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朱良志 著

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出版社： 北京大学出版社

ISBN：9787301226094

商品编码：1038009511

出版时间：2013-07-01

作  者:朱良志 著作 定  价:298 出 版 社:北京大学出版社 出版日期:2013年07月01日 页  数:674 装  帧:精装 ISBN:9787301226094     《南画十六观》共十六章，选择十六位画家，以他们的作品和艺术活动为线索，每章集中讨论一个关系文人画全局的关键性问题。如通过明代画家陈洪绶，集中讨论“高古”；通过倪云林，集中讨论“幽绝”；通过沈周，集中讨论“平和”，等等。十六位画家，就是十六个观照点，合而形成对文人画追求真性问题的总体表述，引发对形成文人画的本质因素？？人的内在精神气质的关注，富有理论深度和穿透力。    《南画十六观》延续了作者一贯的风格，行文等 ●序言：文人画的真性问题一观
●黄公望的“浑”
●一、序：神性与理序
●二、真：莫把做山水看
●三、全：在山满山在水满水的境界二观
●梅花道人的“水禅”
●一、“渔父”的话题
●二、超YUE“隐者”的思路
●三、破除“”的价值三观
●云林幽绝处
●一、幽深
●二、幽远
●三、幽静
●四、幽秀四观
●沈周的“平和”
●一、落花下的感伤
●二、当下即成的感兴
●三、心与天游的自得
●四、倪和沈：寂寞的江滨和温暖的溪岸五观
●文徵明的“浅”
●部分目录

内容简介

    南画者，特指*国传统文人画。本书是作者研究传统绘画的一本新作，通过元明以来十六位代表性画家作品和人生的研究，来探讨支配文人画发展的根本因素？？生命真性问题。全书秉承作者一贯寓深邃思想于优美表述中的书写方式，深具可读性。  朱良志 著作     朱良志，北京大学哲学系教授、博士生导师，北京大学美学与美育中心主任，北京画院外聘专家，美国纽约大都会博物馆不错研究员。长期致力于*国传统艺术的研究，尤长于*国传统哲学和艺术关系的分析，并注意从艺术中剔发*国人的人生智慧。出版有《石涛研究》、《八大山人研究》、《*国艺术的生命精神》、《真水无香》、《*国美学十五讲》、《曲院风荷》等著作。     中国传统*尖大师的文人画，有一种无法以语言表现的纯粹的美。在这个世界上，或许只有宁静高贵的希腊雕塑、深沉阔大的欧洲古典音乐能与之相比，她们所散发的“纯美”给我们短暂而脆弱的人生增加了意义。日本京都学派创始人之一、博学的内藤湖南在上世纪初就说，中国的文人画（他以“南画“称之）是一种**高雅的艺术，是一种能够代表中国这个世界至为灿烂文明的文化精神的艺术，必将在未来的人类文明进程中发挥更大的作用。研味中国传统文人画，的确能感受到在她简澹的形式背后，藏着含玩生命的优游不迫的情怀、独标真性的沉着痛快的精神。
    本书所论的内容，真可以“乞儿唱莲花落”一句禅语来概括。禅宗将追求真实的人，称为“乞儿”？？托钵行乞天下，一钵千家饭，孤身万里游。只有那些不为表面事实所遮蔽的人，才会如乞儿一样追寻。真正追寻真的等

