我是怎样拍电影的 （日）山田洋次 著 后浪电影学院 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[日] 山田洋次 著，蒋晓松，张海明 译

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• 后浪电影学院
• 日本电影
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店铺： 墨轩书屋图书专营店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550229143

商品编码：10501073639

包装：平装

丛书名： 后浪电影学院

开本：32

出版时间：2015-03-01

用纸：胶版纸

页数：171

字数：125000

正文语种：中文

编辑推荐　　山田洋次，成长于中国东北，从卖鱼小贩到国民大导，创作超过一百部卖座影片；
　　山田洋次，艺术与商业共赢的常青树，中国*为家喻户晓的日本导演；
　　山田洋次，分享从影六十载的编剧、导演秘密，心路历程及艺术观念全公开；
　　细数片场趣事与生活感悟，带你感受“含泪的笑容”与“幸福的泪水”。
　　
　　海报：
　　

内容简介　　日本电影大师山田洋次在本书中将其几十年从影经历娓娓道来。其中既有编剧、导演的方法技巧，又有充满人性温度的生活细节。如同他的电影风格，山田洋次以平和而温暖的行文，介绍了自己从影的动机和愿望；论述了素材与剧本的关系；并以《寅次郎的故事》《幸福的黄手帕》等影片为例，分享现场执导的体会，探讨导演应具备的修养和能力。读者不仅能从中管窥山田洋次是怎样拍电影的，也会收获一份心灵的感动。
作者简介　　蒋晓松，1951年出生于上海市。电影导演蒋君超和演员白杨之子。文化人、实业家、社会活动家，博鳌亚洲论坛主要策划人和推动者。其制作的电视纪录片《小木屋》荣获第28 届纽约国际电影节电视导演奖。
目录上篇 我和电影
一 登上影坛
二 初看电影
三 电影是什么
四 电影与现实主义
五 谈谈“滑稽性”
六 观众与创作者的共鸣
七 “寅次郎”与美国人

