣语言。这些流派为后来的艺术创作提供了丰富的技法工具箱。 3. 色彩的炼金术：染料与丝线的选择： 刺绣的生命力在于色彩。我们剖析了传统天然染料（如茜草、蓝靛、紫草根）的局限性与魅力，以及它们如何被工匠巧妙地控制以适应特定纹样。同时，书中也探讨了金银线（金属丝线）的使用标准，不同时期金属丝的合金成分如何影响光泽，进而实现“蓬莱”服饰上那种流光溢彩的视觉冲击力。 --- 第三部分：纹样的符号学与叙事结构 本章将刺绣视为一种视觉文本，解析其中蕴含的文化密码、吉祥寓意及叙事逻辑。 1. 吉祥纹样的符号矩阵： 服饰上的每一根针脚都负载着祝愿与禁忌。书中系统整理了日本传统纹样中的“吉祥话”。例如，竹、松、梅的“岁寒三友”如何象征坚韧；龙、凤、麒麟（虽非本土生物，但被完美本土化）如何象征权力与庇佑；以及植物类纹样（如牡丹、菊）在不同季节和场合下的特定指代意义。 2. 叙事性刺绣与“故事场景”的重现： 并非所有刺绣都只是图案的堆砌。本章特别关注那些大型的、具有叙事性的刺绣作品。通过对能剧服饰（如“引切纹”）和武士家族的“具足”刺绣的分析，我们揭示了工匠如何在有限的空间内，浓缩历史典故、神话传说或家族荣耀。 3. 季节与场合的严苛规范： 与西方服饰的自由搭配不同，日本传统服饰对季节的遵循近乎苛刻。本书详细罗列了从“袷”（袷衣）到“単”（单衣）的过渡期，以及不同庆典（如成人式、婚礼）对特定刺绣主题和色彩饱和度的要求。这种规范性本身，就是一种重要的文化信息。 --- 第四部分：服饰的穿着者——“和歌子”的社会角色与审美投射 本书的最后一部分，将焦点从织物本身转移到穿着者——“和歌子”这一理想化的女性形象，探讨服装如何构建其社会身份。 1. 闺阁中的纺织生活：女性的技艺传承： 在江户时代及以前，刺绣和和服的维护是上层或中产阶级女性必备的“内务”技能。本章探讨了女性如何通过亲手制作（或监督制作）嫁妆中的服饰来展示其德行、耐心与审美能力。刺绣不再是外部装饰，而是女性“教养”的物质证明。 2. 服装与身份的流动性： “蓬莱和歌子”的形象是理想化的，但现实中的穿着者必须应对复杂的身份界限。书中比较了宫廷贵族、武家妇女、町人（市民）女性在服饰选择上的微妙差异。例如，町人女性如何通过模仿上流社会的刺绣风格，在不僭越礼制的前提下，表达对精致生活的向往。 3. 从“穿着”到“展示”：舞台与私密空间： 服饰在不同环境中的表现是不同的。本章分析了舞台艺术（如歌舞伎、能乐）如何夸张化和风格化刺绣效果，以适应远距离的观赏需求；并对比了私密生活（如茶道）中对低调、内敛的“间色”（中间色调）刺绣的偏爱。服装不再是静物，而是动态表演的一部分。 --- 结语：传统服饰的当代回响 本书最终总结道，无论是复杂的“蓬莱”式华服，还是日常的简约和服，其背后的刺绣艺术都是一种时间压缩的媒介。它记录了技术、哲学、社会结构与个人情感的交织。通过对这一领域的细致梳理，我们得以更深刻地理解日本传统文化中“美”的重量与深度。本书是为服饰研究者、纺织品艺术爱好者以及任何对跨文化美学感兴趣的读者准备的权威参考。

评分☆☆☆☆☆

读完《时间的经纬》，我有一种强烈的冲动，想立刻去拜访那些被书中提及的、位于偏远山区的传统手工艺村落。这本书的叙事视角极其独特，它跳脱了宏大叙事叙事，转而聚焦于“物的生命周期”。作者并非仅仅记录了技艺的失传，而是深入探讨了这种失传背后所蕴含的社会结构性变迁。例如，书中关于某种特定纹样在工业化浪潮冲击下如何从家庭的“身份徽章”异化为大众市场的“廉价符号”的分析，鞭辟入里，令人深思。其中有一章专门探讨了“磨损的美学”，作者通过对旧物上自然形成的包浆、裂纹、褪色的记录，提出了一个引人入胜的哲学观点：抵抗遗忘的，往往不是完美无瑕的复制品，而是那些被时间打磨、留下使用痕迹的“活着的物品”。这种对日常痕迹的尊重和挖掘，使得整本书的基调充满了人文关怀，它让我们重新审视那些被我们视为理所当然的、日复一日重复的劳动与创造。

