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历代名家册页编委会编 著

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• 文人画
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• 艺术理论

店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534033384

商品编码：1028019652

出版时间：2012-12-01

作  者:历代名家册页编委会 编 著作 定  价:35 出 版 社:浙江人民美术出版社 出版日期:2012年12月01日 页  数:47 装  帧:平装 ISBN:9787534033384 ●暂无

内容简介

暂无

《山水之间：中国传统山水画的时代变迁与精神意蕴》 导言：在笔墨丹青中寻觅天地 中国山水画，作为中华文明中独具魅力的一支艺术门类，其发展历程本身就是一部浓缩的哲学史与审美变迁史。它并非简单地描摹自然景物，而是“可行、可望、可游、可居”的理想栖居地的构建，是“卧游”精神的物质载体，更是文人士大夫寄托家国情怀、个体修养与生命哲思的独特媒介。 本书《山水之间：中国传统山水画的时代变迁与精神意蕴》旨在深度剖析自魏晋肇始，历经唐、宋、元、明、清直至近现代，山水画艺术如何随时代思潮、社会结构和文化取向的剧烈更迭而不断演化，并深入探讨隐藏在皴、擦、点、染之间的深刻文化密码与精神追求。我们不满足于对经典图式的罗列，而是试图穿透表象的墨色肌理，探寻不同历史时期画家们如何通过笔墨的语言，来回应他们所处的特定环境与内心世界。 第一章：萌芽与定型——魏晋南北朝至隋唐：山水入画的初啼 本章追溯山水画的独立地位的确立过程。早期，山水仅为人物画的背景点缀，如顾恺之、陆探微的作品中，山水往往是烘托人物气韵的陪衬。然而，魏晋玄学思想的兴起，特别是“天人合一”观念的深化，为山水画的独立提供了哲学基础。人们开始意识到自然本身的崇高与魅力。 隋代以后，山水画开始形成粗略的体制。唐代是山水画走向成熟的关键时期。李思训、李昭道的“金碧山水”代表了宫廷审美的恢弘气象，注重“界画”的精细与色彩的华丽，体现了盛唐的富丽堂皇与秩序感。与此同时，吴道子则以“吴带当风”的笔法，将笔墨的力度与气势提升到前所未有的高度，为后世写意山水开辟了路径。我们重点分析唐代“南宗”与“北宗”的早期分野，及其背后所蕴含的审美取向差异——前者重气韵生动，后者重形似与装饰性。 第二章：理学与范式——宋代：高峰与格律的构建 宋代，特别是北宋，是中国山水画的黄金时代。士大夫阶层对山水画的推崇达到了顶峰，艺术理论的成熟也为山水画建立了严谨的格律体系。面对北方山川的雄奇壮阔，如荆浩、关仝、李成、范宽等巨匠，共同构建了北宋“巨碑式”山水的范式。他们的作品气势磅礴，结构严谨，对“势”的把握达到了极致，旨在表现宇宙的宏大秩序与个体的敬畏之心。 南宋时期，随着政治重心的南移，画风转向内敛与精微。李唐、刘松年、马远、夏圭被称为“南宋四家”，他们的作品多以“一角两点”的构图，强调空间的留白与意境的含蓄。这种风格的变化，与理学对“格物致知”的强调以及南迁后文人内心复杂的情感波动紧密相关。本章将详细解析宋代院体画的专业性与文人画的初露锋芒，以及他们如何通过不同的笔墨语言来诠释“可游”与“可居”的境界。 第三章：抒情与个性——元代：文人画的自觉与笔墨本体的探讨 元代是山水画史上的一次革命性转折。随着蒙古人入主中原，传统士大夫阶层政治抱负受挫，他们将全部的生命热情和知识分子责任感转移到了艺术创作之中，从而催生了文人画的自觉。黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙——“元四家”不再追求对自然的客观描绘或宏大叙事，而是将山水视为抒发个人性情、表达“胸中丘壑”的载体。 