翰墨丹青的交响：中国传统绘画的审美脉络与技法探微 本书并非关于“南画十六观”的论述，而是一部聚焦于中国传统绘画美学思想、流派演变及其核心技法体系的综合性研究。 本书旨在为读者构建一个宏大而精微的中国画图景，深入剖析自魏晋肇始，历经唐宋元明清，直至近现代演进过程中，文人画与院体画两大脉络如何相互影响、相互映照，共同塑造了中华民族独特的审美理想和视觉语言。我们着重探讨的，是贯穿其中的哲学基础、笔墨精神以及物质载体对艺术表达的深刻制约与启迪。 --- 第一部分：意境为先——哲学根基与审美理想 中国画的本质，在于“写意”而非“写形”。本书的开篇，即着手梳理支撑起这一核心观念的哲学土壤。我们详述了儒家入世的“中和”之美、道家“自然无为”的超脱境界，以及佛家禅宗“瞬间永恒”的领悟，如何层层渗透入画家的心灵结构与创作取向。 1.1 天人合一的宇宙观与山水母题 山水画作为中国画的最高成就，绝非简单的风景记录，而是画家心中古老宇宙秩序的投射。本书细致辨析了宋代董源、巨然所开创的“平远、高远、深远”三种空间处理方式背后的空间哲学。重点分析了“气韵生动”这一永恒的评价标准，如何从顾恺之的“传神写照”发展为谢赫“六法”的理论核心，并阐释了这种“气”如何通过线条的抑扬顿挫，而非西画的明暗对比来体现物质世界的生命力。 1.2 笔墨语言的符号学意义 在中国画中，笔墨本身即是意义载体。本书耗费大量篇幅解构了“笔法”与“墨法”的独立体系。 线条的生命力： 探讨了“十八描”在人物画中的严格规范，以及文人画中追求的“飞白”、“枯湿浓淡”变化如何超越了描绘对象的物理属性，直接传达画家的性情与修养。例如，我们对比分析了唐代吴道子“吴带当风”的力度与元代赵孟頫“铁线描”的内敛蕴藉，揭示了线条在不同历史时期所承担的情感负载。 墨色的层次与哲学： 墨，在中国画中是“五色之首”。本书详细区分了焦、浓、重、淡、清五色之墨在实践中的运用，以及“墨分五彩”的理论基础。我们考察了如何通过水分的控制，创造出远山空濛、近景清晰的层次感，体现了中国传统美学中对“有限中见无限”的追求。 --- 第二部分：流派纷呈——历史演进与风格嬗变 中国画的历史是一部不断在继承与反叛中前进的历史。本书系统梳理了主要画科（山水、人物、花鸟）的关键发展节点，着重辨析了区域性画派与文人士大夫群体内部的风格差异。 2.1 唐宋院体的工整与典雅 重点分析了盛唐李思训、李昭道的金碧山水，作为宫廷艺术的代表，其铺陈华贵、造型严谨的特点。随后，深入剖析北宋范宽的雄强、郭熙的“可行、可望、可游、可居”的理想山水构造法，以及南宋马远、夏圭“一角半边”的构图革命，探讨了这种“边角”处理对宋代士人政治失意后心境的反映。 2.2 元代文人画的转型与复古思潮 元四家（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的出现标志着中国绘画进入了以“书入画”为核心的自觉阶段。本书详细阐述了“笔墨即书”、“以书为画”的理论实践，分析了倪瓒的疏简空灵，如何通过拉开空间距离，表达对元代统治者的隔阂与清高。我们引入了“缶（fǒu）临摹”的概念，探讨他们如何通过临摹古人，来确立自身的精神坐标。 2.3 明清之际的多元探索与技法冲突 明代董其昌提出的“南北宗论”虽然具有一定的局限性，但却深刻影响了后世的艺术观。本书批判性地分析了南北宗的划分逻辑，并侧重于阐释晚明以陈淳、徐渭为代表的“写意花鸟”如何将书法用笔的自由度推向极致，将文人的个性和情感外露提升到了新的高度。清初“四王”对“元四家”的集大成，以及“四僧”（弘仁、髡残、八大山人、石涛）对传统程式的颠覆与重建，构成了本书高潮部分。 石涛的“一家所有”： 重点分析了石涛“我自用我法”的革命性主张，他如何在继承中求变，通过强烈的墨色对比和富有张力的笔触，打破了前人的束缚，为近代中国画的革新奠定了基础。 --- 第三部分：笔墨技法解析——实践层面的操作规程 本书的后半部分，跳脱出历史叙事，转入对具体技法操作的细致解读，旨在揭示传统绘画的物质性规律。 3.1 纸、绢与墨材的选择与影响 不同载体对笔墨的渗透性是不同的。本书详细对比了宣纸（生、熟）、绫绢对水分的吸收差异，以及这些差异如何反过来要求画家调整用笔的力度和速度。同时，对松烟、油烟、徽墨的物理特性进行了考察，并结合制墨工艺，分析了墨的“光泽”如何影响最终画面的“层次感”。 3.2 结构与章法的空间构建 讨论了中国画独特的“散点透视”原理，即允许观者在同一画面中体验不同时间点和不同视角的景象，这与西方焦点透视形成了鲜明对比。着重解析了留白（计白当黑）在构建空间深度和营造意境上的关键作用，以及如何利用对角线、S形曲线等基本构图法则，引导观者的视线流动。 3.3 题款、印章与画面的互动关系 中国画的完成，往往需要文字和印章的参与。本书探讨了书法在画作中的地位，优秀的题款不仅是信息的补充，本身就是一幅独立的艺术品，是画家“以诗入画”的体现。对不同风格的书法（楷、行、草）如何与画面的气韵相匹配进行了案例分析。同时，也研究了印章的材质、布局和朱色与墨色的对比关系，共同构成画面最后的“点睛之笔”。 --- 总结： 本书通过对中国画审美哲学、历史流变、核心技法和物质基础的全面梳理，力求展现一幅立体的、充满内在逻辑的中国传统绘画全景图。它关注的是中国画数千年间不变的“道”，而非某一特定时期的“术”。读者将从中获得对中国艺术精神深层结构的理解，体会中国艺术家如何通过线条、水墨与留白，构建起一个既属于物质世界又超越物质世界的精神家园。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉，仿佛是走进了一个被时间遗忘的园林，里面的一草一木、一砖一瓦，都浸透着旧时光的香气。它没有宏大的叙事，却在微小的细节中展现了磅礴的生命力。我特别留意到作者对于“器物”的描述，那些看似普通的笔墨纸砚、瓷器茶盏，在作者笔下仿佛获得了灵魂，它们不再是冰冷的物件，而是承载着文人情怀的载体。这种对物质世界的精神化解读，极大地拓宽了我对“审美”二字的理解范畴。读这本书，就像是参加了一场跨越数百年的文化沙龙，与那些风度翩翩的古人隔空对饮，交流彼此对生命和艺术的见解。它的文字如同上好的丝绸，触感温润而富有张力，读起来让人身心舒畅。这本书的价值，不在于它“告诉”了我们什么，而在于它“引导”我们去感受和想象，那种无声的感染力，才是它最动人心魄之处。