中篇 素材与剧本
八 冲动的力量
九 谈谈剧本

下篇 拍摄现场
十 我的导演工作
十一 导演与摄制组成员
十二 《寅次郎的故事》摄制组
十三 导演与演员
十四 谈谈渥美清
山田洋次作品一览
后记
出版后记精彩书摘　　1 也许在交杯换盏、尽情欢乐之际，也许在传统佳节之时，有人用娓娓动听的歌声引吭高歌；有人不断说些俏皮话逗人发笑；有人说些精彩的故事；或者有人画上—幅美丽图画……人们便会为他们鼓掌叫好：“真棒！真棒！”于是这些人便会煞费苦心地创作出更好、更受欢迎的作品。艺术不就是在这种苦心钻研过程中诞生的吗？所以说，艺术本来就是为使人愉悦而存在的。
　　2 如果一位才能卓绝的天才作家所创作的光辉形象只是让观众茫然地看着，那么，这种工作我是胜任不了的，而且我也不想干。我要作为—个市民生活下去，把日常生活中接触或感受到的*激动人心的事，借某种缘由逐渐搞成雏形，在反复构思中形成骨骼，然后附以血肉，*后成型。如果这部作品是成功的，观众便会产生共鸣，自然报以掌声。如果作者在场，恐怕观众会 要求和他握手吧。像这种能够感受到切肤温暖的作品，我一直想看，也一直想拍。
　　3 要说爱，不光《幸福的黄手帕》，可以说《寅次郎的故事》，以及我拍的其他作品都是这样。假如没有爱，也许拍不成电影。我的看法是，爱这个人是出于想尊重这个人，只有尊重他人的意愿，才有自尊的想法，正因为大家爱他人，人们才能有相互尊重的精神。
　　4 摄影师常讲，要把一位女演员拍得美，秘诀就在于他自己认为这位女演员确实很美。有许多摄制组成员看着摄影机前的女演员由衷地赞叹她的美，当这种情绪传递给女演员时，她会表现得越来越美。不仅女演员如此，男演员、小演员、甚至连风景地也都如此。当摄制组成员被美丽风景陶醉时，那么，他们会把自己这种感受反映在银幕上传达给观众。
　　5 有一个词叫“私心”，即是指“我”。去私心也就是要达到天真。只有在祛除“我”求得天真之时，方能体现出此人的个性，只有去了私心才能达到真正的我。我们应该坚持不用我们的尺度衡量事物，而用客观的尺度判断事物，用观众的语言表达事物。自我表现，吓唬外行这种出于私心而创作的人是*可耻的。我们应该—心一意为观众的幸福而搞创作。这样创作出来的作品必然会反映出作家的个性。而作者人品的低下、人格卑鄙等也同样能在作品中反映出来。正因为作者的人格渗透在作品之中，并由此把感受传达给观众，所以，作者必须时时刻刻努力不懈地提高自己的人格。这就要不断改造自己的思想，不断地努力保持自己丰富的感受。
　　6 归根结底，电影这种艺术并不是日本的电影只有日本人才能理解，欧洲的电影只有欧洲人才能理解，我认为：关于日本人是怎样看待日本人这个问题，同外国人在看日本电影时，也会感动和兴奋一样，比如说，酱汤对日本人来说是何等的鲜美，外国人是绝对难以理解的。但他们一定能想象出他们与之相当的东西，并为此而高兴。就是说，如果日本人认为，酱汤的独特味道外国人未必理解，那么，外国人也是会理解这一点的。这是我在国外旅行时所想到的一些问题。*近，有些影片虽然是日本影片，但它却以外国人观察日本人的眼光来描写日本人，或者相反，以日本人观察外国人的眼光来描写日本人，这类影片我好像经常看到。
　　7艺术产生于作家那使人愉快、欢乐，而其本人恬淡无欲的精神，这种精神越旺盛，越能创作出优秀作品。诚然，如此创作出来的作品里也会有毫无价值的东西。但是，在一百部、二百部的作品里，肯定会有那么一二部优秀作品，堪称艺术而流传于后世。不重视娱乐的人就不能称为艺术家。那些声称自己不想拍单纯的娱乐电影的说法以及在概念上把艺术和娱乐对立起来的想法是绝对创作不出杰出的艺术作品的。
　　8 有追求美的欲望，才能产生美的艺术。民众有看到好电影的愿望，才能创作出与这种愿望相适应的优秀影片，以供民众享受。如此种种现象一言以蔽之就叫作文化。因此，所有的作品无论是电影还是文学都可以说是该时代的一种表现形式。
　　9像水平高的木匠丝毫不会为自己的工作作任何辩解—样，我也想当—名埋头制作电影的人。
