于魁智和他的戏 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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刘福民 著

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出版社： 山西教育出版社

ISBN：9787544054089

商品编码：1027505454

出版时间：2012-05-01

作  者:刘福民 著作 定  价:10 出 版 社:山西教育出版社 出版日期:2012年05月01日 页  数:96 装  帧:平装 ISBN:9787544054089 ●世俗观照下事人事鬼的生死抉择——京剧《奇冤报》
●历史"戏说"的平民情怀——京剧《打金砖》
●男儿真本色长歌动地哀——京剧《野猪林》
●复仇的灵魂呼唤君子的人生悲歌——京剧《伍子胥》
●声声入耳感肺腑家事国事总关情——京剧《四郎探母》
●于魁智小传

内容简介

这套书写的都是当下京剧舞台上*知名的红角，还有那些*能代表他们艺术水平与成就的好戏。角是好角，戏是好戏，好角之所以成为好角，是因为他们演的好戏，打动了舞台下无数观众；好戏之所以成为好戏，很大程度，是由于好角的演绎。好角让好戏熠熠生辉，好戏激发出好角身体与心灵的潜力。
于是，把好角和他们演的好戏融为一体，如此好角会在观众记忆中变得更加具象、鲜活、生动。
写的是好角好戏，就想找个曲牌作为丛书的名称。这些好角都是他们所在行当中的翘楚，这套书的设计与文字又那么精巧可人，于是决定选用"折桂令"。     世俗情怀观照下惟妙惟肖的“歌舞讲故事”，是传统京剧舞台叙事结构的主要形式，往往间架布局表演技艺形式美感的独具特色，决定了一出戏的经典品相，而那舞台“规定情景”的不拘一格，氛国营造的自由灵动，更是给演员的表演提供了无限发挥的可能。不同层面、档次、品位的演员演出同一出戏，会给观众带来反复赏析的审美快感，台上演绎出来的“浓缩型”人生境遇命运沉浮喜怒哀乐爱恨情仇，就在细细品味的把玩意趣之中，化作移情于内的人生观照与体味。
    苦难捱，
    膝下无儿怨谁来。
    妻丧旱、命活该，
    只落得奔忙劳碌卖草鞋。
  &nbs;等