评分☆☆☆☆☆

关于《光影的边际》的阅读体验，我必须提到其罕见的思辨深度。这本书的核心议题似乎围绕着“可见性与被遗忘”展开，探讨了媒介技术如何定义我们所能感知到的“真实”。作者以一种近乎形而上学的方式，讨论了古代手工艺品在被摄影技术记录的那一瞬间，其本体性是否发生了某种本质的转移。比如，一张完美的照片是否比实物本身更容易成为“经典”，但代价却是削弱了实物上那些微小的、只有亲临现场才能察觉到的、关于环境和时间的印记。这本书的语言风格相当冷峻和哲学化，充满了悖论式的提问，比如“当所有细节都被记录，我们是否还拥有想象的空间？”它迫使读者跳出舒适区，去质疑那些看似确凿无疑的视觉证据。这是一本需要反复翻阅，并时常停下来沉思的书，它拓展了我对“记录”和“存在”的理解边界。

评分☆☆☆☆☆

这部名为《纹理的密码》的文集，最大的亮点在于其跨学科的对话能力。它成功地将艺术史、社会人类学以及符号学巧妙地融合在一起，构建了一个多维度的解读框架。我特别赞赏作者在处理复杂的文化符号时所展现出的审慎和克制，他避免了过度阐释，而是倾向于提供多种可能的解读路径。书中对“禁忌色”的讨论尤为精彩，作者追溯了数个文明中，某些色彩因其稀有性或与神权、王权的绑定，如何被赋予了排他性的力量，以及当这些色彩被平民化应用时所引发的社会震荡。这本书的逻辑链条非常清晰，论证严密，但又不失文学性的流畅。它要求读者保持高度的专注，因为每一个脚注都可能指向另一条同样引人入胜的研究分支。读罢此书，我感觉自己像是掌握了一套新的“解码器”，去看待周遭世界中那些被隐藏的、由色彩和线条构筑的权力结构。

评分☆☆☆☆☆

《织锦回声：历史深处的低语》这本书的装帧设计本身就是一场视觉盛宴。封面采用了那种沉稳的墨绿色调，配上烫金的纹理，初上手时便能感受到一种穿越时空的厚重感。内页纸张的质地极佳，仿佛能吸纳住历史的尘埃，文字的排版疏密有致，每一行字都像是精心打磨过的宝石，让阅读的过程充满了仪式感。我尤其欣赏作者在引言部分所使用的叙事手法，他并没有急于抛出核心论点，而是像一位经验丰富的老织工，缓缓展开他手中的丝线，从最原始的纤维来源谈起，逐步引入到不同地域的纺织工艺演变。那种细腻到令人发指的描述，比如对特定年代丝绸光泽的捕捉，或者对羊毛染色过程中微妙色差的捕捉，让我仿佛置身于那些古老的作坊之中，耳畔回响着梭子穿梭的规律声。这本书的魅力，首先在于它提供了一种近乎沉浸式的感官体验，让人在阅读的同时，也在进行一场无声的触觉和视觉的联想。它不是一本冰冷的学术专著，而更像是一部由纤维编织而成的史诗，每一章都像是一幅精心构图的挂毯，等待着细心品味。

评分☆☆☆☆☆

《沉默的对话：工匠精神的重构》这本书读起来，更像是一场与大师们的精神会面。它没有采用传统的历史编年体，而是通过一系列访谈录和个人手稿的解读，构建起一个关于“专注力”的史诗。作者的笔触非常克制，他将自己定位为一个倾听者，让那些老匠人的声音，带着他们特有的口音和节奏感，直接穿透纸面。我印象最深的是关于“慢工出细活”的经济学辩护，书中引用了大量的案例来反驳“效率至上”的现代观念，论证了时间投入与产品精神价值之间的非线性关系。读到他们描述自己如何与材料进行“搏斗”或“和解”时，我能深切体会到那种近乎宗教般的虔诚。这本书对于我们这些生活在快节奏信息洪流中的人来说，无疑是一剂清醒剂，它提醒我们，真正的深度，往往需要耐得住寂寞和重复的锤炼。