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电影制作的艺术与技艺：从构思到银幕的旅程 一本深入电影创作核心，探索导演思维与实践的权威指南 本书并非仅仅是一本技术手册，它是一次对电影艺术本质的深刻剖析，一次对伟大导演们如何在光影世界中构建叙事、塑造人物、调动情感的详尽考察。我们致力于揭示电影制作从最初的火花到最终成品的完整脉络，聚焦于那些使一部影片从平庸走向非凡的关键决策与实践。 第一部分：愿景的诞生——从概念到剧本的打磨 电影的生命始于一个想法。本部分将详细探讨如何将一个模糊的灵感转化为一个清晰、可执行的电影蓝图。 1. 故事的核心驱动力： 我们将分析优秀故事的结构要素，探讨“高概念”（High Concept）与“深层主题”（Deep Theme）的平衡艺术。如何找到一个既能抓住观众注意力，又能承载深刻社会或人性洞察力的核心冲突？我们将借鉴经典叙事理论，如英雄之旅、三幕结构，并探讨当代电影如何巧妙地解构和重塑这些传统框架。 2. 角色塑造的深度工程： 角色是观众情感的锚点。本书将提供一套系统的角色构建方法论，超越简单的性格标签，深入挖掘角色的动机、缺陷、矛盾及其在特定情境下的决策逻辑。探讨如何通过潜台词、肢体语言和环境互动来丰富角色的层次感，让角色呼吸，让观众相信。 3. 剧本的视觉化书写： 电影剧本首先是为“看”而写的，而非“读”。我们将专注于“画面思维”的培养，教授如何用精确的动作描述和环境设置来替代冗长的对白，实现“视听语言”的早期规划。讨论场景设计、节奏控制，以及如何利用剧本页面来预设剪辑点和摄影机的运动。 第二部分：视觉语言的构建——导演的眼睛与技术选择 一旦剧本完成，导演的职责便转向将文字转化为可感知的影像。本部分聚焦于技术选择如何服务于叙事目的。 1. 摄影与光线的诗学： 探讨光线不仅仅是照明工具，更是情绪和意义的载体。我们将深入解析不同光线设置（硬光、柔光、侧光、背光）如何影响场景的氛围和观众对角色的认知。同时，研究焦距、景深、镜头运动（推、拉、摇、移）的心理学效应，以及如何通过画面构图来引导观众的视线焦点，创造空间感和运动感。 2. 场景调度与空间哲学： 场景调度（Mise-en-scène）是导演对画面内一切元素的总指挥。本章将分析如何有效利用前景、中景、背景的空间关系来展现权力结构、人物关系或环境的压迫性。探讨如何通过演员的走位、道具的摆放，甚至色彩和服装设计，来讲述“正在发生”的故事，使每个画面都承载信息量。 3. 声音的隐形力量： 声音设计往往是决定影片沉浸感的隐形功臣。本书将区分对白、环境声效、拟音和音乐的职能。深入研究如何利用声音的层次感、声像定位和音高变化来增强紧张感、营造真实感，并探讨“寂静”在特定情境下所爆发出的巨大叙事能量。 第三部分：排练、指导与现场决策 从纸面到现场的转化是充满变数的挑战。本部分侧重于导演在片场的领导力、沟通技巧和快速解决问题的能力。 1. 与演员的共舞： 成功的指导需要建立在信任之上。我们将探讨如何进行有效的排练，如何向演员传达抽象的表演概念（如“脆弱感”或“侵略性”），以及如何在拍摄高压环境下保持表演的自然与鲜活。分析“表演风格”的多样性及其在不同类型片中的适用性。 2. 现场的效率与创造力： 资源总是有限的，时间更是如此。本章提供实用的现场管理策略，包括如何与摄影指导（DP）、艺术指导和制片部门进行无缝协作。重点讨论如何在突发的技术故障或天气变化面前，快速制定B计划，确保艺术目标不被牺牲。 3. 镜头语言的最终确认： 导演如何在监视器前决定“足够好”？这需要对已经拍摄的素材进行即时的审美判断。我们将教授如何检查景别一致性、表演的精确性以及技术要素的完美契合，确保每一个Take都最大化地服务于最终剪辑的意图。 第四部分：后期的魔法——剪辑与声音的最终塑形 剪辑是电影的“第二次写作”。影片的节奏、情感的张力，最终都在剪辑室里被雕刻出来。 1. 剪辑的节奏哲学： 不仅仅是连接镜头，剪辑是控制时间感和观众呼吸的艺术。我们将分析“跳切”、“长镜头”、“交叉剪辑”等不同剪辑手法的叙事目的。如何通过剪辑的密度和长度来调整影片的整体步调，使观众的情绪被精准地牵引。 2. 声音与音乐的整合： 探讨混音过程如何实现声音元素的平衡，确保对白清晰可辨，同时环境声效和音乐能够和谐共存而不互相干扰。分析配乐在情绪推高、场景转换和主题反复出现中的关键作用，以及与作曲家合作的最佳实践。 3. 色彩分级：最后的调色笔： 色彩分级（Color Grading）是赋予影片独特“肤色”和氛围的最后一道工序。我们将解析不同色彩风格（如高饱和度、低对比度、冷暖色调平衡）如何强化影片的主题和情感基调，使影片呈现出统一且令人难忘的视觉体验。 本书旨在为所有对电影制作充满热忱的人士提供一个全面、深入且充满实践指导的框架。它鼓励读者跳出单纯的技术迷思，回归到电影创作的本质——如何用镜头和声音，讲述一个值得被讲述的故事。通过对这些核心环节的系统学习和深入理解，读者将能够更自信、更有洞察力地驾驭从概念到银幕的整个复杂而迷人的旅程。