梨园百年风云录：探寻中国戏曲的艺术脉络与时代变迁 本书以宏大的历史视角，聚焦于二十世纪以来中国戏曲艺术的演进、流派兴衰与技艺传承，深入剖析了京剧、昆曲、越剧、川剧等主要剧种在不同历史阶段所面临的挑战与创新。 全书不以个体艺术家为中心，而是着重于“群像描摹”与“艺术生态”的研究，旨在勾勒出一幅波澜壮阔的中国戏曲百年发展图景。 本书共分为五大部分，层层递进，结构严谨。 第一部：旧日回响——清末民初的剧场格局与商业运作 本部分首先追溯了清末戏曲的商业化进程，探讨了戏班的组织结构、票友文化的发轫，以及剧场作为社会公共空间的复杂功能。 一、 伶人社会地位的微妙变迁： 详细考证了传统戏班中“台柱子”与“行头”之间的权力制衡，分析了戊戌变法前后知识分子群体对戏曲“低俗”印象的初步改观，以及袁世凯、段祺瑞等政治人物对戏曲资源的利用。重点描述了早期科班的训练模式，如“把场”的严苛性，以及如何在这种模式下培养出不同行当的扎实功底。 二、 商业竞争与剧场政治： 深入比较了上海的“四大舞台”与北京的“三庆班”等主要班社的经营策略。探讨了“搭班制”与“包箱制”对演员收入和忠诚度的影响。特别关注了早期留声机技术对戏曲传播的影响，以及录音对传统唱腔的标准化与风格固化的早期作用。 三、 剧目与声腔的早期融合： 分析了此时期传统戏（如《搜孤救孤》《定军山》等）在舞台上的程式化巅峰，同时也记录了新编历史剧的萌芽阶段，如对历史事件的舞台改编，以及在地方戏曲的冲击下，京剧声腔如何确立其“国剧”的主导地位。 第二部：新声的诞生——民国时期的改革浪潮与南北分野 本部分着重论述了二十世纪二三十年代，在社会思潮的驱动下，戏曲界内部所爆发的改革运动，以及由此产生的艺术风格差异。 一、 现代舞台观念的引入： 研究了受西方话剧和新文化运动影响，戏曲在舞美设计、灯光运用和角色塑造上所做的尝试。探讨了如何用“写实”的手段去改造高度“程式化”的表演，以及这种改造在不同剧种（如京剧与昆曲）中采取的不同路径。 二、 北方的“精化”与南方的“通俗”： 对比分析了北方戏曲界对传统功架的“精雕细琢”倾向，与南方（尤其江浙一带）戏曲如何积极吸收地方语言和民间曲调，发展出更具地方色彩和生活气息的流派。此部分详述了早期剧评家如刘半农、周瘦鹃等对戏曲美学的理论建构工作。 三、 昆曲的“抢救”与学院化尝试： 详细梳理了昆曲在这一时期的边缘化危机，以及以梅兰芳等名家为代表的对昆曲艺术的倾心投入。探讨了如何在缺乏成熟商业环境的情况下，通过建立“传习所”等机构，尝试将昆曲的复杂审美体系进行学院化、系统化的教学传承。 第三部：革命的熔炉——建国初期的体制重塑与剧种整合 本部分聚焦于新中国成立后，戏曲艺术被纳入国家文化体系的历程，以及由此引发的深刻结构性变革。 一、 “百花齐放”与“推陈出新”的辩证： 分析了早期对传统剧目的“批判性继承”方针，哪些剧目被视为“封建糟粕”遭到禁演，哪些被保留并重塑了主题。探讨了对传统剧目中伦理观念的现代化处理过程。 二、 剧种普查与流派会演： 记录了五十年代全国范围内对地方戏曲资源的大规模普查工作，以及由此推动的各地方剧种的地位提升。详细描述了大规模的“全国戏曲会演”对不同剧种的相互学习、借鉴乃至风格融合所产生的巨大推动力。 三、 戏曲与政治宣传的结合： 剖析了“秧歌剧”等新兴体裁的出现，以及传统戏如何被用来承载新的时代精神和政治叙事。关注了如《白毛女》《刘胡兰》等新编历史剧的创作模式及其对传统舞台语汇的颠覆性影响。 第四部：特殊的十年——艺术创作的停滞与地下流传 本部分客观地记录了文化大革命期间，戏曲艺术所经历的极端困境与变异。 一、 样板戏的体制化与审美定型： 深入分析了“八个样板戏”的诞生背景、创作团队的构成（文学、音乐、导演的跨界合作），以及它们如何通过电影、广播等现代媒介，以前所未有的速度和广度渗透到全国人民的文化生活中。重点剖析了样板戏在音乐唱腔、舞蹈设计和武打处理上对传统行当的突破与定型。 二、 传统艺术的“隐秘”承载： 探讨了在官方舞台受限时，民间和被边缘化的艺术家如何通过私下传授、小范围的“家传戏”等方式，维持传统艺术的火种。分析了这一时期口头传承的重要性，以及它对日后恢复演出带来的“活水源头”作用。 第五部：重振与探索——改革开放后的多元化发展 本书的收尾部分关注了戏曲艺术在恢复常态演出后的复苏、挑战与未来走向。 一、 剧场生态的恢复与市场化冲击： 研究了戏曲演出如何重新面对市场经济的挑战，票价机制的调整，以及剧团体制从事业单位向艺术生产性单位的艰难转型。探讨了如何在市场需求与艺术纯粹性之间寻求平衡。 二、 跨界合作与当代语境的重建： 记录了新时期戏曲对当代题材的关注，以及与现代音乐、戏剧理论进行深度对话的尝试。分析了如何利用新的舞台技术（如声光电）来增强传统戏的视觉冲击力，同时避免对核心程式的损害。 三、 戏曲教育体系的回顾与展望： 总结了改革开放后，戏曲专业院校在教学理念上的调整，如何平衡“基本功训练”与“艺术创新”的关系，以及如何培养适应未来戏曲生态的复合型人才。 全书立足于宏观的社会史和艺术史的交汇点，以严谨的史料和审慎的分析，力求呈现中国戏曲艺术在百年风云变幻中，顽强生命力的多维侧面。 本书适合戏曲研究者、历史文化爱好者以及对中国舞台艺术发展史感兴趣的读者深入研读。

评分☆☆☆☆☆

我花了很长时间才啃完《老伶工的口述史》，坦白讲，它的排版和印刷质量实在不敢恭维，封面设计也略显陈旧，但这完全不妨碍内容本身的震撼力。这本书的价值在于其“第一手资料”的纯粹性。它几乎就是一堆未经润色的录音记录稿，语言极其口语化，充满了地方俚语和行话，甚至有些地方的逻辑跳跃性很大，但正是这种“不完美”，才让它无比真实。我从中看到了一个戏班集体生活的真实面貌：他们如何共患难、如何为了一口饭而四处奔波，以及在戏园子里建立起来的近乎于血缘的依附关系。书中关于“偷师”和“暗斗”的描写非常生动，揭示了那个时代艺人之间既合作又竞争的复杂心态。对于研究社会史和民间文化的人来说，这本《口述史》简直就是一座宝藏，它避开了官方的宏大叙事，直接从底层发出了最真实的声音。

