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店铺： 文轩网教育考试专营店

出版社： 天津人民美术出版社

ISBN：9787530556917

商品编码：10377980885

出版时间：2013-11-01

王季迁藏中国历代名画 作  者:田洪 定  价:375 出 版 社:天津人民美术出版社 出版日期:2013年11月01日 页  数:610 装  帧:盒函装 ISBN:9787530556917 ●《二十世纪海外藏家 王季迁藏中国历代名画 上卷》
●《二十世纪海外藏家 王季迁藏中国历代名画 下卷》

内容简介

《二十世纪海外藏家.王季迁藏中国历代名画(套装共2册)》是田洪先生及时地编辑了王季迁先生曾经收藏的古代书画，将王先生一生的心血汇为一编，方便研究者和收藏家查览。希望能给靠前的收藏家和艺术史研究者提供一些或许可以借鉴的经验。

艺术的殿堂：中国古代绘画的辉煌历程与精湛技艺 本书并非聚焦于特定的私人收藏，而是以宏大的视角，系统梳理了自史前岩画至清代中晚期，中国古代绘画波澜壮阔的发展脉络、风格演变、重要流派及其艺术成就。我们旨在构建一部详尽的、面向所有艺术爱好者和研究者的通史性著作，深入剖析中国绘画如何成为东方美学的重要载体和世界艺术史上的独特坐标。 第一部分：源起与奠基——史前至魏晋南北朝 本书开篇追溯至遥远的史前时代，探讨岩画和陶器彩绘中蕴含的早期符号思维与生命力的表达。进入有文字记载的历史后，重点阐述了帛画的发现及其对早期图像语言的意义，特别是长沙马王堆汉墓出土的T形帛画所展现出的神话宇宙观和成熟的线条运用。 魏晋南北朝被视为中国绘画体系建立的关键期。我们详细分析了这一时期士人阶层对艺术本体论的思考。重点介绍了顾恺之的“以形写神”理论，剖析其对人物画科的划时代影响，并结合其存世摹本，探讨线条的“骨法用笔”如何从技法上升为哲学表达。同时，对谢赫的“六法”进行深入的现代解读，阐明其作为中国传统画论核心的地位。在这一阶段，佛教造像艺术的兴盛及其对绘画构图、晕染技巧的推动作用，也占据了重要篇幅，特别是敦煌早期壁画的风格分析。 第二部分：盛唐气象与文人曙光——隋唐至五代 隋唐五代是中国封建社会的鼎盛时期，绘画艺术也随之进入一个气象万千的黄金时代。 唐代绘画的繁荣体现在其题材的广泛性、技法的多样性和宫廷艺术的辉煌。本书分别设立专章探讨： 1. 人物画的成熟与流派： 重点剖析吴道子“吴带当风”的线描魅力，以及周昉、张萱所代表的“丰腴健美”的宫廷仕女画风。通过对比不同地域和阶层的描绘，展现唐代社会生活的广阔图景。 2. 山水画的萌芽与独立： 论述李思训、李昭道的“青绿山水”所代表的盛唐气象，以及王维在水墨画探索上所展现出的禅宗意境，标志着山水画开始脱离人物画的附属地位，独立成科。 3. 花鸟画的兴起： 探讨初唐花鸟画的写实倾向与装饰性，以及其对后世的影响。 五代被誉为“中国绘画的第二个高峰”。这一时期，山水画的地域风格和个人笔墨特色日益鲜明。本书细致比较了南唐董源、巨然开创的“江南烟雨”风格，与荆浩、关仝、李成的“北方山水”的雄伟气势，为宋代院体和文人山水的对立与融合奠定了基础。 第三部分：格律与意趣——宋代院体与文人画的交锋 宋代是中国绘画艺术的集大成阶段，院体画的制度化和文人画的自觉化构成了这一时期最核心的艺术张力。 北宋院体：我们着重分析了宋徽宗时期画院的鼎盛，强调其“写实主义”的巅峰成就。通过解析范宽《谿山行旅图》的“全景式”构图和严密笔法，张择端《清明上河图》的社会纪实价值，以及苏轼、米芾等人提倡的“论画以意为主”的文人画理念，展现了官方艺术与士人艺术间的对话与张力。 南宋院体与文人画的勃兴：着重研究了马远、夏圭“一角半边”的构图法则，如何以“意到笔不到”来应对偏安一隅的时代情绪。同时，详细阐述了以李唐、刘松年为代表的“院体”画家如何将早期的山水技法融入更具诗意的表达中。 元代：水墨文人画成为主流。本书聚焦于“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙），探讨他们如何以“仿古”为名，行“写胸中逸气”之实。特别是倪瓒的“折芦窠”笔法和对荒寒意境的追求，被视为中国文人画精神的极致体现。此外，赵孟頫复古主义对书法入画的强化，以及陈惟寅等人的绘画实践，都构成了对宋代传统的继承与反拨。 第四部分：技法革新与地域色彩——明清绘画的多元发展 明清两代，随着商品经济的发展和市民阶层的壮大，绘画艺术呈现出前所未有的多元化和世俗化趋势。 明代：我们首先考察了“浙派”和“吴门画派”的区域性特征。以沈周、文徵明为代表的吴门画派，继承元代遗风，强调笔墨的文雅和诗意的渗透。而“院体”的复兴，则以戴进、吴伟为代表，其雄劲洒脱的笔墨，体现了对前朝山水传统的重新激活。中晚期，董其昌的“南北宗论”对后世画坛产生了深远影响，其对笔墨趣味的提倡，标志着对物象的描摹进一步退居次要地位。 清代：此期绘画的特点是继承、反思与创新并存。重点讨论了“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）对董其昌理论的系统化实践，形成了一套精妙绝伦的笔墨规范。与此同时，以下两股强大的创新力量也得到充分展现： 1. “四僧”（髡残、八大山人、石涛、渐江）： 他们的作品充满了强烈的个性和反传统的精神，通过笔墨的夸张、结构的大胆拆解，表达对时代变迁的深刻体验，为现代艺术提供了重要的参照。 2. “扬州八怪”： 以金农、郑板桥为代表，他们将民间艺术的趣味、书法入画的自由度以及强烈的世俗关怀融入创作，使花鸟、竹石画充满了鲜活的生命力，成为清代绘画中最具反叛精神的一环。 全书最终聚焦于清代中晚期，对中国传统绘画技法、理论体系的总结与梳理，为理解中国绘画的古典美学画上圆满的句号，并展望其对近现代艺术的启示与影响。 本书的撰写严格基于可靠的学术研究和对大量传世摹本、原作的细致观察，力求语言严谨而不失文学性，结构清晰而层次分明，为读者提供一个全面、深入且富有洞察力的中国古代绘画艺术通鉴。