本章核心讨论“笔墨”自身的价值的提升。元代画家不再拘泥于传统皴法的程式化应用，而是将线条、墨色视为具有独立品格的语言，强调“以书入画”。倪瓒的“折带皴”和萧疏意象，以及黄公望对松软笔法的探索，无不体现出一种拒绝入世、保持精神洁净的文人理想。我们还会探讨“董、巨”的影响在元代如何被重新阐释，以及这种风格的转向如何奠定了后世水墨写意画的基调。 第四章：集古与变法——明清：流派纷呈与审美辩论的白热化 明代早期，延续了元代的文人精神，但随着“吴门画派”的兴起，山水画开始出现复古与创新的双重倾向。沈周、文徵明等继承了元四家的遗风，形成了温润秀雅的江南风格。然而，中晚明时期，以董其昌为代表的“松江派”则提出了著名的“南北宗论”，试图建立一个以王维、董源、巨然为源头的“文人画正统”谱系，强调“笔墨趣味”高于“形似”。这种理论的提出，本质上是一场对山水画精神归属的论战。 清代初期，山水画坛的分化更为剧烈。“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）代表了院体与复古的集大成者，他们将“集古”推向了极致，强调“笔墨当随时代”，但其核心仍是“传统”的延续与规范化。与此形成鲜明对比的是“金陵画派”和“新安画派”对地方山水的关注，以及“石涛”等个案艺术家的“我自成一家”的强烈反叛精神。本章将深入辨析“四王”的程式化与“石涛”的个性化表达之间的张力，揭示其背后所代表的时代精神冲突。 第五章：写意精神的现代性审视——近现代的继承与突破 晚清至民国，随着西方现代性的冲击，传统山水画面临着前所未有的挑战与转型。这一时期，山水画不再仅仅是文人的私人寄托，而是被赋予了“救亡图存”的文化使命感。以吴昌硕、齐白石为代表的海派画家，用更民间化、更率真的笔触改造了传统笔墨，赋予山水以强烈的生命力和世俗气息。 近现代的山水画大师们，如黄宾虹，以其“黑密厚重”的渐进式笔墨，试图在传统中寻找支撑现代性的内在逻辑；而张大千则在敦煌壁画的启发下，将传统大青绿山水推向了极致，并在晚年探索了泼墨泼彩的抽象表现形式。本书的最后部分，将探讨传统山水画的写意精神如何在面对全球艺术浪潮时，完成了从“寄情山水”到“表现自我”的现代性转化，并探讨其在当代艺术语境中的生命力。 结语：永恒的“可行、可望、可游、可居” 传统山水画的演进，是一个不断吸收时代精神、反思自身本体论的过程。从盛唐的辉煌气象到宋代的格律构建，再到元代的抒情自觉，以及明清的理论争辩，山水画始终是中国人精神世界的具象化表达。理解山水画，就是理解中国士人的自我定位、他们的宇宙观以及他们处理人与自然关系的方式。本书试图以严谨的学术梳理和深入的文本解读，为读者呈现这部波澜壮阔的丹青史诗。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书是冲着那个名字去的，以为会看到一些关于艺术史的硬核干货，结果大失所望，或者说，惊喜万分。这根本不是一本用来“学习”的书，而更像是一份情绪的拓片。作者的文风极其细腻，那种对“感官经验”的捕捉达到了令人发指的地步。比如描述一次日出，他会把天空的颜色分成七八种层次，然后用一种近乎神经质的精准去描绘光线触碰到物体表面的那种微弱的“阻力感”。我特别喜欢其中关于“行走”的章节，作者将“步行”提升到了一种仪式的高度，每一步的落点、身体的负重、与地面的反馈，都被赋予了某种神秘的意义。读到这种地方，我常常会停下来，自己也在原地踱步，试图去重现那种状态。这本书的节奏感非常强，时而舒缓得像慢镜头，时而又急促得像心跳加速，这种强烈的张力让阅读过程本身成了一种体力消耗。它不是在讲述“石涛”做了什么，而是在展示“成为石涛”可能需要经历的内在风暴。它挑战了我们对传记文学的所有固有期待，是一次对阅读习惯的彻底颠覆。