评分☆☆☆☆☆

不得不提的是，这本书在处理不同年代、不同文化背景下的电影语境转换上，展现出了惊人的包容性和前瞻性。它不固守某一种流派或某个时期的标准，而是始终以“电影作为一种沟通媒介”的核心价值为导向进行论述。通过作者的视角，我得以窥见不同时期电影工业的变迁与不变的核心追求。这种跨越时空的对话能力，使得这本书的价值远超一本简单的“技法指南”，它更像是一部关于视觉叙事哲学的编年史。每次重读，都会因为自身阅历的增加而产生新的共鸣点，发掘出上次忽略的细微之处，这才是真正经得起时间考验的经典之作的标志。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏把握得非常高明，它不像某些技术手册那样干巴巴地堆砌术语，而是充满了生活化的观察和充满激情的反思。作者似乎总能将那些看似枯燥的拍摄流程，用一种近乎于讲故事的方式娓娓道来，让你在不知不觉中就吸收了大量实用的知识和经验。我最欣赏的是，他在描述遇到的困境和挑战时，那种坦诚和毫不回避的态度，这让读者感觉不是在仰望一位高高在上的大师，而是在与一位经验丰富的同行交流心得。每一次技术抉择的背后，都蕴含着对人性、对叙事节奏的深刻理解，这种将技术与艺术完美融合的阐述方式，极大地拓宽了我的思考维度。读罢某个章节，我常常需要停下来，闭上眼睛回味一下，那种醍醐灌顶的感觉，是其他许多书籍无法给予的。

评分☆☆☆☆☆

这本书成功地打破了我对“如何拍电影”的固有认知框架。以往总觉得电影制作是一个需要巨额预算和复杂流程堆砌的庞然大物，但读完这本书后，我开始意识到，很多时候，最动人的力量来源于最朴素的观察和最真诚的表达。作者对于如何利用有限的资源去最大化地实现艺术构想的讨论，尤其让我受益匪浅，这对于当前许多独立影像创作者来说，无疑是及时的甘霖。他强调的“先有故事和情感，再谈技术实现”的理念，像一剂清醒剂，让我开始重新审视自己创作的出发点。那些关于场面调度和与非专业演员沟通的细节描述，更是充满了烟火气，让人感觉这些经验是真正从片场实战中淬炼出来的，而非纸上谈兵。

评分☆☆☆☆☆

从文学性的角度来看，作者的文字功力同样令人叹服。他的表达既有东方哲学的内敛与含蓄，又不失对电影语言的精准剖析，形成了一种非常独特的个人风格。那些用来形容光线、景别或演员情绪的词汇，往往精准而富有画面感，仿佛每一个句子本身就可以直接被转化为一个镜头。这种高密度的信息传达，要求读者必须保持高度的专注力，但回报是丰厚的。我发现，即便是对电影制作略有了解的读者，也能从中挖掘出新的理解层次，而对于新手来说，这本书提供了一个既具启发性又不会让人迷失方向的理想入口。这种在感性描绘和理性分析之间游刃有余的笔法，是很多“过来人”的经验之谈所缺乏的厚重感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，那种沉稳中又不失质感的纸张选择，拿在手里就有一种对电影制作的敬畏感。我尤其欣赏封面设计上那种简洁却富有深意的排版，仿佛已经能从那几个字里感受到光影变幻的魔力。翻开内页，印刷的清晰度和字体的选择都体现了出版方对阅读体验的极致追求，长时间阅读下来眼睛也不会感到疲劳，这对于一本深入探讨技术和艺术的书籍来说至关重要。它不仅仅是一本记录心得的文字集，更像是一件精心打磨的艺术品，让人在阅读之前就对内容充满了期待。这种对细节的关注，恰恰反映了作者在创作过程中对待每一个镜头的严谨态度，也难怪这本书能吸引这么多电影爱好者和从业者。初次翻阅时，我甚至舍不得太快地去触碰那些深刻的理论，只想先沉浸在这份美好的物质触感中，细细品味这份匠心。