评分☆☆☆☆☆

我这次是特地为家里的新书房添置一些能提升人文气息的藏品。选择这本画册，除了内容上的精湛之外，它的装帧所散发出的那种低调的奢华感是其他速食性的出版物无法比拟的。那种厚实的封面材料，边缘处理得一丝不苟，整体呈现出一种古典家具般的质感，放在书架上，本身就是一件极佳的装饰品，无需多言，便能彰显主人对传统文化的尊重与品味。它不是那种看了几次就束之高阁的“网红书”，它的价值在于经得起时间的考验，并且随着时间的推移，其墨香与纸张的结合会愈发和谐，如同老酒般愈发醇厚。这种持久的、潜移默化的美学熏陶，对于培养下一代的审美眼光，也是一种无声的教育与传承，非常值得家庭典藏。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一个纯粹的爱好者，对那些晦涩难懂的理论介绍通常是敬而远之的，我更看重的是能否直接与艺术本身发生连接。这本书在这方面做得非常出色，它的排版布局简直可以用“呼吸感”来形容。大幅画作的留白处理得恰到好处，既突出了主体，又避免了视觉疲劳。我最欣赏的是它对“意境”的捕捉，比如一幅描绘江南烟雨的宋画，它不会用过多冗余的文字去解释“墨分五色”，而是通过高分辨率的局部放大，让你自己去体会那层层晕染出的水汽迷蒙。这种“少即是多”的编辑哲学，反而让人更有探索的欲望。我常常在夜晚，关掉房间的主灯，只留一盏柔和的台灯，对着书页细细品味，那种感觉就像是拥有了一张私人的、专属的、永不落幕的古代艺术展门票，每一晚都有新的发现。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的装帧设计真是让人眼前一亮，从拿到手的瞬间就能感受到一种沉甸甸的历史厚重感。纸张的质感非常考究，那种微微泛黄、带着岁月痕迹的纹理，仿佛能触摸到古人作画时的气息。尤其是色彩的印刷，对原作神韵的还原度极高，无论是北宋山水的浑厚苍茫，还是元四家笔墨的清雅疏朗，都得到了精准的体现。我翻阅了好几遍，光是看那些细节特写，比如人物的衣纹、树石的皴法，就足以让人沉醉许久。看得出来，编者在选取和编排上是下了大功夫的，他们似乎深谙中国画“气韵生动”的精髓，使得即便是没有深入的艺术背景，也能从中感受到作品的生命力。这不仅仅是一本图录，更像是一次精心策划的沉浸式艺术之旅，让人在指尖的触碰中，与那些跨越千年的杰作进行了一次无声的对话。它在视觉上的享受，已经超越了一般画册所能提供的范畴，更像是博物馆精品馆藏的微缩版本，收藏价值极高。

评分☆☆☆☆☆

我最近在研究明代文徵明的书法与绘画风格的演变，急需一本权威、收录全面的参考资料来辅助我的研究工作。在翻阅了市面上几本知名的明清画谱之后，我发现这本书在对吴门画派中坚力量的收录上，展现出了独特的视角和极高的专业水准。它没有仅仅停留在耳熟能详的“大家”名作上，而是对一些承上启下的、在特定时期内对画风产生微妙影响的次要人物的作品也进行了细致的挑选和展示。这对于我们进行学术梳理时，构建一个完整的、立体的艺术谱系至关重要。书中的考证部分虽然不多，但其图版的清晰度和对原作尺幅、材质的标注，都体现了扎实的文献功底，让研究者能更准确地判断作品的原始面貌和历史流传信息。这种对学术严谨性的追求，使得它从一本大众欣赏的画册，升华为一套值得专业人士案头常备的工具书，极大地丰富了我对那个时代绘画生态的认知。

评分☆☆☆☆☆

与其他动辄号称“集大成”的画册相比，我个人对于此书的“策展思路”更加青睐。它不像某些图录那样，为了凑数量而塞入大量风格迥异、质量参差不齐的作品，而是展现出一种克制而精炼的选材标准。似乎每一幅入选的作品，都代表了其所属时代或流派中一个关键的转折点或一个高峰的瞬间。在翻阅的过程中，我能清晰地感受到一条隐形的、但又极其有力的艺术发展脉络在眼前展开，从早期山水的雄浑到后来的士人画的内敛，逻辑清晰得如同历史教科书的视觉化版本。这种高度提炼后的信息量，对于时间有限的现代读者来说，无疑是最高效的艺术启蒙和知识汲取方式，它帮助我们将庞杂的中国古代绘画史，浓缩成了数个最具代表性的、可供深入把玩的精品片段。