评分☆☆☆☆☆

读完《石涛》，我最大的感受是，作者对“存在感”的捕捉达到了一个令人敬畏的高度。他似乎对那种稍纵即逝的瞬间有着异乎寻常的执着，并且用一种近乎残酷的清晰度将其固定下来。这本书的语言非常注重“动词”的运用，每一个动词都充满了力量和方向感，让原本静止的画面活了起来。例如，他不会简单地说“风吹过树林”，而是会用非常精确的动词来描述风的性质和树叶的反应，让你能感觉到空气的流动和摩擦的质感。我个人不太习惯这种极其强调“在场感”的写作方式，因为它让人时刻处于一种高度警觉的状态中，几乎没有喘息的机会。这本书的结构是完全非线性的，更像是一张巨大的、充满交叉点的思维导图，作者不断地在不同的时间点和地理位置之间穿梭，但所有的线索最终都会汇聚到对“精神自由”的追寻上。它要求读者具备极高的专注力和极大的耐心，因为它提供的奖励并非故事的高潮，而是对某种极致体验的深度共鸣。这是一部需要反复品味的、带有强烈个人印记的作品，不适合快餐式的阅读。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书，第一感觉是它的装帧和排版都透着一股子沉静的古典美，但内容本身却充满了现代的疏离感。这不是那种老老实实讲故事的书，更像是一系列散点式的、跳跃的意识流片段集合。我花了很长时间才适应这种叙事逻辑——或者说，是缺乏传统逻辑的叙事。它更像是作者在某个特定的情绪节点，随手抓起一片记忆的碎片，然后用极其精准、近乎冷峻的笔触去解剖它。比如，书中有一段对“空”的探讨，从禅宗的境界一路聊到了现代物理学的虚无，这种跨越时空的跳跃性非常考验读者的理解力。我得承认，有些段落我需要反复阅读才能抓住作者抛出的那个核心意象，但这正是它的魅力所在，它强迫你停止被动的接受，转而主动参与到意义的建构中去。它对“笔墨”的讨论，也并非停留在技法层面，而是将其视为一种生命力的载体，一种对抗遗忘的手段。整本书读下来，感觉就像是陪着一位性格极其复杂、思绪极其敏锐的艺术家进行了一次漫长而私密的精神漫步，充满了晦涩的美感，也夹杂着无法言说的孤独。

评分☆☆☆☆☆

这本书的行文风格，简直就像是雨后初霁，带着一种湿漉漉的、清冷的质感。与其他同类题材的书籍相比，它最大的特点是极度的“自我指涉”。作者似乎并不关心外界的评价或历史的定论，他所有的笔墨都聚焦于一个核心点：如何将内在的“混沌”转化为外在的“秩序”，即使这种秩序转瞬即逝。我发现作者非常钟爱使用并置的手法，比如将最粗粝的自然景象与最精致的室内陈设放在一起对比，从而产生一种强烈的视觉错位感。这种并置手法在语言上体现为句式的长短交替和词汇的雅俗共赏。有那么一瞬间，我感觉自己正在阅读一位极其克制的诗人写下的长篇散文，每一个词语都像是经过了无数次锤炼才最终落定的。它没有宏大的论断，只有无数个微观层面的精确观察和私人化的感悟。对于那些追求一目了然的读者来说，这本书可能会显得过于晦涩和内敛，但如果你喜欢在文字的迷雾中寻找细微的光点，那么这本书绝对能提供足够丰富的探索深度。它更像是一面镜子，映照出的是阅读者自己内心深处的某种未被言说的躁动。

评分☆☆☆☆☆

这本《石涛》的书，说实话，拿到手的时候我还有点犹豫。毕竟，提到“石涛”，脑子里首先蹦出来的就是那位清初的著名画家，那种山水气韵和笔墨精神，感觉很难在文字里完全捕捉到。但翻开之后，我发现这本所谓的“书”压根就不是什么传统意义上的画册或者画家传记，它更像是一部精心编织的、带有强烈个人色彩的游记或者说是一种心性的记录。作者的叙事节奏非常自由，时而像山涧流水般清澈明快，一下子就带你进入一个具体的场景，比如某个雨后的江南小镇，湿润的空气和青石板路上的倒影都描摹得栩栩如生；时而又陡然转折，深入到一种近乎哲学的思辨中，探讨人与自然的边界，或者说个体在宏大历史洪流中的渺小与挣扎。我尤其欣赏它那种不拘泥于时间线索的叙事手法，让阅读体验充满了发现的乐趣，就像在迷宫中探寻，总有不期而遇的惊喜。它没有试图去定义石涛这个人物，反而更像是在借用一个符号，去探讨一种“变”与“不变”的永恒主题。文字的功力很深，那种对细节的捕捉，对光影的描绘，甚至对声音的捕捉，都达到了极高的水准，让人读着读着，仿佛能闻到墨香，听到风声。这本书绝非轻松之作，它需要你慢下来，带着一种沉浸的心态去体会，但一旦沉浸进去，那种精神上的满足感是无可替代的。