陈振濂书画篆刻集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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陈振濂 著

图书标签:

• 陈振濂
• 书画
• 篆刻
• 艺术
• 中国艺术
• 书法
• 绘画
• 篆刻艺术
• 文化
• 艺术作品

出版社： 荣宝斋出版社

ISBN：9787500308287

版次：1

商品编码：10161649

包装：精装

开本：8开

出版时间：2005-10-01

用纸：铜版纸

页数：170

内容简介

　　 收在《陈振濂书画篆刻集》中的作品，包含了极少几件20岁前后画的少作。时隔30年，当年的意气风发，现在是荡然无存了。在刚刚开始学画之初，师从过潘群诺、申石伽、应野平诸先生。记得申师石伽还借给我一堂郑午昌民作的春夏秋冬四季中堂条习，对山水画的第1次深刻印象与粗浅理解，就是从那时留下的。石伽师还擅词赋，又与王福庵、韩登安等十分熟稔，从他那里，又能充分感受不定期作为一个清雅的文人士大夫诗、画、印一体化的综合氛围。潘师君诺的花卉草虫独步天下，但生平遭际坎坷，不遇于时，且膝下并无子嗣，我几科是每年的年夜饭一定在他家吃，陪他守岁，看他作画。当然在几年时间里打下了较为扎实的笔墨功底，特别是在草虫方面，得到了悉心指点，可谓是传播师之绝色。

目录

中国画
米罗的回忆之一
米罗的回忆之二
米罗的回忆之三
花奔十条屏（一、二）
花奔十条屏（三、四）
花奔十条屏（五、六）
花奔十条屏（七、八）
花奔十条屏（九、十）
秋江冷艳
眠春
铁钩锁
秋艳无迹图
春雨图
出山小草
蔬食图
荷香图
秋石榴图
香山红叶
月濑观梅印象
晨雁
月濑纪胜
幽谷图
双帆
荷花图并诗堂
动感印象
旭日图
王献之像
智永像
硃墨山水卷
松下高士图
花丛觅影图
独行图
梅石图
春兰秋菊图
书法篆刻
理论著述

好的，这是一份关于一部名为《古代绘画技法探微》的图书的详细简介，该书与您提到的《陈振濂书画篆刻集》内容完全无关。 --- 《古代绘画技法探微：从墨分五色到设色演变》图书简介 引言： 在中国漫长的艺术发展史中，绘画不仅是审美品味的体现，更是承载哲学思想与时代精神的载体。历代画家们凭借其精湛的技艺和深厚的学养，创造了无数不朽的杰作。然而，要真正领略这些作品的精髓，必须深入理解其背后的技术原理与时代背景下的技法演变。《古代绘画技法探微》一书，正是旨在为读者提供一部系统、深入、且注重实践操作的古代绘画技术解析指南。本书聚焦于中国画两大主要门类——水墨画与设色画的核心技法，旨在穿透历史的迷雾，重现那些失传或鲜为人知的古代笔墨之妙。 第一部分：水墨的哲学与技术基石——“墨分五色”的实践解析 水墨画，作为中国画的灵魂，其表现力的高度依赖于对“墨”这一单一媒介的极致驾驭。《古代绘画技法探微》第一部分，将首先拆解“墨分五色”这一中国画理论的核心概念。我们不仅会阐述“焦、浓、重、淡、清”的理论内涵，更着重于其在实际创作中的操作细节。 章一：墨的选取与研磨的科学 本书详细考证了从魏晋南北朝到明清时期，文人雅士与宫廷画院对墨锭的选择偏好。从徽墨、曹州墨到近代松烟、油烟墨的配方差异，分析了不同墨质对最终墨色的影响。特别辟出一节，详细讲解了传统研墨的技巧，包括水温、研磨力度与时间对墨汁浓度与光泽度的精确控制，这对于表现水墨画中“润”与“燥”的微妙关系至关重要。 章二：笔法的结构与力度控制 水墨画的笔法，是技术与心性的统一。本书细致区分了“中锋、侧锋、偏锋”在不同题材中的应用。通过对历代名家（如董源的披麻皴、范宽的雨点皴、倪瓒的折带皴）的临摹示范解析，深入探讨了毛笔在提、按、顿、挫过程中的力度分配与角度变化。图例中包含大量古代绘画残片的高清放大图，旨在展示笔触边缘的“飞白”与“润边”是如何产生的。 章三：皴法与点苔的层次构建 皴法是塑造山石树木体积感和质感的核心手段。本书对二十余种主要皴法进行了分类梳理，不仅描述了其形态，更追溯了其在不同地域画派（如北方山水雄强，江南文人秀雅）中的地域性演变。此外，点苔作为完成画面意境的点睛之笔，也被独立成章，研究了古人如何运用浓墨与淡墨的点染，实现对自然界生命力的瞬间捕捉。 第二部分：设色艺术的演进与工艺实践 与水墨的内敛相对，设色画则展现了中国绘画色彩的绚烂与和谐。《古代绘画技法探微》的第二部分，将焦点转向了古代颜料的采集、制作及其在绘画中的运用规范。 章四：矿物与植物颜料的古法提炼 中国古代的色彩并非凭空而来，而是来源于对自然材料的深刻理解。本书详细记录了从唐代以来，画家们如何利用朱砂、石青、石绿、雄黄等矿物颜料，以及藤黄、胭脂等植物染料进行提炼、研磨和“搁粉”的过程。书中引用了《绘事秘书》、《图画宝鉴》等典籍中的记载，并结合现代考古发现，还原了古代颜料的制备工艺，力求让读者了解颜料的“体性”——即其附着力、透明度与耐久性。 章五：青绿山水与界画的设色规范 唐代的青绿山水，以其富丽堂皇的色彩著称。本书深入分析了“石青堆叠法”和“石绿罩染法”的技术差异，探讨了盛唐、中唐、晚唐时期对色彩饱和度的审美变化。对于界画（如李思训、李诫一派），本书则详细解析了其“平涂”技法中，如何通过严谨的线条勾勒，配合色彩的精准铺陈，实现建筑的立体感和空间感。 章六：文人画中的淡彩与没骨技法 宋代以后，文人画对色彩的态度趋向含蓄内敛。本书着重探讨了宋元时期兴起的“淡彩”技法，这种技法强调“以色赋形，以墨为骨”，如何用极淡的赭石、花青来烘托主体的气韵。同时，对“没骨画”的实践进行了剖析，特别是对于花卉、翎毛画中，如何仅依靠色彩的微妙过渡来塑造形体，避免使用传统线条勾勒的技巧，进行了详尽的图文解析。 第三部分：跨媒介的融合与特殊技法 古代画家往往不拘泥于单一技法，而是善于将不同媒介的优势融会贯通。《古代绘画技法探微》的最后部分，着眼于那些提升作品表现力的辅助和融合技法。 章七：设色与水墨的互渗——“撞水法”与“罩染法” 本书阐释了如何在水墨底稿之上，恰当地运用“撞水法”（利用水分晕染色彩）和“罩染法”（在干透的墨色上覆盖一层透明色）来增强画面深度。特别是对元代以后，画家如何在水墨小品中运用极其有限的朱砂或花青，达到“一抹而神全”的境界，进行了技术还原。 章八：印章与题跋的布局与处理 中国画的“诗、书、画、印”是不可分割的整体。本书最后一部分将绘画技法延伸至装裱完成前的最后步骤——题跋与钤印。探讨了古代画家在构图时如何预留空白，以及如何根据画面主题和个人风格，选择篆书、隶书或楷书进行题写，使其风格与画作达到和谐统一。 结语： 《古代绘画技法探微》并非仅仅是一本技法手册，它更是一部活化的艺术史。通过对这些精妙技术的深入挖掘与实践还原，读者不仅能掌握古代大师的“如何画”，更能理解他们“为何如此画”的艺术追求与时代精神。本书适合中国画专业学习者、艺术史研究人员，以及所有对中国传统美学有浓厚兴趣的爱好者研读。 ---