评分☆☆☆☆☆

翻开《昆曲的秘密档案》，我感觉自己像个闯入者，窥见了那些被时间尘封的舞台禁忌与灵感乍现的瞬间。这本书的视角非常独特，它没有采取传统的传记式写法，而是以“物证”和“场景还原”为主线，串联起几代戏班的兴衰荣辱。比如，书中对某次关键性演出后台化妆间的描写，那是一种混合了汗水、油彩和紧张情绪的气味，几乎能从纸页间散发出来。作者对服饰、道具的考据更是达到了近乎偏执的程度，每一枚铆钉、每一寸刺绣的象征意义都被剖析得清清楚楚，让人明白“戏服”绝非简单的衣裳，而是角色的灵魂外壳。最让我震撼的是对“禁演剧目”的分析，它揭示了艺术创作在特定历史背景下面临的巨大压力与妥协，那些被封存的剧本，才是了解一个剧种生命力的最佳切口。这本书的语言风格非常硬朗、写实，带着一股老派学者特有的审慎与冷静，但字里行间又流淌着对逝去辉煌的深沉眷恋。

评分☆☆☆☆☆

这本《梨园往事录》真是让人爱不释手，仿佛亲身走进了那个锣鼓喧天的年代。作者的笔触细腻得让人心疼，他没有过多地渲染那些光环下的荣耀，而是深入挖掘了戏曲艺人台前幕后的艰辛与坚守。我尤其欣赏其中对“行当”传承的描写，那些关于身段、念白、手眼步法的口传心授，在文字中被赋予了鲜活的生命力。书中对于不同流派之间的“切磋”与“包容”也有独到的见解，展现了艺术生态的复杂与活力。读到某个老艺术家为了一个眼神的精准度，对着镜子练习了上百遍的段落时，我真的能感受到那种近乎苛刻的专业精神。全书的叙事节奏把握得极好，时而如涓涓细流般缓缓道出往事，时而又如高亢的唱腔般激昂有力，引人入胜。它不仅仅是一本关于戏曲的书，更是一部关于“人”如何用艺术对抗时间和命运的史诗。看完之后，我对舞台上那些看似轻描淡写的亮相和收尾，都有了全新的理解和敬畏。

评分☆☆☆☆☆

《戏台上的风与影》这本书，我得说，它的文学性是压倒一切的。它更像是一部散文集，而不是严肃的艺术史。作者的文笔极其华美，充满了古典诗词的韵味，读起来需要慢下来，细细品味每一个比喻和排比。书中大部分篇幅似乎都在探讨“虚拟”与“真实”的边界——戏里的“生离死别”与台下演员“真情实感”的交错。它不太关心技术细节，反倒是聚焦于角色对演员自身的“侵蚀”和“塑造”。我印象最深的是对一位旦角艺术家晚年生活状态的侧写，当她卸下面具，回归平凡的“她”时，那种失落感和戏中角色的错位感，被描绘得令人心碎。这本书的魅力就在于它的暧昧和留白，它不给你标准答案，而是引导你去感受那种艺术家的孤独与高贵。如果你想找一本能提升审美情趣、适合在午后阳光下慢读的书，这本绝对是首选，它让你在阅读中完成了一次心灵的“点戏”。

评分☆☆☆☆☆

拿到《光影流转：百年戏曲变迁录》时，我本以为这是一本枯燥的年表汇编，但出乎意料的是，它选择了以“技术革新”为切入点，探讨外部世界如何影响舞台艺术。这本书的宏观视角令人耳目一新。作者非常擅长将政治、经济的大潮与具体的舞台创新联系起来，比如，电力照明如何改变了舞台布景的层次感，留声机技术如何影响了唱腔的细腻程度，甚至电影的出现对戏曲观众群体的冲击。它不仅关注“演了什么”，更关注“如何被看见”以及“被谁看见”。书中对“现代戏”的引入和传统戏曲的矛盾冲突分析得尤为深刻，那种面对新事物时的彷徨、抗拒和最终的融合，展现了艺术生命力的顽强韧性。这本书的结构清晰，图文并茂，逻辑链条严密，适合那些喜欢从更广阔的文化变迁角度理解艺术发展的读者。它提供了一种“技术决定论”的视角，让我对戏曲艺术的未来发展有了全新的思考。