评分☆☆☆☆☆

这本书的独特之处在于其强烈的“仪式感”。从装帧设计到内文排版，无不透露着对传统的尊重与继承。阅读它，本身就是一种对慢生活的实践和对精致传统的致敬。我发现自己会不自觉地放慢语速，甚至连翻页的动作都变得轻柔起来，生怕打破了书中营造的那种肃穆而优雅的氛围。作者对“格律”和“法度”的坚持，让整部作品呈现出一种古典音乐般的和谐与平衡感，每一个音符（词语）的出现都精准无误，恰到好处。它就像一个技艺精湛的匠人，用最传统的工具，打磨出了一个超越时代的作品。这种对“秩序美”的极致追求，在当今这个追求效率和颠覆的时代显得尤为珍贵。它不是一本让你用来打发时间的读物，而是一本需要你用心“供奉”和“品鉴”的艺术品，每次重读，都会有新的感悟，这才是真正的好书的魅力所在。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的阅读体验是具有挑战性的，它要求读者具备一定的文化储备和耐心。我一开始读得磕磕绊绊，很多典故和人物名字都需要停下来查阅，生怕自己错过了作者埋下的精妙伏笔。但正是这种“挣扎”，反而激发了我更深入探索的欲望。它像一个高难度的谜题，每解开一个，都会带来巨大的成就感。我尤其赞叹作者在结构上的匠心独运，虽然内容似乎是松散的片段集合，但当你将所有碎片拼凑起来时，会发现背后有一条清晰而坚韧的线索在贯穿始终。这种“大巧若拙”的处理方式，着实令人拍案叫绝。它不是那种读完就忘的消遣之作，而是需要你在脑海中反复咀嚼、消化，才能真正领会其精髓。对于那些渴望在阅读中获得智识提升的读者来说，这本书无疑是一座亟待开掘的金矿，每一次挖掘，都会有新的惊喜浮现。

评分☆☆☆☆☆

读完这书，我最大的感受就是一股扑面而来的“清寂”之美。它没有那种浓墨重彩的渲染，也没有跌宕起伏的情节设置，一切都处理得恰到好处，如同山涧的清泉，潺潺流过心田，洗净了都市的尘嚣。作者的文字功力自不必多说，那份对意境的把握，简直是炉火纯青。我记得其中有一章节，描述了雨后初霁的庭院，薄雾还未散尽，几株老梅傲然挺立，那份“空濛”之感，让我差点就想放下书，走到窗边去看看外面的天气。这种将文字转化为立体感知的能力，是很多当代作家难以企及的。这本书就像一面古老的铜镜，映照出的不是喧哗的市井百态，而是隐藏在繁华背后的那份遗世独立的宁静。它不迎合市场，不追逐潮流，只是固执地坚持着自己的审美标准，这种“不合时宜”的反倒成了它最大的魅力所在。每一次翻开，都能从中汲取到一种沉静的力量，让人在浮躁的世界中，找到一个可以安放灵魂的角落。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的典籍，初捧在手，便觉一股沉甸甸的历史气息扑面而来。它不像那些轻飘飘的流行读物，而是像一块饱经风霜的古玉，需要你沉下心来细细摩挲。我花了整整一个下午，才将它从头到尾翻阅一遍，那种感觉，就像穿越了时空隧道，亲眼目睹了那些失落在岁月深处的风雅之事。书中的笔触细腻入微，对那些看似寻常的场景和物件，总能描摹出一番别样的韵味。比如，书中对一次雅集茶会的描写，从选址到茶具的摆放，再到与会者的衣着和谈吐，无不透露出一种精心雕琢的雅致，仿佛连空气中都弥漫着桂花的清香。这种对细节的极致追求，让人不禁感叹，古人的生活美学，真非我等今人所能企及。我尤其欣赏作者那种不急不躁的叙事节奏，它不是那种让你肾上腺素飙升的快餐式阅读，而是一种缓慢而深沉的熏陶，让你在不知不觉中，被那种古典的氛围所感染、所浸润。读完后，我仿佛对“风雅”二字有了更深层次的理解，它不再是空泛的词汇，而是具体可感的画面和场景，值得反复品味。