评分☆☆☆☆☆

最让我印象深刻的是，这本书在艺术家的精神传承方面所体现出的高度自觉性。它不仅仅是记录了艺术家的创作轨迹，更像是搭建了一座沟通古今的桥梁。那些经典元素的现代转化，处理得既尊重传统又不失个人面貌，显示出一种罕见的自信与功力。每一次翻阅，都会带来新的发现和领悟，每一次驻足，都会被作品中蕴含的那种对“道”的追求所触动。这无疑是一部值得反复摩挲、细细品味的艺术宝典，它的价值，会随着时间的推移而愈发彰显。

评分☆☆☆☆☆

这本书的收录范围之广，着实让人惊喜。它不仅仅是一本作品集，更像是一部艺术家的成长史诗。从早年那些充满锐气和探索的作品，到后期沉淀下来的稳健与炉火纯青，时间的光影在纸面上清晰可见。尤其是那些对篆刻刀法和书法的笔墨语言的深入解读，非同一般的见解，让人在欣赏之余，更能领悟到作者对传统艺术的深刻理解与创新精神。这种跨越不同阶段的对比展示，对于任何一个对中国传统艺术感兴趣的人来说，都是一次不可多得的宝贵学习机会，远超出一本普通作品集的范畴。

评分☆☆☆☆☆

阅读过程中，我仿佛进行了一次沉浸式的艺术对话。作者在作品中流露出的那种文人气质与人格魅力，是任何华丽辞藻都无法替代的。那些看似随意的点画间，蕴含着深厚的文化底蕴和对生活的感悟。特别是那些题跋和印章的布局，简直是神来之笔，它们与主体作品形成了绝妙的呼应与张力。这种浑然天成的气韵，让人在面对纷繁复杂的世界时，重新找回了内心的宁静与秩序感。它不仅仅是视觉的享受，更是一次精神上的洗礼，让人在字里行间感受到一种强大的生命力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，从封面材质的选择到内页的纸张质感，无不透露出一种典雅与厚重。尤其是那些对原件色彩的还原度，简直令人叹为观止，仿佛能触摸到墨迹在宣纸上晕开的瞬间。细节之处见真章，装裱师对细节的打磨，让每一页都像是一件精心制作的艺术品。我特别喜欢它在字体排版上的考量，既保证了文本的可读性，又巧妙地融入了传统美学的韵味，使得整本书在阅读体验上达到了极高的水准。这种对实体书形态的尊重与匠心，在当下这个快节奏的时代里，显得尤为珍贵。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧在实用性和艺术性之间找到了一个完美的平衡点。我注意到，对于那些篇幅较长的作品，书页的展开方式做了特别的处理，保证了观赏时不被装订线所干扰，这种对阅读体验的体贴入微的设计，绝对是加分项。而且，全书的重量和尺寸把握得恰到好处，既有分量感，方便在案头细细品味，又不会因为过于笨重而让人望而却步。这使得它非常适合在不同的场合下进行欣赏，无论是静室独坐，还是与同道中人交流探讨，都能随时取阅，感受那份艺术的魅力。